biographien musiker

Der Sprachkurs Gradiscanskohrvatski glasi besteht aus 3 Büchern: Textbuch: 'Teksti Texte' Das Textbuch ist durchgängig zweisprachig und besteht aus folgenden Teilen: · Schriftliche Versionen der 24 Alltagsszenen · Standardversionen der sechs Dialektszenen · Burgenlandkroatische Literaturbeispiele und Liedtexte · Biographien der Autoren/innen · Beschreibungen der Musiker/innen · Elf Lesetexte aus der österreichischen und internationalen Literatur und den Medien · Zur Geschichte und Entwicklung der kroatischen Volksgruppe im Burgenland (deutsch) Übungsbuch: 'Vjezbe i gramatika Übungen und Grammatik' Das Übungsbuch besteht aus folgenden Teilen: · Allgemeine Übungsanleitungen zu den Hörtexten (deutsch) · Übungen zu den Alltagsszenen mit Lösungsschlüssel (deutsch / burgenlandkroatisch) · Allgemeine Übungsanleitungen zu den Lesetexten (deutsch) · Übungen zu den Lesetexten mit Lösungsschlüssel (deutsch / burgenlandkroatisch) · Grammatik mit Übungen und Lösungsschlüssel (deutsch mit burgenlandkroatischen Beispielen) Wörterverzeichnis: 'Rici Wörter' Die Herausgeber haben sich bemüht, alle im Textbuch vorkommenden Wörter im Wörterverzeichnis anzuführen. Es besteht aus folgenden Teilen: · Wörterverzeichnis: Burgenlandkroatisch - Deutsch · Wörterverzeichnis: Deutsch - Burgenlandkroatisch · Glossar (Vokabular zu ausgewählten Themenbereichen) Das Lehrwerk Gradiscanskohrvatski glasi wurde neu aufgelegt. Im Zuge dessen wurde das in der 1. Auflage beiliegende Audiomaterial CD 1 ('Scene iz svakidanjega zitka Alltagsszenen') und CD 2 ('Jacke i literatura Lieder und Literatur') digitalisiert. Es liegt in dieser Auflage nun nicht mehr als CD bei, sondern kann online abgerufen werden.

Studienarbeit aus dem Jahr 2004 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 2,0, Albert-Ludwigs-Universität Freiburg (Musikwissenschaftliches Seminar), Veranstaltung: Elektroakustische Musik, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Aufgabenstellung der vorliegenden Hausarbeit ist es, zwei sehr gegensätzliche Werke miteinander zu vergleichen. Ihr auf den ersten Blick einziger Berührungspunkt ist ihr Zusammenhang mit den Fahr- und Betriebsgeräuschen mit Dampf betriebener Eisenbahnen. Auf der einen Seite steht Arthur Honeggers Komposition mit dem programmatischen Titel Pacific 231 von 1923, auf der anderen Seite Pierre Schaeffers konkrete Studie Étude aux chemins de fer aus dem Jahre 1948. Außer der relativ großen Nähe ihrer Entstehungszeitpunkte verbindet die beiden Stücke auch die relative räumliche Nähe ihrer Urheber: Beide Komponisten sind in Frankreich, und v.a. in der Hauptstadt Paris anzusiedeln. Hier beginnen und enden alle Entsprechungen der beiden Biographien; die Komponisten gehören unterschiedlichen Generationen an, Arthur Honegger war 1892 in Le Havre als Sohn schweizerischer Eltern geboren worden, Pierre Schaeffer 1910 in Nancy. Auffällig unterscheiden sich ihre Kompositionstechniken: Während der eine zwar deutlich beeinflußt von der harmonischen Entwicklung des 20. Jahrhunderts, aber doch im herkömmlichen Sinne komponierte, entwickelte der andere, indem er aus dem neuen Medium, dem Radio, und technischen Entwicklungen wie dem Mikrofon und der Schallplatte heraus produktiv wurde, eine vollkommen neue Art der Musikproduktion. - Die "konkrete Musik". Es wäre unsinnig, das Verhältnis der Komponisten auf das Gegensatzpaar 'Traditionelles gegen Modernes' zu reduzieren; Honegger hatte ein Interesse am Fortschritt, auch innerhalb der Musikkonventionen. Er schlug beispielsweise vor, die Notation von lästigen Traditionen wie der transponierenden Notierung mancher Instrumente oder überflüssigen Tonartvorzeich-nungen zu bereinigen. Eine Gemeinsamkeit zwischen den beiden Stücken zeigt sich in ihrer Bedeutung im Gesamtschaffen ihrer Urheber. Sowohl in bezug auf Honegger als auch bei Schaeffer weisen Kritiker und Wissenschaftler immer wieder auf das entsprechende Stück als bedeutend im uvre der Komponisten hin. Während bei Honegger die Monumentalität und orchestrale Wirkung die Ursache dafür sein dürfte, ist es wohl in bezug auf Schaeffers Werk die exponierte Position als erster Komposition der konkreten Musik sowie im allgemeinen der Popularität der Dampfeisenbahn zu verdanken.Während Honeggers Werk letztlich überwiegend als hervorragende Komposition gewürdigt wird, haftet der Étude aux chemins de fer der Ruf des Experimentellen an.

Examensarbeit aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Studienseminar für Gymnasien in Kassel, Sprache: Deutsch, Abstract: [...] Um die Kultur(-Politik) der Partei und des Staates nachvollziehen zu können, wird zunächst kurz die Bedeutung des Kulturbegriffs in der DDR erläutert. Die nachstehenden Kapitel geben einen Überblick über die (Kultur-)Politik der DDR ausgehend von den 1950er Jahren bis zum Mauerfall. Die Leitfrage dieser Überblickskapitel wie auch der gesamten Untersuchung beschäftigt sich mit den (kultur)politischen Maßnahmen und Handlungen der SED im Hinblick auf Rockmusik. Dabei soll aufgezeigt werden, wie und weshalb versucht wurde, diese Musik staatlich zu kontrollieren und welche Auswirkungen dies auf die Rockmusik in der DDR hatte. Außerdem soll herausgearbeitet werden, wie sich die Kulturpolitik im Laufe der Zeit verändert hat. Im Hauptteil der Arbeit wird am konkreten Beispiel des Konzerts von Bob Dylan ausführlicher untersucht, aus welchen (kulturpolitischen) Gründen sowie unter welchen Voraussetzungen und Bedingungen ein Konzert eines "westlichen" Rockstars in der DDR stattfinden konnte. Um die Bedeutung und Wirkung dieses Konzerts verständlich zu machen, wird zunächst Bezug auf die (musikalische) Biographie Bob Dylans im Zusammenhang mit den gesellschaftlichen wie musikkulturellen Ereignissen in den 1960er Jahren genommen. In den Kapiteln zu dem Konzert wird zuerst sein historischer Kontext mit Bezug auf die geschichtlichen Umstände des Jahres 1987 dargestellt. Danach steht die Untersuchung der Planung und Organisation im Mittelpunkt. Im Anschluss wird aufgezeigt, wie von Seiten des Veranstalters, des Publikums sowie der Medien in Ost und West das Konzert rezipiert wurde. Des Weiteren folgt ein kurzer Ausblick auf die Folgewirkungen des Konzerts. Im letzten Kapitel werden die Fragestellungen der Untersuchung beantwortet und die zentralen Ergebnisse zusammenfassend dargestellt. [...]

Studienarbeit aus dem Jahr 2016 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,3, Technische Universität Dortmund, Sprache: Deutsch, Abstract: Um dem Titel der Arbeit gerecht zu werden, müssen zwei verschiedene Strategien angewandt werden. Zum einen fordert der Titel selbst die Untersuchung eines Zeitraums (Von...bis). Beim Lesen des Untertitels hingegen erwartet man einen direkten musikalischen Vergleich. Auf Grund dessen habe ich meine Arbeit auch wie folgt aufgebaut. Zu Beginn werde ich etwas zur Geschichte des Walzers sagen, um in das Thema einzuführen. Danach werden die beiden Hauptthemen behandelt. Zunächst jeweils ein Überblick über den historischen Kontext, und den Zeitgeist. Bei Johann Baptist Strauss (Sohn) wird es vor allem um übernommene Traditionen seines Vaters gehen - bei Ravel eher um persönliche Erlebnisse und künstlerische Diskurse, die ihn und seine Komponistenkollegen umtrieben. Sodann der Vergleich, den hauptsächlich die musikalische Analyse beider Stücke ausmacht. Der Kaiserwalzer soll dahingehend analysiert werden, inwiefern er als ein restauratives Stück gelten kann, oder aber als ein Stück des Umbruchs und Fortschritts gesehen werden kann. Dabei werden die Form, thematische Arbeit und die Orchestrierung eine große Rolle spielen. Ravels La Valse: Poème choréographique pour orchestre zeichnet sich vor allem durch Klangfarbe und weniger durch Form aus. Daran soll untersucht werden, wie sich die Jahrhundertwende auf das Genre Walzer ausgeübt hat und ob Ravel eher versucht Traditionen wiederzubeleben oder mit ihnen zu brechen. Ein Thema, welches ich nur am Rande erwähnen möchte, weil es auch mit der Popularisierung des Walzers und unter Umständen mit Ravels Biographie eng verknüpft ist, ist der Diskurs um "U - und E - Musik".Am Schluss der Arbeit werde ich meine Ergebnisse aus den Analysen Revue passieren lassen und versuchen Zusammenhänge zwischen musikalischen Auffälligkeiten und einigen Veränderungen, seien sie gesellschaftlich, technisch oder künstlerisch, um die Jahrhundertwende herzustellen.

E. T. A. Hoffmann: Ignaz Denner Erstdruck: Reimer, Berlin 1817 Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2015. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Max Liebermann, Jäger im Feld, 1914. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt. Über den Autor: 1776 in Königsberg auf die Vornamen Ernst Theodor Wilhelm getauft, nennt er sich später aus Verehrung für Mozart Ernst Theodor Amadeus oder kurz E.T.A. Hoffmann. Er studiert Jura in Königsberg, wird Referendar am Berliner Kammergericht, wegen Karikaturen auf preußische Offiziere strafversetzt nach Polen und schließlich Kapellmeister in Bamberg. Bis er 1814 nach Berlin zurückkehrt widmet er sein künstlerisches Schaffen vornehmlich der Musik. Er wird zum Kammergerichtsrat berufen, gründet den »Serapinenorden« und schreibt seine großen Romane, »Die Elixiere des Teufels« und die »Lebensansichten des Katers Murr«, sowie zahlreiche Erzählungen, deren vorletzte, der »Meister Floh«, beschlagnahmt wird, weil der preußische Polizeidirektor in der Figur des Knarrpanti eine Satire auf seine Person sieht. 1822 erkrankt E.T.A. Hoffmann schwer und diktiert - völlig gelähmt - vom Sterbebett aus die Erzählung »Des Vetters Eckfenster«, in der der große Romantiker sich dem kritischen Realismus annähert bevor er am 25. Juni in Berlin stirbt.

Der Sprachkurs Gradišćanskohrvatski glasi besteht aus 3 Büchern: Textbuch: „ Teksti Texte“ Das Textbuch ist durchgängig zweisprachig und besteht aus folgenden Teilen: · Schriftliche Versionen der 24 Alltagsszenen · Standardversionen der sechs Dialektszenen · Burgenlandkroatische Literaturbeispiele und Liedtexte · Biographien der Autoren/innen · Beschreibungen der Musiker/innen · Elf Lesetexte aus der österreichischen und internationalen Literatur und den Medien · Zur Geschichte und Entwicklung der kroatischen Volksgruppe im Burgenland (deutsch) Übungsbuch: „ Vježbe i gramatika Übungen und Grammatik“ Das Übungsbuch besteht aus folgenden Teilen: · Allgemeine Übungsanleitungen zu den Hörtexten (deutsch) · Übungen zu den Alltagsszenen mit Lösungsschlüssel (deutsch / burgenlandkroatisch) · Allgemeine Übungsanleitungen zu den Lesetexten (deutsch) · Übungen zu den Lesetexten mit Lösungsschlüssel (deutsch / burgenlandkroatisch) · Grammatik mit Übungen und Lösungsschlüssel (deutsch mit burgenlandkroatischen Beispielen) Wörterverzeichnis: „ Riči Wörter“ Die Herausgeber haben sich bemüht, alle im Textbuch vorkommenden Wörter im Wörterverzeichnis anzuführen. Es besteht aus folgenden Teilen: · Wörterverzeichnis: Burgenlandkroatisch – Deutsch · Wörterverzeichnis: Deutsch – Burgenlandkroatisch · Glossar (Vokabular zu ausgewählten Themenbereichen) Das Lehrwerk Gradišćanskohrvatski glasi wurde neu aufgelegt. Im Zuge dessen wurde das in der 1. Auflage beiliegende Audiomaterial CD 1 („ Scene iz svakidanjega žitka Alltagsszenen“) und CD 2 („ Jačke i literatura Lieder und Literatur“) digitalisiert.

Karl Storcks "Mozart - Sein Leben und Schaffen" entfaltet die Biographie Wolfgang Amadé Mozarts als enges Wechselspiel von Lebensweg, Werkentwicklung und geistigem Umfeld des späten 18. Jahrhunderts. In klarer, zugleich bildungsgesättigter Prosa verfolgt das Buch den Weg vom Salzburger Wunderkind über die europäischen Reisen bis zu den Wiener Meisterjahren. Storck verbindet erzählende Darstellung mit musikhistorischer Einordnung und lässt Opern, Sinfonien, Kammermusik und Kirchenwerke als Zeugnisse einer außergewöhnlichen künstlerischen Reife erscheinen. Karl Storck, als Musikschriftsteller und Kulturvermittler mit der deutschen Musikgeschichtsschreibung seiner Zeit vertraut, nähert sich Mozart nicht bloß anekdotisch, sondern aus dem Bedürfnis, schöpferische Individualität historisch verständlich zu machen. Seine Darstellung verrät Kenntnis der musikalischen Formen, der sozialen Bedingungen höfischer und bürgerlicher Musikpflege sowie der Nachwirkung, die Mozart im 19. Jahrhundert für das europäische Kunstverständnis gewann. Dieses Buch empfiehlt sich Lesern, die eine gelehrte, dennoch zugängliche Einführung in Mozarts Leben und Werk suchen. Es bietet keine trockene Faktensammlung, sondern ein konzentriertes Porträt des Komponisten als Mensch, Künstler und Epochenfigur. Wer Mozarts Musik bewusster hören und ihren biographischen Resonanzraum verstehen möchte, findet hier einen zuverlässigen und anregenden Begleiter.

„Der Wille zum Glück“ bestimmte den Lebensweg und das Schaffen des großen russischen Komponisten Peter I. Tschaikowsky, auch wenn er mit diesem Motto nicht immer ans Ziel zu gelangen vermochte. Der Titel der Hörbiografie von Jörg Handstein greift jenes Lebensmotto auf und füllt es mit der ergreifenden Lebens- und Überlebensgeschichte Tschaikowskys – und natürlich mit seiner beeindruckenden Musik. Neun Tage nach der Uraufführung seiner sechsten Symphonie am 16. Oktober 1893 war Tschaikowsky tot. Der unerhörte Schluss des Werks, dessen Melodie mit schweren Seufzern tiefer und tiefer sinkt, bis sie im Dunkel eines nachtschwarzen Akkordes erlischt, machte – zusammen mit dem überraschenden Tod ihres Schöpfers – die sogenannte „Pathétique“ sogleich zu einem der berühmtesten Orchesterwerke überhaupt, zum Teil eines Mythos, der Leben und Werk gleichsetzte. Dazu passt die romanhafte, von der Forschung längst widerlegte Geschichte, seine Homosexualität habe ihn in den Selbstmord getrieben. Während jener Mythos Tschaikowsky einen Weg in die Massenkultur bahnte, sogar Romane und Filme inspirierte, ignorierte ihn die deutsche Musikwissenschaft gnadenlos: seine an Melodik und Gefühlsausdruck orientierte Ästhetik machte ihn ihr verdächtig. In der Hörbiografie spielt neben dem Lebensweg des berühmten Komponisten vor allem seine Musik eine Hauptrolle. In neun Kapiteln auf 3 der insgesamt 4 CDs ist das Leben Tschaikowskys bildhaft mitzuerleben, sind seine bekanntesten und bedeutendsten Kompositionen zu hören, die mit der überaus spannenden Biographie eng verwoben sind. Neben wesentlichen Meisterwerken aus allen seinen Schöpfungsperioden erklingt auf der vierten CD die „Pathétique“ in einer Gesamteinspielung dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter Leitung von Mariss Jansons (Live-Aufnahme von Juni 2013) sowie die erste Einspielung auf CD des a capella Liedes „Die Nachtigall“ mit Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons (Live-Aufnahme von Januar 2016). Für umfassenden Hörgenuss sorgen Schauspieler wie Udo Wachtveitl (Erzähler) und Stefan Wilkening (Tschaikowsky) sowie zahlreiche renommierte Musiker. – Ein spannendes, musikreiches Portrait Tschaikowskys und seiner Zeit – lebendig erzählt und inspiriert musiziert.

„Er brauchte nur in die Fußstapfen der Eltern zu treten, um den richtigen Weg einzuschlagen, der ihn zu einem der volkstümlichsten Komponisten Bayerns machte.“ Dies schrieb die Schwäbische Landeszeitung 1948 über Max Welcker, Lehrer, Chorregent und Komponist aus Schwaben, geboren 1878 als Sohn einer bekannten Musikerfamilie in Augsburg. Im Musikleben seiner Zeit war er „der Star unter seinen berühmten Kollegen, was die Aufführungen und somit die Verkaufszahlen anbelangt“, wie es der Musikverlag Anton Böhm & Sohn in seiner Festschrift von 2003 formulierte. Heute ist er nahezu vergessen. Sein Werk zählt über 600 Kompositionen aller Bereiche der geistlichen und weltlichen Chormusik. volkstümliche Lieder, Humoresken und Heimatliches in schwäbischer und bayerischer Mundart stehen gleichberechtigt neben Messen und Gesängen für die Liturgie des Kirchenjahres. Er schuf einzigartige Verarbeitungen vom bekannten Weihnachtslied „Stille Nacht“ und sein „Zwetschgendatschi“ wurde durch den berühmten Münchner Volkssänger Weiß Ferdl populär. Entlang seiner Biographie entstand ein ungewöhnliches Buch, das auf vielfältige Weise Einblicke in Schwabens Gesellschaft, Kultur- und Musikgeschichte vom Beginn des 19. Jahrhunderts bis in die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg gewährt. Dabei steht die Geschichte seines Lebens im Kontext zu seinen musikalischen Vorfahren aus Sachsen. Max Welckers Leben wird durch zahlreiche bisher unveröffentlichte Fotografien, Dokumente und Handschriften erfahrbar und lebendig.

Studienarbeit aus dem Jahr 2003 im Fachbereich Theaterwissenschaft, Tanz, Ludwig-Maximilians-Universität München (Institut für Theaterwissenschaft München), Veranstaltung: Symposium über Hans Pfitzner Bochum 2003, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Autorin legte mit ihrer Dissertation "Hans Pfitzner im Nationalsozialismus" die bisher umfassendste und aktuellste Untersuchung zu diesem zeitgeschichtlich-theaterwissenschaftlichen Thema vor. In diesem Beitrag finden sich einige ihrer wichtigsten Thesen zu der Thematik als Extrakt im Rahmen eines Fachreferats.Hans Pfitzner (1869-1949) geriet als Komponist wegen seiner Zeitgenossenschaft mit dem Dritten Reich, seinen antisemitischen Schriften und seiner schwierigen, stets den Fehdehandschuh werfenden Persönlichkeit nach dem zweiten Weltkrieg zunehmend in Vergessenheit. Seine Musik, die zweifellos ihre Qualitäten hat, wurde so immer mehr an den Rand des Repertoires gedrängt. Höchste Zeit für eine klare, unvoreingenommene und quellenkritische Untersuchung zur Person, Biographie und politischen Orientierung der schwierigen Komponistenpersönlichkeit Hans Pfitzners, der zu Lebzeiten stets als zeitgleicher Antipode Richard Strauss`, ja oft sogar als wahrer geistiger Erbe Richard Wagners genannt wurde.

Studienarbeit aus dem Jahr 2016 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,3, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, Sprache: Deutsch, Abstract: Diese Arbeit soll als ein Versuch verstanden werden, sich den Eigenarten von Feldmans Kompositionen anzunähern und die Wirkungsweisen, sowie den Aufbau seiner Stücke etwas genauer zu ergründen. Dabei ist es nicht das Ziel, eine tiefgehende musikwissenschaftliche Analyse zu liefern, sondern vielmehr ein grundlegendes Verständnis seiner Werke zu erarbeiten. Seine Stücke scheinen mystisch, unvorhersehbar, teilweise sehr düster- und oft mit Worten nicht greifbar. Denn Feldman hat die zeitgenössische Musik in Amerika geprägt wie kein anderer Komponist, seine eigenen ganz Maßstäbe gesetzt und wird immer wieder mit Worten wie "ein Meister der Langsamkeit, der Stille, der variierten Repetition" (Haubensak 2015) beschrieben. Nach einer kurzen allgemeinen Einführung in das Leben und Schaffen Feldmans, die eine knappe Biographie, eine Kontextualisierung in der Kunstrichtung des Abstrakten Expressionismus, sowie einen Überblick über seine verschiedenen Arbeitsphasen beinhaltet, sollen drei konkrete Musikstücke betrachtet werden: "The Viola in my Life III", "The Viola in my Life II", sowie "Rothko Chapel". Allen drei Stücken ist gemein, dass sie in den frühen 1970er Jahren entstanden sind und damit eine neue Schaffensphase Feldmans markieren, in der er wieder zur klassischen Notationsphase und damit (im Vergleich zu früheren Werken) zu eher rhytmischen Musikstücken neigte. Dennoch lassen sich vor allem zwischen der Werkreihe "The Viola in my Life" und der Auftragsarbeit "Rothko Chapel" einige Unterschiede hinsichtlich der Länge, des Verlaufs und der Aufteilung feststellen, die ebenfalls herausgearbeitet werden sollen. Ein abschließendes Fazit wird schließlich die Ergebnisse dieser Arbeit zusammenfassen und knapp beurteilen, inwiefern die Werke der frühen Siebziger Feldmans Oeuvre prägten und veränderte.

Mit der Lustigen Witwe schuf Franz Lehár eine neue Form der Operette, deren stilistische Bandbreite vom Gassenhauer bis zum Musikdrama reichte. In der vorliegenden Biographie zeichnet Stefan Frey Lehárs Lebensweg von der Blütezeit der K.u.K.-Monarchie bis ins Dritten Reich nach, wo er als Hitlers Lieblingskomponist mit seiner jüdischen Frau zwischen alle Fronten geriet. Als prägende Figur der Operette des 20. Jahrhunderts steht Franz Lehár ein ähnlicher Rang zu wie Jacques Offenbach oder Johann Strauß. Doch anders als seine Vorgänger ist der am meisten aufgeführte Operettenkomponist seiner Zeit noch immer umstritten, gilt doch ausgerechnet seine Lustige Witwe als Sündenfall des Genres. Dieses Werk hat 1905 Lehárs steile Komponistenkarriere begründet und eine internationale Operettenkonjunktur von bisher unbekanntem Ausmaß ausgelöst. Die Wiener Operette beherrschte fortan die Bühnen der Welt, ehe der Erste Weltkrieg dem ein jähes Ende setzte. Nach Krieg und Inflation erlebte der Komponist erst in den späten zwanziger Jahren zusammen mit dem Tenor Richard Tauber eine Renaissance. Gegen Zeitgeist und Jazz konnte er seinen Thron als Operettenkönig behaupten. Lehárs lebenslanger Zwiespalt zwischen U- und E-Musik prägte nicht nur sein Werk. Zwiespältig verlief auch seine bewegte Lebensgeschichte, die im vorliegenden Buch erzählt wird.

Peter Thomas bereicherte die Filmmusik um den Thriller-Jazz des FBI-Manns Jerry Cotton, die spannungsgeladenen Themen der Edgar-Wallace-Filmreihe und – vielleicht am bekanntesten – den New Astronautic Sound der Raumpatrouille Orion. Die Musik von Filmen wie Der Hexer, Der Zinker, Winnetou und sein Freund Old Firehand, Onkel Toms Hütte, Die Schlangengrube und das Pendel, Bruce Lee – Die Todesfaust des Cheng Li, Erinnerungen an die Zukunft, Die Herren mit der weißen Weste und Unser Willi ist der Beste stammt ebenso von Peter Thomas wie die für eine Vielzahl an Kriminalserien. Neben Musiken für zahlreiche Serienfolgen von Derrick und Der Kommissar verfasste Thomas auch die Titelmelodie der Erfolgsserie Der Alte. Auch seine Kompositionen zu Fernseh-Straßenfegern wie Melissa, Babeck und 11 Uhr 20 erreichten große Popularität. Doch bei dieser Auswahl handelt es sich lediglich um die bekanntesten Arbeiten einer herausragenden Persönlichkeit der Film- und Kulturgeschichte. Thomas bediente nahezu alle Genres, vom Kinderhörspiel bis hin zur Theatermusik, und kreierte dabei seinen ganz eigenen Sound, geprägt von den ersten Synthesizern. Gerd Naumann führte für diese Biographie zahlreiche Gespräche mit Zeitzeugen, Weggefährten und Freunden von Peter Thomas – darunter Gunter Sachs, Ottokar Runze, Harald Banter, Curth Flatow, Martin Böttcher, Helmuth Ashley und Olaf Kübler. Bislang unveröffentlichte Werkphotos gestatten einen Blick hinter die Kulissen der Film- und Fernsehlandschaft, abgerundet durch ein Facsimile der handschriftlichen Originalpartitur zur Raumpatrouille Orion. Naumann illustriert so einen Lebensweg, der vom Beginn der Bundesrepublik an bis zum heutigen Tag maßgeblich am kulturellen, gesellschaftlichen und filmischen Geschehen beteiligt war und ist. So ergibt sich für den Leser en passant ein komplexes Bild der bundesdeutschen Film- und Medienlandschaft. Dem Buch liegt eine Feature-CD bei, auf der Thomas persönlich zu Wort kommt. Er illustriert viele der im Buch behandelten Musiken anschaulich durch zahlreiche Kompositionsbeispiele.

In den späten Erzählungen "Das Lied der triumphierenden Liebe" und "Klara Militsch" entfaltet Iwan Sergejewitsch Turgenew eine Poetik der Liebe, die über psychologische Wahrscheinlichkeit hinaus ins Rätselhafte und Übernatürliche reicht. Die erste Novelle, in ein italienisch anmutendes Renaissance-Milieu versetzt, verbindet Kunst, Eifersucht und magnetische Verführung zu einer kunstvoll stilisierten Legende. "Klara Militsch" hingegen verankert das Unheimliche in der modernen russischen Gesellschaft und gestaltet die Begegnung mit einer toten Sängerin als Studie über Begehren, Erinnerung und metaphysische Sehnsucht. Turgenew, 1818 geboren und als Vermittler zwischen russischer und westeuropäischer Literatur berühmt, schrieb diese Texte in seiner späten Schaffensphase, als ihn Fragen nach Vergänglichkeit, unerfüllter Liebe und der Macht ästhetischer Erfahrung besonders beschäftigten. Seine eigene Biographie, geprägt von Exil, kosmopolitischer Bildung und der lebenslangen Bindung an Pauline Viardot, erklärt die Sensibilität, mit der er Musik, weibliche Ausstrahlung und unerreichbares Glück literarisch gestaltet. Diese Ausgabe empfiehlt sich Lesern, die Turgenew jenseits des gesellschaftskritischen Realismus entdecken möchten. Sie zeigt einen Autor, der das Psychologische mit dem Symbolischen verbindet und in knapper, eleganter Prosa Grenzerfahrungen der Seele beschreibt: Liebe als Triumph, Wunde und Nachhall über den Tod hinaus.

Adolph L'Arronge: Hasemann's Töchter. Volksstück in 4 Akten Als leichte Unterhaltung verhohlene Gesellschaftskritik Erstdruck in: »A. L'Aronge: Dramatische Werke«, zweiter Band, Berlin (Lassar), 1879. Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2013. Textgrundlage ist die Ausgabe: Adolph L¿Arronge: Gesamt-Ausgabe der dramatischen Werke. Berlin: Verlag von Georg Stilke, 1908. Die Paginierung obiger Ausgabe wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt. Über den Autor: 1838 wird Adolph L'Arronge als Sohn eines Schauspielers in Hamburg geboren. Er studiert Musik in Leipzig und wird Kapellmeister in Köln, Königsberg, Würzburg und Stuttgart, bevor er 1866 Leiter der Krolloper in Berlin wird. 1881 schließlich kauft er das Friedrich-Wilhelmstädtische Theater in Berlin und baut es zwei Jahre lange zum Deutschen Theater um, das Max Reinhardt vier Jahre vor L'Arronges Tod 1908 übernimmt. Als Bühnenautor ist er durch seine Kombination volkstümlicher Stücke mit anspruchsvollen Klassikern einer der erfolgreichsten seiner Zeit.

Diplomarbeit aus dem Jahr 1997 im Fachbereich Musikwissenschaft, Note: 1,0, Hochschule für Musik und Theater Hamburg (Maschinenbau und Produktion), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe:Einleitung: Während einer Reise nach Krakau im Jahre 1994 besuchte ich das in der Nähe liegende Konzentrationslager Auschwitz-Birkenau und stieß dort auf Berichte und Photographien von musizierenden Häftlingen. Von diesen Eindrücken angeregt beschloß ich, mich näher mit dem Phänomen von Musik in Konzentrationslagern auseinanderzusetzen. Ich war erstaunt, wie verbreitet das Musizieren in den Lagern war. Besonders faszinierte mich das außergewöhnlich reichhaltige kulturelle Leben Theresienstadts. Mich verwunderte, daß dort Werke aufgeführt wurden, die von den Nationalsozialisten verboten waren oder Kritik an den Deutschen zum Ausdruck brachten, wie auch die Kinderoper "Brundibár", die in Theresienstadt fünfundfünfzigmal mit großem Erfolg gespielt wurde. Warum entstand gerade in Theresienstadt ein so vielfältiges kulturelles Angebot? Wie kam es dazu, daß in einem Konzentrationslager Werke zur Aufführung kamen, die in den übrigen Gebieten desDritten Reiches nicht gespielt werden durften, weil sie jüdischen Ursprungs waren oder zur "entarteten Kunst" gezählt wurden? Gang der Untersuchung: Zur Beantwortung dieser Fragen gebe ich zunächst einen kurzen Überblick über die Entstehung des Konzentrationslagers Theresienstadt und stelle die Bedingungen für die dort inhaftierten Menschen dar, da sich die Bedingungen in Theresienstadt von den Zuständen in anderen Konzentrationslagern unterschieden: Theresienstadt war als Musterlager konzipiert und wurde von den Nationalsozialisten zu propagandistischen Zwecken eingesetzt. Einige Besonderheiten Theresienstadts, wie z. B. die Freizeitgestaltung und die Selbstverwaltung, haben das kulturelle Leben in diesem Lager erst ermöglicht und sind nur aufgrund der Sonderstellung Theresienstadts zu erklären. Der zweite Teil beschäftigt sich mit der Frage, welche Möglichkeiten der Musikausübung in anderen Konzentrationslagern bestanden. Dabei erschien mir die Unterscheidung zwischen befohlenem und freiwilligem Musizieren bzw. Musikkonsum wichtig, da sich die Bedeutung der Musik für die Häftlinge dadurch wesentlich veränderte: Musik hatte je nach Anlaß und Situation positiven oder negativen Einfluß auf die Gefangenen. Die Darstellung des Musiklebens in anderen Lagern hielt ich für notwendig, um das Musikleben in Theresienstadt mit der Situation in den übrigen Lagern vergleichen und die Sonderstellung Theresienstadts hinsichtlich seines Musikangebots herausarbeiten zu können. Aufgrund des anders gelagerten Verhältnisses von befohlener und freiwilliger Musik hatte die Musik in Theresienstadt einen anderen Stellenwert für die Häftlinge als in anderen Lagern und war oft Lebenshilfe für die Häftlinge, woraus sich u. a. auch der Erfolg von "Brundibár" erklärt. In den Kapiteln 3.1 meiner Arbeit stelle ich die Autoren von "Brundibár", den Komponisten Hans Krása und den Verfasser des Librettos, Adolf Hoffmeister, vor. Ich schildere die Entstehung der Oper, ihren Weg ins Konzentrationslager Theresienstadt und die dortigen Aufführungen.Dabei gehe ich auch auf den Inhalt der Kinderoper ein, um das Verständnis der folgenden Kapitel zu erleichtern, in denen mir eine Kenntnis der Thematik notwendig erscheint. Bei meinen Nachforschungen über Hans Krása trat das Problem auf, daß mir nur wenig Literatur über seine Biographie und seinen Kompositionsstil zur Verfügung stand. Beispielsweise verzögerte sich die Herausgabe eines Buches von Blanka Cervinková über den Komponistenbis heute, so daß ich diese Quelle nicht nutzen konnte. So habe ich selbst versucht, in der Analyse charakteristische Kompositionstechniken Krásas zu erarbeiten. Eine vollständige Analyse der Oper würde den Rahmen dieser Arbeit sprengen. D...

Unter den deutschen Komponisten des 20. Jahrhunderts erwarb Max Baumann (1917-1999) mit einer außerordentlichen musikalischen Qualität und einer eindrucksvollen Breite seines Schaffens einen herausragenden Rang. Im Jahr 2017 jährt sich der hundertste Geburtstag des Komponisten und Musikpädagogen. Die überarbeitete und erweiterte dritte Auflage bietet für eine neue Generation von Musikern und Interessierten weiterhin eine konzentrierte, kurz gefasste Biographie mit vielen zeitgeschichtlichen Details und darüber hinaus ein aktualisiertes Werkverzeichnis. Sie soll für zukünftige Aufführungen und musikwissenschaftliche Arbeiten eine Hilfe bieten und damit der Förderung und Verbreitung von Werk und Gedankengut Max Baumanns dienen. Besonders der eindrucksvolle, auf die Person Max Baumann zugeschnittene, aber weit darüber hinausgreifende einführende Aufsatz Johannes Overaths 'Gedanken zum geistigen Schöpfertum ad maiorem Dei gloriam' ist zeitlos und so auch für das neue Jahrtausend von großem Wert. Aufschlussreich sind die Rezensionen zu Aufführungen der großen oratorischen Werke und natürlich auch das Bildmaterial sowie die Faksimiles einiger Werke. Dr. Johannes Laas und Darius Heise-Krzyszton haben auf der Grundlage neuerer Funde und jüngerer Forschung das Werkverzeichnis vollständig überarbeitet und jetzt systematisch-chronologisch angelegt.

Die "Geist- und Weltlichen Gedichte" entstanden in den Dreißiger und Vierziger Jahren des 17. Jahrhunderts am Brieger Hof der Piastenfürsten, einem Zentrum der schlesischen Barockliteratur, mit dem sich Namen wie Opitz, Gryphius, Logau oder Lohenstein verbinden. Der Gedichtband ist durch die Person des Autors, die Widmungsadressaten, die Anlässe und Themen der Texte in vielfältiger Weise auf den Hof bezogen und bildet ein instruktives Beispiel höfischer Casual-, Unterhaltungs- und Repräsentationsliteratur. Aus der Sammlung, die insgesamt 400 Gedichte unterschiedlichster Gattungen, Formen und Themen enthält, sind besonders hervorzuheben die Übersetzungen aus den "Fraszki" des bedeutenden polnischen Renaissancedichters Jan Kochanowski, ein Zyklus von Göttergesprächen in der Tradition Lukians sowie das umfangreiche "Lob der Musik", das Scherffer als Kenner der zeitgenössischen Musikszene ausweist. Zahlreiche gelehrte Anmerkungen, Hinweise zur metrischen Form und theoretische Erörterungen zu Poetik und Sprache kennzeichnen den Autor als poeta doctus , der sich den Ansprüchen der opitianischen Literaturreform und den Bemühungen der Fruchtbringenden Gesellschaft um die deutsche Sprache verpflichtet weiß. Das Nachwort erarbeitet aus den Quellen mit einer Vielzahl neuer Daten und Fakten die Biographie Scherffers und bestimmt mit der Beschreibung der Freundeskreise des Schlesiers seinen Ort innerhalb der res publica litteraria . Einer komprimierten Darstellung des OEuvres und der literarhistorischen Einordnung des Brieger Hoforganisten folgen Hinweise zum Aufbau, zur Chronologie, zur Entstehungs- und Druckgeschichte der einzelnen Texte und Bücher der "Geist- und Weltlichen Gedichte". Ein Stellenkommentar, eine Forschungsbibliothek und ein Personenregister komplettieren das Nachwort.

Martin Geck – Musikwissenschaftler und zudem studierter Theologie - hat sein Schaffen auch der evangelischen Kirchenmusik gewidmet und u. a. eine maßstabsetzende Bach-Biographie geschrieben. In seinem Buch über Luthers Lieder verknüpft der mehrfache Literaturpreisträger die musikalischen, theologischen, literarischen und kulturgeschichtlichen Fäden des Themas zu einer ebenso knappen wie originellen Gesamtdarstellung. Fünf der sechs Hauptkapitel gelten zentralen Lutherliedern. Dabei betrachtet Gecks facettenreiches Erzählen, die Phänomene vor weitem Horizont. So wird das Lied "Ein feste Burg" - einstmals von Heinrich Heine als "Marseillaise der Reformation" gepriesen - nicht nur mit der Theologie Luthers, sondern auch mit seiner vielgestaltigen Nachgeschichte bis hin zur Vereinnahmung in der NS-Zeit konfrontiert. An weiteren Beispielen demonstriert der Autor die Affinität des Liederdichters Luther sowohl zur mittelalterlichen Mystik als auch zum politischen Zeitlied. Ausblicke auf "Luther und die Musik", "Luther und Bach", "Luther und Mendelssohn" beleuchten die Bedeutung des Reformators für die Kultur- und Musikgeschichte der nachfolgenden Jahrhunderte. Die Darstellung entspricht neuestem Forschungsstand, richtet sich jedoch nicht speziell an Kenner, vielmehr an alle Leserinnen und Leser, die im Jahr des 500jährigen Reformationsjubiläums über Luthers Lieder knapp aber gründlich informiert werden möchten - keine Heiligenlegende, sondern ein von kritischem Enthusiasmus getragenes Plädoyer für Luthers Lieder als Leuchttürme der Reformation. ---STIMMEN ZUM BUCH--- „Am Ende bedauert man es, dass es ein Buch von nur 143 Seiten ist.

„Er brauchte nur in die Fußstapfen der Eltern zu treten, um den richtigen Weg einzuschlagen, der ihn zu einem der volkstümlichsten Komponisten Bayerns machte.“ Dies schrieb die Schwäbische Landeszeitung 1948 über Max Welcker, Lehrer, Chorregent und Komponist aus Schwaben, geboren 1878 als Sohn einer bekannten Musikerfamilie in Augsburg. Im Musikleben seiner Zeit war er „der Star unter seinen berühmten Kollegen, was die Aufführungen und somit die Verkaufszahlen anbelangt“, wie es der Musikverlag Anton Böhm & Sohn in seiner Festschrift von 2003 formulierte. Heute ist er nahezu vergessen. Sein Werk zählt über 600 Kompositionen aller Bereiche der geistlichen und weltlichen Chormusik. volkstümliche Lieder, Humoresken und Heimatliches in schwäbischer und bayerischer Mundart stehen gleichberechtigt neben Messen und Gesängen für die Liturgie des Kirchenjahres. Er schuf einzigartige Verarbeitungen vom bekannten Weihnachtslied „Stille Nacht“ und sein „Zwetschgendatschi“ wurde durch den berühmten Münchner Volkssänger Weiß Ferdl populär. Entlang seiner Biographie entstand ein ungewöhnliches Buch, das auf vielfältige Weise Einblicke in Schwabens Gesellschaft, Kultur- und Musikgeschichte vom Beginn des 19. Jahrhunderts bis in die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg gewährt. Dabei steht die Geschichte seines Lebens im Kontext zu seinen musikalischen Vorfahren aus Sachsen. Max Welckers Leben wird durch zahlreiche bisher unveröffentlichte Fotografien, Dokumente und Handschriften erfahrbar und lebendig.

Eine klassische Biographie von Wolfgang Amadeus Mozart, die das Leben des berühmten Komponisten einfühlsam und detailliert darstellt. Dieses Buch ist eine wichtige Quelle für das Verständnis von Mozarts Musik und seiner Zeit. This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it. This work is in the "public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work. Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.

Die Briefe, die Samuel Beckett zwischen 1929 und 1940 in Irland, England, Frankreich und Deutschland geschrieben hat, vermitteln ein lebendiges und persönliches Bild jener Jahre und ermöglichen es, die allmähliche, tastende Herausbildung des ganz besonderen »Sensoriums« und der einzigartigen literarischen Stimme Becketts - gegen sein eigenes Zaudern, gegen Indifferenz und Ablehnung, die er erfuhr - zu verfolgen. Die auf vier Bände angelegte Ausgabe bietet zum ersten Mal eine umfassende Auswahl der Briefe einer der größten literarischen Figuren des 20. Jahrhunderts. Die Schreiben stammen aus den 60 Jahren, in denen Samuel Beckett als Autor aktiv war (1929-1989). Ausgewählt aus mehr als 15.000 erfaßten Briefen wurden Schreiben an Freunde, Maler und Musiker ebenso wie an Studenten, Verleger, Übersetzer und Kollegen in der literarischen und der Welt des Theaters. Sie werden begleitet von detaillierten Einführungen, Stellenkommentaren, Zeittafeln und Kurzporträts der wichtigsten Briefpartner. Die Briefe dokumentieren Samuel Becketts Entwicklung und sein vielfältiges Schaffen. Darüber hinaus lernen wir - lange nach der Veröffentlichung seiner Werke und viele Jahre nach James Knowlsons Biographie, die bereits aus Briefen zitiert - mit der ersten großen Briefausgabe den Jahrhundertautor noch einmal von einer neuen Seite und mit einem anderen Ton kennen: ebenso spannende wie aufschlußreiche Lektüre, eine Erfahrung sui generis.

Die große musikalische E.T. A. Hoffmann-Hörbuch-Box Mit Musik von E. T. A. Hoffmann, Robert Schumann und Sergej Prokofjew, gelesen von Peter Bieringer. 1.Ritter Gluck: Eine Erinnerung aus dem Jahre 1809. 2.Harfenquintett: Quintett für konzertierende Harfe und Streichquartett in c-moll, von E. T. A. Hoffmann (1807) 3.Meister Floh: Ein Märchen in sieben Abenteuern zweier Freunde (1822). 4.Grand Trio für Pianoforte, Violine und Violoncello in E-Dur, von E. T. A. Hoffmann (1809) 5.Die Fermate: Eine Erzählung (1815). 6.Lebensansichten des Katers Murr: nebst fragmentarischer Biographie des Kapellmeisters Johannes Kreisler in zufälligen Makulaturblättern (1819 und 1821). Darin enthalten: Kreisleriana: Op. 16 von Robert Schumann. (1838) Er war eine der faszinierendsten Gestalten der deutschen Romantik: E. T. A. Hoffmann, preußischer Kammergerichtsrat, Dichter, Kapellmeister, Komponist und Zeichner. Lebenslang war er hin- und hergerissen zwischen seiner Liebe zur Dichtkunst und zur Musik. Er selbst hielt sich für den begabteren Musiker, wir wissen es aber heute besser: sein Eigenstes gab er in seinen Romanen und Erzählungen. Was soll man also von einem Schriftsteller halten, der über sich selbst behauptet: »Zum Musiker bin ich nun einmal geboren, das habe ich von meiner frühesten Jugend an in mir gefühlt und mit mir herumgetragen. Nur der mir innewohnende Genius der Musik kann mich aus meiner Misere reißen.« Dabei hatte Hoffmann, als er dieses Bekenntnis 1812 einem Freund anvertraute, bereits die Erzählung "Ritter Gluck" und die ersten "Kreisleriana" veröffentlicht, die alsbald seinen literarischen Ruf (und damit auch seine schillernde Extravaganz) begründeten. Heinrich Heine sollte das Werk Hoffmanns später einen »entsetzlichen Angstschrei in zwanzig Bänden« nennen. Wohlgemerkt: das literarische Werk, das musikalische war ihm vermutlich gänzlich unbekannt. Ernst Theodor Amadeus Hoffmann wird vorwiegend für sein literarisches Schaffen geschätzt, weniger bekannt jedoch sind seine Leistungen auf dem Gebiet der Musik. Dieses Hörbuch zeigt den Schriftsteller auch als Komponisten und beschäftigt sich auch mit seinem extrem gefühlsbetonten Zugang zur Kompostitonskunst. Mit seinem "Harfenquintett" und dem "Grand Trio für Pianoforte, Violine und Violoncello" sind hier zwei seiner Werke in historischen Aufnahmen zu hören. Coverabbildung unter Verwendung einer Federzeichnung des Autors: E.T.A. Hoffmann: Selbstporträt / um 1800. Coverschrift gesetzt aus der Cambria. Einige der ausgewählten Werke sind auch als einzelne Hörbuchproduktionen bei der hoerbuchedition words and music erhältlich. Musik / Quellennachweise: zu 2: E. T. A. Hoffmann: Harfenquintett: Quintett für konzertierende Harfe und Streichquartett in c-moll. Quelle: disque microsillon 30 cm Schwann Musica Mundi. zu 4: E. T. A. Hoffmann: Grand Trio für Pianoforte, Violine und Violoncello / gespielt von: Marielle Nordmann: Harfe - Martine Joste: Klavier - Gérard Jarry, Jacques Ghestem: Violine - Serge Collot: Viola - Michel Tournus: Violoncello. Quelle: disque microsillon 30 cm Schwann Musica Mundi./ archive.org zu 6: Robert Schumann: Kreisleriana, Op. 16 / gespielt von Aurelia Vișovan, Quelle: musopen.org Schlussmusik bei Meister Floh: Sergej Prokofjew: Feroce (Nr.14) Schlussmusik bei Die Fermate: Sergej Prokofjew: Commodo (Nr.8), gespielt von Jo Roloff: Piano. Über den Sprecher: Peter Bieringer (*1957) gehörte viele Jahre zum Ensemble der NDR-Sprecher, seit 2006 ist er freischaffend. Seine Stimme ist präsent in zahllosen Radiofeatures, TV-Dokumentationen, Synchronrollen und Hörspielen. In seinem eigenen Studio entstanden bisher Dutzende Hörbuchtitel, darunter auch für die hoerbuchedition words and music.

George Steiner, der unnachgiebige Denker, polyglotte Intellektuelle und scharfzüngige Kritiker, gibt im Gespräch mit Laure Adler Einblick in sein Leben und Werk. Tief verwurzelt in der europäischen Kultur, wurde für den Sohn österreichischer Juden, die 1940 aus Paris nach New York flohen, eine Frage zum Angelpunkt seines Denkens: Wie konnte das zivilisierte, kultivierte Europa diese unvorstellbare Barbarei hervorbringen? Als die Kulturjournalistin Laure Adler in einem englischen Garten zum ersten Mal George Steiner begegnet, weiß sie noch nicht, dass sie einen sehr langen Nachmittag miteinander verbringen werden: Über mehrere Jahre treffen sie sich immer wieder, um ihr Gespräch fortzusetzen. Steiner, als einer der letzten Benjaminschen Flaneure, rekapituliert das zwanzigste Jahrhundert. Seine Eltern fliehen vor dem wachsenden Antisemitismus in Wien nach Paris, 1940 schafft die Familie es gerade noch rechtzeitig, Frankreich in Richtung New York zu verlassen. Steiners Denken ist von seiner Biographie beeinflusst: seine Liebe für Sprache genauso wie seine Verachtung für die großen Mythen des vergangenen Jahrhunderts, die Psychoanalyse, der Marxismus und der Strukturalismus. Aber Steiner begleitet seine Leser nicht nur bravourös durch die Gedankenwelt des zwanzigsten Jahrhunderts, immer wieder kehrt er zu seiner großen Liebe, der Musik, zurück, die für ihn Ausdruck purer Lebenslust ist.

Karl Kraus persönlich in über 300 bekannten und unbekannten Zeugnissen.Im Grunde sei der Schriftsteller Karl Kraus (1874-1936) eine gesellige Natur gewesen, erzählen diejenigen, die ihm nahestanden, und er wird mit der Einsicht zitiert: »Wenn man mit Menschen lachen kann, ist Sympathie und Übereinstimmung gegeben.« - Karl Kraus in neuer Sicht? Es sind jedenfalls keine gesprochenen »Fackel«-Texte, von denen die Schulfreunde, die frühen Mitarbeiter, die Teilnehmer an den geselligen nächtlichen Kaffeehaus-Runden aus dem unmittelbaren Umgang berichten. Auch die Verleger, die Anwälte, Musiker und Schauspieler, mit denen ihn die Arbeit am Schreibtisch und auf dem Podium zusammenführte, schildern erstaunliche Facetten des gefürchteten Satirikers. Da ist viel Komik im Spiel, eine unwiderstehliche Begabung zur Nachahmung von Menschen und Verhältnissen. Gerühmt werden sein Takt, seine Noblesse. Er schöpft die Gedanken aus der Sprache und findet nur auf dem Podium das Leben schön. Weit mehr als 300 gedruckte und unveröffentlichte Quellentexte von Benjamin bis Wittgenstein, von Altenberg, Berg und Brecht über Schönberg bis Viertel wurden hier erschlossen, darunter auch die Bruchstücke zu einer Biographie, die Heinrich Fischer 1936 schreiben sollte, sowie der bewegende Bericht von Helene Kann über das Sterben von Karl Kraus.

Studienarbeit aus dem Jahr 2007 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 14, Justus-Liebig-Universität Gießen (Musikpädagogik/Musikwissenschaft), Veranstaltung: Musikalische Entwicklungsmöglichkeiten Erwachsener und Älterer , Sprache: Deutsch, Abstract:Die musikalische Entwicklung Erwachsener und Älterer ist erst im Laufe der 1990er in den Blickpunkt wissenschaftlicher Forschung gerückt. Im Rahmen der musikalischen Begabtenforschung und der Studien über Talent, Begabung und musikalische Fähigkeiten, stellte sich sukzessive die Frage nach der Veränderung dieser Determinanten während des Verlaufs einer musikalischen Biografie. Initialzündung für dementsprechende Studien in Deutschland war die Vergabe eines Forschungsvorhabens des Bundesministers für Bildung und Wissenschaft über Lebensgeschichten musikalischer Begabungen, an den Gründer und Leiter des Instituts für Begabungsforschung und Begabtenförderung in der Musik, Prof. Hans Günter Bastian. Die Ergebnisse dieser Biographie-Studie an 62 Teilnehmern des bundesweiten Wettbewerbs "Jugend musiziert" dokumentierte Bastian in seinem Buch Leben für Musik (Bastian, 1989). Sein Nachfolger am Institut, Heiner Gembris, nutzte die institutionellen Verhältnisse und Bastians Vorarbeit für seine eigenen Forschungen auf dem Gebiet der musikalischen Fähigkeiten und Entwicklungen. Mit der, im Oktober 2002 vom Institut ausgerichteten Konferenz Musical Aptitude from a Lifespan Perspective in Paderborn, schuf er eine Plattform für die Forschungsergebnisse von Maria Manturzewska (Polen), Ralf Th. Krampe (Deutschland), Janet Mills/Jan Smith und anderen, welche vier Jahre später in Musical Development from a Lifespan Perspective (Gembris, 2006) veröffentlicht wurden.Die vorliegende Arbeit beschäftigt sich mit den Ergebnissen dieser Studien in Bezug auf die musikalische Lebensentwicklung im Teilbereich des Erwachsenenalters.Zum Aufbau der ArbeitIn Kapitel 1 wird ein Überblick über den aktuellen Stand der Forschung gegeben. Aspekte der Entwicklung einer Biografie werden anhand von ausgewählten Modellen und Theorien beleuchtet. Erkenntnisse aus der Entwicklungspsychologie und der Musikpsychologie werden zum besseren Verständnis vorausgeschickt.Es wird ebenfalls untersucht, inwiefern die Forschung auf den o.g. Gebieten bereits in das Thema der musikalischen Entwicklung im Erwachsenenalter eingeflossen ist. Die Kapitel 4 und 5 beschäftigen sich mit den beiden Faktoren der fluiden und kristallinen Intelligenz und den wissenschaftlichen Erkenntnissen ihrer Wandelbarkeit.Der Bedeutung des familiären Hintergrunds, des sozialen Umfeldes und der individuellen Lernerfahrungen auf die musikalische Entwicklung im Erwachsenenalter bei professionellen Musikern,

Studienarbeit aus dem Jahr 2006 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: Sehr Gut, Universität Wien (Theater,-Film und Medienwissenschaften), Veranstaltung: Entstehung und Frühgeschichte der Oper III VL/UE, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Karriere des Komponisten Johann Joseph Fux - vom steirischen Bauernsohn zum Hofkapellmeister in Wien - erscheint noch heute erstaunlich, wirkt aber in Anbetracht der gesellschaftlichen und sozialen Rahmenbedingungen des 17. Jahrhunderts geradezu märchenhaft. Obwohl die Oper am Wiener Kaiserhof eindeutig vom italienischen, insbesondere venezianischen Stil geprägt war, schaffte es Fux als Österreicher, sich gegen die scheinbar übermächtige Konkurrenz durchzusetzen und mit seinen Opern zu reüssieren. Weltruhm erlangte er überdies mit seinem Kontrapunktlehrbuch "Gradus ad Passum" als Musiktheoretiker und Lehrer, womit er die Entwicklung der Musik nachhaltig beeinflusste. In der vorliegenden Arbeit möchte ich den Spuren seines persönlichen Entwicklungsprozesses - unter besonderer Berücksichtigung seines Opernschaffens - folgen. Grundsätzlich stellt sich hierbei die Frage, wie es Johann Joseph Fux schaffte, aus seiner kleinbäuerlichen Umgebung zu "entkommen". Welche Faktoren halfen dem Bauernsohn, neue Ufer zu ergründen? Dab es für den talentierten Jungen Hilfe seitens der Familie oder des dörflichen Umfeldes? Ebenso interessant ist, ob er es vielleicht sogar aus eigener Kraft schaffte, die damaligen Standesfesseln abzuwerfen, um sich ganz der Musik zu verschreiben. Aber was veranlasste schließlich einen deutschen Kaiser, ausgerechnet einen deutschen/österreichischen Musiker zum Hofcompositeur zu ernennen, obwohl man doch dem italienischen Stil nacheiferte? Wann wandte sich Johann Joseph Fux der Oper zu und welche Themen wurden in seinem Opernschaffen aufgearbeitet? Wer schrieb die Libretti? Besonders interessant wäre auch die Frage nach der praktischen Umsetzung der Opern: Wie sah eine Opernaufführung einer Fuxschen Oper am kaiserlichen Hof aus? Ebenso drängt sich eine Grundsätzliche Frage bezüglich des kaiserlichen Mäzenatentum auf, denn warum wurden überhaupt Opern bei Fux in Auftrag gegeben? Welche kaiserlichen Intentionen standen hinter einer Opernaufführung dieser Zeit und wie erfüllte der Hofcompositeur Fux diese speziellen Wünsche? Wie sah der Meister selbst sein Wirken im Bezug auf die Oper und welche Aspekte waren ihm dabei persönlich wichtig?Die Arbeit basiert vor allem auf Biographien zu Johann Joseph Fux, Werken zur Operngeschichte und speziellen Websites. Aufgrund der Kürze der schriftlichen Darstellung kann natürlich nur ein kurzer Einblick in das Leben dieses faszinierenden Musikers gegeben werden.

Die Feier seines 125. Geburtstages und des 100. der Rhapsody in Blue ist doppelter Anlass, sich erneut Gedanken zu einer singu­lären Biographie zu machen, die in prekären New Yorker Lebensumständen begann und den „american dream“ von Ruhm, Erfolg und Reichtum glorios verwirklichte – und zu einem ebenso einzigartigen musikalischen Pluralismus, den Gershwin in seinem kurzen Leben zuwege brachte. Seine elegant-markanten Songs aus Broadway-Musicals versorgten Generationen von Jazz- und Popmusikern mit Standards; seine zunehmend komplexeren Stücke für Konzertsaal und Opernhaus waren die Resultate unwiderstehlicher Lockrufe aus den „seriösen“ Bezirken und gerieten zu Hybriden aus „Lowbrow“ und „Highbrow“, zu „Symphonic Jazz“, mit dem er von den maßgeblichen Zeitgenossen ernst genommen werden wollte. Als Komponist des 20. Jahrhunderts, dessen sinfonische und Opernmusik sich zwischen Blue note, doppeltem Kontrapunkt, Bitonalität und Tristan-Akkord bewegt, der Einflüsse von Debussy, Strawinsky, Ragtime und der Wiener Schule zu einem eigenen Ton verarbeitet und weltweit gespielt wird, hat er sicher Anrecht darauf. Dass Gershwins Verhältnis zu Schönberg und Berg vielschichtiger war als allgemein angenommen, ist ebenso Thema wie seine „Jewishness“, die Diskussionen um Porgy and Bess sowie seine Freundschaft mit Malern und Musikern.

Joseph Haydns Lebenslauf (1732–1809) verlief entlang einer kulturhistorisch faszinierenden Wegstrecke. Als Sohn eines Wagenbauers stammte Haydn aus Handwerker-Verhältnissen, die ihn Zeit seines Lebens nachhaltig geprägt haben. Als er mit acht Jahren nach Wien kam, entwickelte er sich dort in den folgenden zwanzig Jahren vom talentierten Chorknaben zum jungen Sänger, Instrumentalisten und Komponisten. 1761 wurde er Kapellmeister am Hofe der ungarischen Fürsten Eszterházy, in deren Diensten er 30 Jahre wirkte. In den 1790er Jahren führten ihn zwei ausgedehnte Reisen nach London, wo er große Erfolge als Komponist und Dirigent feiern konnte. Überragende musikalische Bedeutung erlangte Haydn vor allem mit seinen Streichquartetten und Sinfonien. Er entwickelte eine musikalische »lingua franca«, die ganz Europa sprechen lernte und die die Basis für das Schaffen Mozarts und Beethovens legte, besonders für deren Sinfonik. Hans-Josef Irmen zeichnet in seiner Biographie ein kenntnisreiches, lebendiges und zugleich kritisches Bild des »Vaters« der klassischen Sinfonie. Er schildert die ernüchternden Lebensumstände des großen Komponisten ebenso wie ihre Verwobenheit in eine reiche künstlerische Epoche. Der begeisterte Haydn-Fan sieht die herausragende Bedeutung der Musik darin, daß man sie in der ganzen Welt versteht, weil sie ausgewogen, klar, persönlich, aufrichtig, aber auch gewitzt und herzerfrischend natürlich ist.

Der Wald ist nicht nur ein »Ökosystem« irgendwo da draußen; der Wald ist auch in uns, er ist Teil unserer Seelenlandschaft. Unsere Verbundenheit mit den Bäumen hat innige und tiefe evolutionäre Wurzeln: Sie entstand vor 70 Millionen Jahren, als wir als Primaten durch das Geäst der tropischen Urwälder Afrikas huschten. Über Millionen Jahre hinweg waren die Bäume unsere Welt; sie prägten uns physisch, seelisch und geistig. Heutzutage haben wir diese Verbindung mit dem Wald (fast) verloren. Die meisten Zeitgenossen leben in Megastädten, mit Beton statt Moos und Humuserde unter den Füßen und elektronischer Musik statt Insektensummen in den Ohren. Dabei rückt die wahre Natur in die Ferne. Wer kennt überhaupt noch die Bäume im Wald, die Kräuter, die da in den Ritzen der Mauern und Gehsteine wachsen? Was wissen wir noch über ihre Heilkraft, ihrem Duft, ihre Eigenschaft als nahrhaftes Wildgemüse? Der Bestsellerautor Wolf-Dieter Storl möchte uns daher in »Wir sind Geschöpfe des Waldes« den Wald wieder näherbringen. Er gibt uns einen Einblick in die Tiefen des Waldes mit seiner Geschichte, seinen Mythen, Bildern und Symbolen. Die erste Biographie zwischen dem Wald und dem Menschen wird damit eine Reise zu unseren wahren traditionellen Wurzeln.