deutsche volkslieder zum

Clemens Brentanos Aus der Chronika eines fahrenden Schülers entfaltet sich als romantische Prosa in der Maske einer alten Aufzeichnung: Ein wandernder Scholast blickt auf Erfahrungen zurück, in denen Reisebericht, Legende, religiöse Sinnsuche und poetische Selbstprüfung ineinander übergehen. Der archaisierende Ton, die kunstvolle Einfachheit und die Nähe zu Volkslied, Heiligenlegende und mittelalterlicher Chronistik verorten den Text im Zentrum der deutschen Romantik, die Geschichte nicht rekonstruiert, sondern als seelischen Erfahrungsraum neu belebt. Brentano, 1778 geboren und eine prägende Gestalt der Heidelberger Romantik, verband in seinem Werk sprachliche Musikalität mit einem ausgeprägten Sinn für das Wunderbare. Seine Zusammenarbeit mit Achim von Arnim an Des Knaben Wunderhorn, seine Faszination für mündliche Überlieferung sowie seine spätere Hinwendung zu katholischer Frömmigkeit erklären die besondere Mischung aus Spiel, Andacht und historischer Imagination. Der fahrende Schüler erscheint dabei auch als poetisches Selbstbild: unstet, suchend, empfänglich für Zeichen. Empfohlen sei dieses Buch Lesern, die romantische Literatur nicht als bloße Schwärmerei, sondern als anspruchsvolle Form geistiger Erkenntnis lesen möchten. Brentanos Text belohnt Aufmerksamkeit für Ton, Symbol und Überlieferung und eröffnet einen Zugang zu jener Epoche, in der Poesie, Religion und Erinnerung untrennbar verbunden waren.

Die Sammlung Die bekanntesten Rheinmärchen & Italienische Märchen vereint Brentanos kunstvollste Aneignungen europäischer Erzähltraditionen: sagenhafte Rheinlandschaften, verwunschene Königreiche, sprechende Natur und wundersame Prüfungen erscheinen als poetische Räume innerer Verwandlung. Brentanos Stil verbindet volksmärchenhafte Einfachheit mit barocker Bildfülle, musikalischem Sprachrhythmus, Ironie und religiös grundierter Symbolik. Im Kontext der Heidelberger Romantik zeigen diese Texte, wie mündliche Überlieferung, regionale Mythologie und literarisches Kunstmärchen zu einer Reflexion über Erinnerung, Sehnsucht und nationale Kultur werden. Clemens Brentano, 1778 geboren und 1842 gestorben, zählt zu den prägenden Gestalten der deutschen Romantik. Seine Zusammenarbeit mit Achim von Arnim am Wunderhorn schärfte seinen Blick für Volkslied, Legende und Klanggestalt des Erzählens; seine rheinische Herkunft, Reisen, katholische Erneuerungsbewegungen und lebenslange Suche nach geistiger Geborgenheit lieferten den Resonanzraum dieser Märchen. In ihnen überführt er persönliche Unruhe in eine Sprache des Wunderbaren. Empfohlen sei dieser Band allen, die Märchen nicht bloß als kindliche Unterhaltung, sondern als hochartifizielle Literatur lesen möchten. Brentanos Erzählungen verlangen Aufmerksamkeit für Motivgeflechte, Klang und theologische Untertöne, belohnen sie jedoch mit überraschender Komik, dunkler Melancholie und imaginativer Pracht. Für Leserinnen und Leser der Romantik, der Folkloristik und der europäischen Märchentradition ist die Sammlung ein Schlüsselwerk.

Clemens Brentanos "Romanzen vom Rosenkranz" ist ein unvollendet gebliebener, gleichwohl hochkomplexer Romanzenzyklus, in dem erzählende Lyrik, Legende und religiöse Symbolik ineinandergreifen. Der Rosenkranz erscheint nicht bloß als Andachtsform, sondern als poetisches Ordnungsprinzip: Wiederholung, Variation und bildhafte Verdichtung strukturieren eine Welt zwischen mittelalterlicher Frömmigkeit, Märchenhaftigkeit und romantischer Geschichtsimagination. Sprachlich verbindet Brentano liedhafte Schlichtheit mit kunstvoller Klangregie, archaisierenden Wendungen und visionären Bildern. Im Kontext der Heidelberger Romantik steht das Werk nahe bei Volkslied, Ballade und katholischer Erneuerungsbewegung. Brentano, 1778 geboren und eine zentrale Gestalt der deutschen Romantik, war geprägt von ästhetischer Unruhe, religiöser Suchbewegung und einer außergewöhnlichen Sensibilität für mündliche Überlieferung. Seine Zusammenarbeit mit Achim von Arnim am "Des Knaben Wunderhorn" schärfte seinen Sinn für volkstümliche Formen; zugleich führte ihn seine persönliche Hinwendung zur katholischen Innerlichkeit zu Stoffen, in denen Dichtung und Andacht einander durchdringen. Empfohlen sei dieses Buch allen, die romantische Literatur nicht nur als Gefühlskunst, sondern als anspruchsvolle Form symbolischen Denkens lesen möchten. Die "Romanzen vom Rosenkranz" verlangen Aufmerksamkeit, belohnen sie aber mit einer seltenen Verbindung von Musikalität, Spiritualität und poetischer Kühnheit.

Diese Schule richtet sich an alle, die das fröhliche Instrument Ukulele erlernen möchten – auch an diejenigen ohne Noten- und Vorkenntnisse. 50 Songs sind in leichter Weise arrangiert und werden schrittweise vermittelt. Es geht um das Melodiespiel, Liedbegleitung mit Akkorden, Schlagmuster wie auch die Rhythmen und Techniken der Hawaiianer. Die beiliegende DVD enthält Erklärungen und Tipps zu Haltung, Griffen und Anschlag sowie Erläuterungen zur Rhythmik. Auf der mp3-CD finden sich die Klangbeispiele zu den Übungen aus dem Buch sowie die Aufnahmen aller Stücke mit Ukulele und Gesang und teilweise mit weiteren Instrumenten wie Bass und Percussions. Das Ukulelen-Übungsbuch präsentiert einen ausgewogenen Mix von deutschen und englischen Schlagern, internationale Pop- und Rocksongs, traditionelle Kinder- und Volkslieder sowie Gospels und hawaiianisches Liedgut. Der Musiker Kurt Meimer hat die Ukulele während seines 21jährigen Aufenthalts auf Hawaii kennen und lieben gelernt. Er legte damals seine Gitarre und den Bass zur Seite und spielte nur noch auf dem viersaitigen „springenden Floh“, wie die Polynesier das kleine Instrument nennen. Seit Jahren wird der im Bayerischen Wald geborene Kurt Meimer nur noch der Ukulele-Kurt genannt. Er unterrichtet seit 2005, um seinen Schülern die Freude am Ukulele Spielen nahezubringen. Mit seinem Freund und Mitautor Christian Schmalz, einem erfahrenen Musiker und Toningenieur mit eigenem Tonstudio, hat er sein beeindruckendes Knowhow in dem Lehrbuch „Ukulele-Fieber“ zusammengetragen.

Diese Auswahl von Meisternovellen Achim von Arnims führt in das Spannungsfeld der deutschen Romantik, in dem Geschichte, Sage, psychologische Beobachtung und groteske Phantastik unauflöslich ineinandergreifen. Arnims Erzählkunst verbindet eine oft sprunghafte, musikalisch bewegte Prosa mit scharfer Gesellschaftswahrnehmung und einem ausgeprägten Sinn für das Unheimliche. Seine Novellen entfalten keine bloßen Märchenwelten, sondern prüfen an Gestalten aus Adel, Volk, Militär und Randgruppen die Brüche einer Epoche zwischen ständischer Ordnung, Revolutionserfahrung und moderner Innerlichkeit. Achim von Arnim, 1781 in Berlin geboren und 1831 auf Schloss Wiepersdorf gestorben, gehört neben Clemens Brentano zu den prägenden Stimmen der Heidelberger Romantik. Die gemeinsame Sammlung Des Knaben Wunderhorn bezeugt sein Interesse an Volkslied, Überlieferung und nationaler Erinnerung. Zugleich verband Arnim aristokratische Herkunft, naturwissenschaftliche Bildung und politische Zeitgenossenschaft mit einer dichterischen Neigung zum Fragmentarischen, Rätselhaften und Historisch-Vielstimmigen-Voraussetzungen, die seine Novellistik entscheidend formten. Empfohlen sei dieser Band allen Leserinnen und Lesern, die romantische Literatur nicht als Flucht aus der Wirklichkeit, sondern als anspruchsvolle Deutung geschichtlicher und seelischer Konflikte entdecken möchten. Arnims Novellen verlangen Aufmerksamkeit, belohnen sie jedoch mit überraschender Bildkraft, erzählerischer Kühnheit und einer Modernität, die gerade im Fremden und Wunderbaren sichtbar wird.

Wissenschaftlicher Aufsatz aus dem Jahr 2017 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: keine, , Sprache: Deutsch, Abstract: Bereits in der Weimarer Republik bemühte sich die Jugend- und Singbewegung darum, Hausmusik zu "demokratisieren", d.h. alle gesellschaftlichen Schichten sollten angeregt und in die Lage versetzt werden, sich musikalisch - gerade auch zu Hause - zu betätigen. Der schwer zu erlernenden Kammermusik stellte man das sogenannte Volkslied gegenüber, das, verstanden als "Mutterboden" nationaler Kunst, jedem das Singen daheim als "Hausmusik" ermöglichen sollte. Die Nationalsozialisten bauten auf diesem Verständnis von "Hausmusik" auf.In der öffentlichen Wahrnehmung führen die zwei Begriffe "Musik" und "Drittes Reich" häufig zu Assoziationen von Bayreuther Wagner-Festspielen oder von glamourösen Konzerten speziell der großen philharmonischen Orchester mit Bruckner und Beethoven-Aufführungen, andererseits auch zu Bildern von unzähligen Aufmärschen der kleinen "Pimpfe", der Hitlerjugend mit Trommeln, Pauken und Blasinstrumenten oder der "musikalischen" Paraden von Partei und SA. In der wissenschaftlichen Diskussion bearbeitet und weitgehend im öffentlichen Bewusstsein verankert ist ebenso die nationalsozialistische Diffamierung und Verfolgung all dessen, was von Regierungsseite seinerzeit als "entartete Kunst" bezeichnet wurde. Weniger bekannt ist jedoch, welche Entwicklungen es darüber hinaus in dem Bereich der Musikpflege gab, der von jeher halb privat - halb öffentlich den bürgerlichen Teil der Gesellschaft betraf, der sich der Ausübung von "Hausmusik" widmete.

Studienarbeit aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Germanistik - Komparatistik, Vergleichende Literaturwissenschaft, Note: 1,7, Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg (Germanistik und Komparatistik), Veranstaltung: HS Ballade, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Auffassung des 18. Jahrhunderts, die Ballade sei eine zeitlos wirkende Gattung, lässt sich zumindest in dem Punkt abschwächen, als dass man sagen kann sie hat in der Produktion von Gegenwartsliteratur kaum noch Bedeutung. "Die neuere Ballade, die wir Kunstballade nennen [...] ist ein Gebilde des [...] 18. Jahrhunderts und vom Aufschwung unserer klassisch - romantischen Literatur nicht zu trennen" (Müller-Seidel 1963: 17f).Gothe sagt zu dieser Zeit die Ballade sei eine Art der Dichtung in der "die Elemente noch nicht getrennt, sondern wie in einem lebendigen Ur - Ei zusammen sind, das nur bebrütet werden darf, um als herrlichstes Phänomen auf Goldflügeln in die Lüfte zu steigen" (GOETHE nach MÜLLER-SEIDEL 1963: 19). In diesen Zeilen ist der Einfluss seiner Sturm und Drang - Zeit stark ersichtlich, Goethe zielt hier auf ein Zusammenspiel der Gattungen anstatt deren Trennung ab, wie sie noch in jüngster Zeit üblich ist.Die Geschichte der ursprünglichen Ballade1, welche in Abgrenzung zur Kunstballade als Volksballade bezeichnet wird, soll hier nur nebenbei eine Rolle spielen. Im groben Überblick kann man sagen, dass vor allem die Volkslieder der >>Skanden >Ossian - Aufsatz >Über Ossian und die Lieder alter Völker >Edward - Ballade >Volkspoesie

Examensarbeit aus dem Jahr 1999 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,0, Carl von Ossietzky Universität Oldenburg (Fachbereich Musik), Sprache: Deutsch, Abstract: Ausgangspunkt der vorliegenden Arbeit war eine Anfrage des Ostfriesischen Sängerbundes(OSB)an den Fachbereich 2 der Carl-von-Ossietzky-Universität Oldenburg. Der OSB fragte, ob sich ein oder mehrere Mitglieder des Fachbereiches mit der Frage, welches Bild in der Öffentlichkeit von Laienchören und ihrer Arbeit besteht, beschäftigen wollten. Hintergrund dieser Anfrage ist der Umstand, dass sich 1998 im OSB eine Arbeitsgruppe gebildet hatte, die sich mit der drohenden Überalterung der Chöre und dem Nachwuchsmangel in weiten Bereichen des OSB befaßte. Die Mitglieder dieser Arbeitsgruppe kamen zu der Erkenntnis, dass ohne statistische Daten über die Außenwirkung von Chören keine Strategien zur Steigerung der positiven Außenwirkung entwickeln ließen. Deswegen wurde an die Carl-von-Ossietzky-Universität Oldenburg und die Universität Lüneburg die schon erwähnte Anfrage gerichtet. Über Herrn Professor Dr. Walter Heimann und den Leiter des Hochschulchores der Carl-von-Ossietzky-Universität Oldenburg, Herrn Manfred Klinkebiel, gelangte die Anfrage an den Autor. Der Stand der Forschung zu dem Thema "Das Bild der Laienchöre bei Jugendlichen und jungen Erwachsenen" läßt sich auf einen kurzen, provokativen Nenner bringen: Es gibt keinen! Abgesehen von einigen wenigen Untersuchungen wie z.B. über die Zukunft spezieller Chorarten in Baden-Württemberg ist dieses Thema bisher nicht Gegenstand von wissenschaftlichen Untersuchungen oder Forschungsobjekten geworden. Es gibt zwar sehr vielfältige und gründliche Arbeiten über das Volkslied und seine Bedeutung, über den Liedbesitz der Deutschen oder das Singen im allgemeinen. Die Arbeiten, die sich mit Chören befassen, beschäftigen sich aber zumeist mit den intern ablaufenden Prozessen in Chören, mit der historischen Entwicklung bestimmter Chöre oder Chorverbände oder mit soziologischen Untersuchungen des Publikums. Es gibt (zum Zeitpunkt der Erstellung dieser Arbeit) aber offensichtliche keine größere Arbeit zur Klärung der Frage, wie die Chöre, insbesondere die Laienchöre, in der Öffentlichkeit wahrgenommen und bewertet werden. Diese Lücke soll die vorliegende Arbeit im Ansatz schließen.

Bambusflöten zu spielen und zu bauen fasziniert Marwan seit seiner Kindheit. Bei seiner Arbeit als Fremdenführer auf Kreuzfahrtschiffen den Nil flussauf- und abwärts unterwegs, pflegte er, seine Gäste anstelle eines Fähnchens oder eines Regenschirms mit dem Klang seiner Bambusflöten zusammenzurufen. 1997 verließ Marwan Ägypten. Nach Aufenthalten in Dubai und Amsterdam ließ er sich in Deutschland nieder, wo er erfolgreich das Studium der Verwaltungswirtschaft abschloss und seit dem im öffentlichen Dienst tätig ist. Um ein Stück Kultur seiner alten Heimat in Deutschland zu verbreiten, veröffentlichte Marwan mehrere Websites sowohl mit Anleitungen zum Flötenspielen als auch mit Beschreibungen zum Bau einzelner Modelle. Ende 2005 veröffentlichte er sein erstes deutsches Buch: Die Bambus Querflöte. Traversflöte: Bansuri oder Dizi. Eine Anleitung zum Bau, Books on Demand GmbH, Norderstedt, 2005. Den Zugang zur Shakuhachi bekam er durch das eigenhändige Anfertigen dieses Instruments. Marwan Hassan bietet hier ein Lehrbuch, welches die Feinheiten und Nuancen einer Shakuhachi ebenso berücksichtigt wie das erfolgreiche Erlernen des Spielens. Viele Beispiele und Übungen führen schrittweise in die Spieltechnik des Kinko-Stils und dessen Notation ein. Neben traditionellen japanischen Volksliedern werden auch zehn im westlichen Kulturkreis bekannte Lieder einmal in den üblichen westlichen Noten und einmal im Kinko-Stil dargestellt. So fällt es leichter sich auf die Kinko-Notationen zu konzentrieren. Im Übrigen sind zu den meisten westlichen Liedern auch die Gitarrenakkorde beigefügt. Abgeschlossen wird das Buch mit einigen Buchmpfehlungen und nützlichen Links. Selbstverständlich ist auch eine Einführung in die Geschichte der Shakuhachi beigefügt. Des Weiteren werden Hinweise zum Erwerb eines solchen Instruments gegeben.

Die Musikparade zählt bis heute Hunderttausende begeisterte Besucher. Die Musikparade gastiert in nahezu allen großen deutschen Städten und ist damit eine der erfolgreichsten Show-Produktionen in ganz Deutschland. Äußerst vielfältig ist die musikalische Reise der Musikparade, die jedes Jahr neu zusammengestellt wird: Im Mittelpunkt stehen natürlich die berühmtesten Märsche, doch bieten die verschiedenen Orchester ein großes Repertoire bis hin zur modernen Blasmusik von Jazz bis Klassik, von Filmmusik bis Musicals oder von Evergreens bis zu aktueller Popmusik. Abgerundet wird das Programm durch jährlich wechselnde Einlagen – von Chören über Folklore-Einlagen bis zu exotischer Volksmusik. Die hier vorliegende Produktion entstand im März 2013 in der Lanxess – Arena in Köln und ist ein absolutes fast 2 stündiges Highlight in Musik, Optik und Show! Lassen Sie sich entführen in den Bann echter, perfekter und „handgemachter“ Livemusik und erleben Sie die Faszination der Musikparade, die Alt und Jung in die größten Hallen Deutschlands führt. Tracklisting: Alle Künstler: 01 Supermann Marsch 02 Udo Jürgens Medley 03 Florentiner Marsch Tschechien: 04 Marsch 05 Muzne pred 06 Balada 07 Castaldo 08 Skoda lasky 09 Koline Koline 10 Marsch Kanada: 11 Dugald 12 Wellington Police Piper´s in Australia 13 John Campbell 14 Hills of Kesh 15 Water is wide 16 Highland Fling Dance 17 Leaving Port Askaig 18 Farewell to the Creeks Ukraine: 19 Fanfare 20 Kosakenunterhaltungen 21 Ukrainischer Block 22 Viva Colonia 23 Die Kleine Kneipe 24 Säbeltanz mit Andrii 25 Cats mit Crystel 26 Muss I denn Frankreich: 27 Pokerface 28 Bad Romance 29 Auprés de ma blonde 30 Quand madelon 31 Choeur des Soldats 32 La vie parisienne 33 Avoir un bon copain Russland 34 Kalinka 35 Russisches Volkslied 36 Marsch von Tschaikowsky 37 Russisches Volkslied 38 Lied von Pestov 39 Beim Kronenwirt 40 Marsch Proscanije Slavjanki Niederlande: 41 Mars Fanfarov 42 Police Academy 43 Zorba heb ik niet 44 Love me tender 45 Umbrella is door sietze 46 Sing sing sing 47 Sweet Caroline Nationenorchester 48 Rosamunde 49 Raiders March 50 Amazing Grace 51 Circus Renz 52 Radetzky Marsch 53 Alte Kameraden

Als die europäische Romantik das Volkslied für die hohe Literatur entdeckt und dem Vergessen der Geschichte entreißt, ist es Rosalía de Castro, die 1863 mit ihren Galicischen Liedern eine Gedichtsammlung mündlich überlieferter Volksweisen in ihrer Landessprache vorlegt, die ihres Gleichen sucht. Mit ihrem Buch stößt sie die Galicische Renaissance an und legt den Grundstein für die Entstehung der literarischen Moderne Galiciens. Obwohl die Galicischen Lieder schon vor über 150 Jahren veröffentlicht worden sind, repräsentieren sie noch immer das wichtigste Werk der zeitgenössischen galicischen Literatur. Die unzähligen Neuauflagen, die ungebrochene Präsenz in Anthologien, die Reminiszenzen galicischer Schriftsteller und nicht zuletzt die häufigen musikalischen Neuvertonungen der Galicischen Lieder beweisen, dass Rosalías Gedichte nicht nur zum Kanon der sogenannten klassischen Literatur gehören, sondern auch weiterhin als Referenzpunkt für die Forderung kultureller, sprachlicher und politischer Rechte Gültigkeit besitzen. Die Sammlung der fünfunddreißig glossierten Liedfragmente, welche Eingang in Rosalías Galicische Lieder gefunden haben, können als Essenz der soziokulturellen Besonderheiten ihrer Heimat bezeichnet werden. Die thematische Bandbreite geht allerdings über die gewöhnliche Sammlung von Tanz-, Liebes- und Wiegenliedern oder den typischen Dichtungen zu religiösen Festen hinaus. Rosalía stimmt hier einerseits ein Loblied auf die Schönheit Galiciens an, andererseits scheut sie sich aber auch nicht, die Verunglimpfungen anzuprangern, mit welchen andere Regionen ihr Land überziehen. Ihre poetische Sensibilität, die uns den Schmerz der Anderen fühlen lässt, übergeht nicht die alltäglichen Probleme der marginalisierten galicischen Provinzen: Hunger, Not, Tod, Emigration und das Auseinanderklaffen der Schere zwischen Arm und Reich sind Themen, welche leider auch in unserer heutigen Zeit nichts von ihrer Aktualität eingebüßt haben. Die Galicischen Lieder sind von Christian Switek ins Deutsche übertragen worden. Seine Übersetzung bietet den deutschsprachigen Leserinnen und Lesern zum ersten Mal den vollständigen Text in einer zweisprachigen Ausgabe auf Galicisch und Deutsch.

Das Arbeitsheft ist für den Einsatz in der Grundschule der Klassen 3 und 4 sowie in der Sekundarstufe der Klassen 5 bis 7 konzipiert. Es bietet leicht umsetzbare Arrangements und Vorschläge für den Einsatz von Boomwhackern in der gesamten Klasse. Die einstudierten Stücke sind ideal für Schulaufführungen oder festliche Veranstaltungen geeignet.Dieses Konzept umfasst bekannte Melodien aus verschiedenen Musikrichtungen, wie Pop, Klassik, Volkslied und Musical, die einfach für kleine Boomwhacker-Gruppen arrangiert wurden. Bereits wenige Boomwhacker-Sets reichen aus, um die dreistimmigen, leicht umsetzbaren Arrangements im Unterricht oder bei Aufführungen einzustudieren. Der Band liefert Ihnen nicht nur Arrangements, sondern auch Ideen zur Umsetzung von Liedern aus den Bereichen:- Klassik (z. B. von Beethoven und Grieg)- Traditionelle deutsche Lieder- Internationale Folklore (z. B. aus Ghana und Jamaika)- PopmusikDie Boomwhacker sind innovative Instrumente, die den modernen Musikunterricht bereichern und den Schülern zusätzliche Motivation bieten. Sie wurden in den 90er Jahren von Craig Ramsell, einem Erfinder aus Arizona, entwickelt, der Pappröhren für einen Recycling-Container zerkleinerte und die Idee für dieses Musikinstrument hatte. Heute werden die Boomwhacker aus bunten Plastikröhren hergestellt und haben sich als nützlich erwiesen, um Rhythmus, Harmonie und Melodie zu realisieren. Die Röhren sind auf den Tonraum der C-Dur-Tonleiter abgestimmt und sind sowohl im pentatonischen als auch im diatonischen Satz erhältlich. Um in anderen Tonarten spielen oder begleiten zu können, ist ein chromatisches Ergänzungsset erforderlich.36 Seiten, FARBDRUCK

Studienarbeit aus dem Jahr 2009 im Fachbereich Didaktik - Germanistik, Note: 2,3, Universität Regensburg (Germanistik), Veranstaltung: Proseminar II Didaktik, Sprache: Deutsch, Abstract: Märchen, eine Gattung der Literatur, die auf einer langen Tradition basiert und auch selbige verkörpert. Eine überaus bekannte Gattung, die sowohl Kinder als auch Erwachsene begeistert, was vor allem auf ihre Vielfalt und Auswahl zurückzuführen ist. Zumeist wissen aber nur wenige Menschen, was Märchen sind, was sie ausmacht, wie sie entstanden sind, aus welchen Komponenten sie bestehen und welche Bedeutung sie haben. Viele können den Terminus Märchen nicht richtig einordnen. Begriffe, wie Zahlensymbolik und Volkslied oder der Unterschied zwischen Volksmärchen und Kunstmärchen werden kaum mit der Gattung Märchen in Verbindung gebracht. In der folgenden Arbeit geht es aber vor allem darum, die Illustrationen, die in den Märchenbüchern sehr zahlreich vorhanden sind, näher zu beleuchten. Einerseits die kritische Sichtweise der Forschung, die sich damit beschäftigt, ob ein Märchenbuch überhaupt Bilder benötigt und andererseits wie sich die Märchenillustration entwickelt hat und auf welche Art und Weise in der Schule mit Märchenillustrationen gearbeitet werden kann. Zwei Märchenillustratoren und deren Werdegang werden besonders im Vordergrund dieser Arbeit stehen, da diese beiden Herren auch Stationen unserer Märchenexkursion waren. Es handelt sich dabei um Otto Ubbelohde, einen Künstler aus dem 19./20. Jahrhundert und Albert Schindehütte, einen zeitgenössischen Illustrator. Stationen bezüglich dieser beiden Herren waren während der Exkursion "Auf den Spuren der Brüder Grimm", unter anderem, das Otto-Ubbelohde-Haus in Goßfelden und ein Besuch in der Schauenburger Märchenwache. Programmpunkte bezüglich der Entwicklung der Märchenillustration sind ein Besuch von Schloss Philipsruhe in Hanau und eine Stippvisite im Deutschen Märchen- und Wesersagenmuseum in Bad Oeynhausen gewesen. In beiden Häusern lässt sich die Entwicklung bzw. der Werdegang der deutschen Märchenillustration sehr gut nachvollziehen und nebenbei kann man wunderschöne Bilder sehen, die man in solcher Farbenpracht und Echtheit sonst nur selten bewundern kann.

Diese Auswahl aus den Dichtungen Eduard Mörikes erschließt ein lyrisches Werk, dessen scheinbare Anmut eine ungewöhnliche formale Präzision verbirgt. Zwischen Naturgedicht, Liebeslied, geistlicher Meditation, Ballade und humoristischer Miniatur entfaltet sich eine Poetik der leisen Übergänge: romantische Innerlichkeit, schwäbische Liedtradition und biedermeierliche Weltbeobachtung treten in spannungsreiche Verbindung. Mörikes Sprache ist musikalisch, bildgesättigt und zugleich kontrolliert; sie verwandelt Alltag, Erinnerung und Mythos in konzentrierte Augenblicke poetischer Erkenntnis. Eduard Mörike (1804-1875), Pfarrer, Lehrer und einer der eigenwilligsten Dichter des 19. Jahrhunderts, schrieb aus einer Lebenslage heraus, die von religiöser Pflicht, gesundheitlicher Empfindsamkeit und künstlerischem Eigensinn geprägt war. Seine württembergische Herkunft, die Ausbildung am Tübinger Stift und die Nähe zu Musik und Volkslied nährten jene zarte, oft melancholische Wahrnehmung, die seine Gedichte durchzieht. Hinter der Bescheidenheit des Tons steht ein Autor, der Weltfrömmigkeit, Skepsis und ästhetische Selbstprüfung unablässig miteinander verhandelt. Diese Ausgabe empfiehlt sich Lesern, die deutsche Lyrik nicht als bloßes Denkmal, sondern als lebendige Kunst der Nuance entdecken möchten. Sie bietet einen verlässlichen Zugang zu Mörikes Rang: zu Gedichten, die bei wiederholter Lektüre immer neue akustische, seelische und gedankliche Schichten freilegen. Wer die stille Meisterschaft zwischen Romantik und Moderne sucht, findet hier eine unverzichtbare Sammlung.

Das unkomplizierte Spielvergnügen auf dem Piano! „Meine schönsten Klaviernoten!“ enthält 55 weltberühmte klassische Klavierstücke & moderne Lieder passend zum Einstieg ins Klavierspielen. Die Stücke sind einfach arrangiert und zumeist in Viertelnoten gehalten, sodass sich der Start leicht und mit Motivation gestalten lässt. Freudige Erfolgserlebnisse am Klavier sind schnell möglich und der Spaß am vielseitigen Klavierspiel steht im Vordergrund. Die kostenlosen Audiodateien zum Herunterladen helfen beim Kennenlernen des jeweiligen Stückes und unterstützen dabei ein gutes Spielgefühl zu entwickeln. Ohrwurmgarantie! Von Kinder- über Weihnachtslieder bis hin zu Piano-Evergreens, deutsche und englische sowie weitere internationale Volkslieder (Traditionals) und klassische Meisterwerke – für jeden Geschmack und für unterschiedliche Anlässe ist etwas Passendes dabei. Weltbekannte Stücke aus den Genres Pop, Rock, Jazz und Klassik sind vertreten. Lust auf Amazing Grace, Bella Ciao, Jingle Bells, The Entertainer, Happy Birthday oder Schneewalzer? Alle Klavier-Begeisterten – Kinder, Erwachsene und Wiedereinsteiger – werden hier Stücke finden, die ihnen gefallen! Die Lieder sind nach Themenbereich geordnet und enthalten hilfreiche Fingersätze und Tempoangaben. Da es sich um ein reines Notenbuch handelt, sollten Notenkenntnisse bereits vorhanden sein. Wer sich fürs Klavierspielen interessiert und mit Spaß berühmte Klassiker erlernen möchte, sollte sich diese Klaviernoten unbedingt zulegen! QR-Codes, Download-Material & Audio-CD Scanne die im Buch enthaltenen QR-Codes mit dem Smartphone oder Tablet und gelange direkt zu den Hörbeispielen.

Joseph Haydn war ein Genie! Er hat über 100 Sinfonien, viele Klavierstücke, Kammermusik, Opern und Lieder geschrieben und sogar die Melodie der deutschen Nationalhymne stammt von ihm.Mit viel Humor führt der mehrfach ausgezeichnete Kinderkonzert-Spezialist Marko Simsa durch die Welt eines der wichtigsten Komponisten der Wiener Klassik. Bei Haydns bekanntesten Werken, aber auch einigen musikalischen Geheimtipps, kommen große und kleine Klassik-Liebhaber auf ihre Kosten.Inhalt: Marsch in C Begrüßung Symphonie Nr. 1 in D-Dur, 3. Satz, Finale: Presto Sinfonia Finlandia Trio Ungarese Klaviertrio in G-Dur, HOB. XV:25, 3. Satz, Rondo, in the Gypsies' style ("Trio Ungarese") Das Reiterquartett Streichquartett in g-Moll "Der Reiter", Op. 74/3 HOB. III-74, 4. Satz, Finale: Allegro con brio (Ausschnitt) Haydns Symphonie "Die Henne" Symphonie Nr. 83 in g-Moll "Die Henne", 1. Satz, Allegro spiritoso (Ausschnitt) Das Vogelquartett Streichquartett Nr. 32 in C-Dur, Op. 33, Nr. 3 "Der Vogel", 4. Satz, Finale: Rondo-Presto Das Trompetenkonzert Konzert für Trompete und Orchester in Es-Dur, HOB. VIIe:1, 3. Satz, Finale: Allegro Ein Stück für das Klavier Klaviersonate Nr. 43 in Es-Dur, Hob. XVI: 28, Menuett (Ausschnitt) Haydns allererster Klaviersonate Klaviersonate Nr. 1 in G-Dur, HOB. XVI/8, 4. Satz, Allegro Das Oratorium "Die Jahreszeiten" - Der Frühling Die Jahreszeiten, Oratorium Hob. XXI: 3. Aus: Der Frühling: Einleitung, Largo - Vivace und Rezitativ "Seht, wie der strenge Winter flieht" Das Oratorium "Die Jahreszeiten" - Der Herbst Die Jahreszeiten, Oratorium Hob. XXI: 3. Aus: Der Herbst: Chor: "Juchhe! Juchhe! Der Wein ist da!" (Ausschnitt) Das Kaiserquartett mit der Melodie der deutschen Nationalhymne Quartett in C-Dur Op. 76, Nr. 3, Hob. III:77 (Kaiserquartett), 2. Satz, Poco adagio (Ausschnitt) Die Tanzmusik im Kaiserquartett: Das Menuett Quartett in C-Dur Op. 76, Nr. 3 (Kaiserquartett), 3. Satz, Menuett. Allegro (Ausschnitt) Die Symphonie "Der Bär" Symphonie Nr. 82 "Der Bär" in C-Dur, 4. Satz, Finale: Vivace (Ausschnitt) Das Cembalo Konzert F Hob. XVIII:7 für Cembalo und Orchester, 2. Satz, Adagio Haydns Symphonie "Die Uhr" Symphonie Nr. 101 in D-Dur "Die Uhr", 2. Satz, Andante (Ausschnitt) Schottische Volkslieder Lied: Auld lang syne - Schottische Lieder, Hob. XXXIa:218 Und noch ein schottisches Volkslied Lied: The east neuk o' Fife - Schottische Lieder Hob. XXXIa:234 Das Violoncello Konzert für Violoncello und Orchester Nr. 1 in C, Hob. VIIb1 - 1. Satz (Ausschnitt) Auf Wiederhören mit einem Paukenschlag Symphonie "Mit dem Paukenschlag" ("Surprise") Nr. 94, 2. Satz, Andante

Die Musikparade zählt bis heute Hunderttausende begeisterte Besucher. Die Musikparade gastiert in nahezu allen großen deutschen Städten und ist damit eine der erfolgreichsten Show-Produktionen in ganz Deutschland. Äußerst vielfältig ist die musikalische Reise der Musikparade, die jedes Jahr neu zusammengestellt wird: Im Mittelpunkt stehen natürlich die berühmtesten Märsche, doch bieten die verschiedenen Orchester ein großes Repertoire bis hin zur modernen Blasmusik von Jazz bis Klassik, von Filmmusik bis Musicals oder von Evergreens bis zu aktueller Popmusik. Abgerundet wird das Programm durch jährlich wechselnde Einlagen – von Chören über Folklore-Einlagen bis zu exotischer Volksmusik. Die hier vorliegende Produktion entstand im März 2013 in der Lanxess – Arena in Köln und ist ein absolutes fast 2 stündiges Highlight in Musik, Optik und Show! Lassen Sie sich entführen in den Bann echter, perfekter und „handgemachter“ Livemusik und erleben Sie die Faszination der Musikparade, die Alt und Jung in die größten Hallen Deutschlands führt. Tracklisting: Alle Künstler: 01 Supermann Marsch 02 Udo Jürgens Medley 03 Florentiner Marsch Tschechien: 04 Marsch 05 Muzne pred 06 Balada 07 Castaldo 08 Skoda lasky 09 Koline Koline 10 Marsch Kanada: 11 Dugald 12 Wellington Police Piper´s in Australia 13 John Campbell 14 Hills of Kesh 15 Water is wide 16 Highland Fling Dance 17 Leaving Port Askaig 18 Farewell to the Creeks Ukraine: 19 Fanfare 20 Kosakenunterhaltungen 21 Ukrainischer Block 22 Viva Colonia 23 Die Kleine Kneipe 24 Säbeltanz mit Andrii 25 Cats mit Crystel 26 Muss I denn Frankreich: 27 Pokerface 28 Bad Romance 29 Auprés de ma blonde 30 Quand madelon 31 Choeur des Soldats 32 La vie parisienne 33 Avoir un bon copain Russland 34 Kalinka 35 Russisches Volkslied 36 Marsch von Tschaikowsky 37 Russisches Volkslied 38 Lied von Pestov 39 Beim Kronenwirt 40 Marsch Proscanije Slavjanki Niederlande: 41 Mars Fanfarov 42 Police Academy 43 Zorba heb ik niet 44 Love me tender 45 Umbrella is door sietze 46 Sing sing sing 47 Sweet Caroline Nationenorchester 48 Rosamunde 49 Raiders March 50 Amazing Grace 51 Circus Renz 52 Radetzky Marsch 53 Alte Kameraden

Studienarbeit aus dem Jahr 2004 im Fachbereich Germanistik - Ältere Deutsche Literatur, Mediävistik, Note: 2,3, Johannes Gutenberg-Universität Mainz, Veranstaltung: Minnesang, Sprache: Deutsch, Abstract: (...)Friedrich Nicklas unterteilte zudem die Merkmale der `höfischen Tagelieder`: "die höfischen Tagelieder hatten zwei Höhepunkte: das Erwachen der Liebenden und den Abschied."7 "Die älteste, uns bekannte Dichtung mit tageliedartigem Charakter ist die lateinisch-provenzalische alba `Phebi claro nondum orto iubare`, (...) sie stammt aus dem Anfang des 10. Jahrhunderts"8. Im Gegensatz zu den deutschen Tageliedern waren die albas im romanischen Minnesang jedoch weniger häufig verfasst worden, denn dort war die Pastourelle mit balladesken Zügen verbreiteter. Mit der hier vorliegenden Hausarbeit werden ausgesuchte Forschungsergebnisse untersucht, die das Tagelied als eine eigenständige Gattung oder als Variante innerhalb der hohen Minne verstanden haben. Die Untersuchung bezieht sich vor allem auf Christoph Cormeaus Forschungsbeitrag "Zur Stellung des Tagelieds im Minnesang" von 1992 und wird dessen Thesen aufgreifen. Cormeaus Beitrag beeinflusste erfolgreich die germanistische Forschung zum Tagelied und seine These das Tagelied als Variante des hohen Minneliedes zu betrachten setzte sich durch. Durch Interpretationen und Untersuchungen von Wolfram von Eschenbachs Tageliedern werden Cormeaus Thesen und Antithesen textimmanent überprüft. (Der Grund Lieder Wolframs auszuwählen liegt in seiner Vorbildfunktion für das deutsche Tagelied - man kann ihn den "Tagelieddichter" nennen - näheres diesbezüglich wird in der Arbeit noch erklärt.) "Selbst in den späteren Volkslieder-Sammlungen finden sich noch Stücke, die den Wolframschen Typ des Tagelieds erkennen lassen."9 Das Tagelied selbst hat den Minnesang überdauert. Da das Tagelied, wie oben erwähnt, eine große Variationsbreite aufweist, werden die volkstümlichen Tagelieder, die nicht in die Kategorie der hohen Minnelyrik zu zählen sind10 und die geistlichen Lieder aus dieser Untersuchung ausgeschlossen, so wie die Pastourelle und das Kreuzlied.7 Nicklas, Friedrich, S. 128.8 Nicklas, Friedrich, S. 11.9 Bumke, Joachim, S. 37.10 ihnen fehlen das adlige Personal und die subjektivivistische Perspektive des Ritters.

Studienarbeit aus dem Jahr 2006 im Fachbereich Geschichte Europa - and. Länder - Neuzeit, Absolutismus, Industrialisierung, Note: 1,4, Universität Rostock (Historisches Institut), Veranstaltung: 1. Semester, Sprache: Deutsch, Abstract: "Ja, lustig ist das Studentenleben" heißt es in einem bekannten Volkslied. Die Jahre des Studiums gelten bis in das frühe 19. Jahrhundert gemeinhin als die 'wilden' Jahre der zukünftigen Akademiker. In zahlreichen Biographien über einflussreiche Persönlichkeiten wie Goethe, Heine oder Bismarck wird versucht, diesen Zeitabschnitt mit jenen Klischees zu behaften.Das Leben der Studenten wurde und wird von Teilen der Gesellschaft als Zeitraum betrachtet, der maßgeblichen Einfluss auf die Persönlichkeitsentwicklung des Einzelnen, seine persönliche Akzeptanz und Integration in die Gesellschaft besaß. Die Gesellschaft erhoffte sich von den Studenten die Ausbildung und Reifung zu späteren Führungskräften für Wirtschaft und Forschung. Man gestand den Studenten in diesem Zusammenhang eine ausschweifendere Phase ihres Lebens zu. Es galt, gesellschaftliche Erfahrungen zu sammeln und sich auf die zukünftigen Aufgaben und deren Bewältigung vorzubereiten. Im Zuge von Studium und indirektem Erlernen gesellschaftlichen Verhaltens fand in der Regel die Suche nach einer künftigen Lebensgefährtin statt. Dennoch stellt sich die allgemeine Frage, woher stammt das zeitgenössische Bild der wilden Jahre des Studiums? Welche Konflikte existierten zwischen den Studenten und der Gesellschaft? Wie sah die Reaktion der Behörden aus? Gab es Versuche, die entsprechenden Verhaltensweisen zu unterbinden oder steuernd auf die Studenten einzuwirken? Die genannten Fragen bildeten den Leitfaden für die Analyse der Entwicklung des studentischen Lebens in Rostock. Einen weiteren Schwerpunkt stellte die Untersuchung der Entstehung und Entwicklung der studentischen Verbindungen dar.

Examensarbeit aus dem Jahr 2006 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,70, Universität der Künste Berlin, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Musik spielt im jiddischen Theater eine sehr große Rolle. Schon von Beginn an waren jiddische Theaterstücke mit viel Musik angereichert, wenn nicht gar die Handlung von der Musik getragen wurde. Als Vater des jiddischen Theaters gilt Abraham Goldfaden, der inspiriert aus den Vorläufern des jiddischen Theaters wie den Purimspielen, Broder-Sängern, Badchn und anderen, die ersten jiddischen Theaterstücke entwarf. In dieser Arbeit soll die Entwicklung des jiddischen Theaters von seinen Anfängen in Rumänien und anderen Ländern Osteuropas bis hin nach New York aufgezeichnet werden. Dabei möchte ich im Besonderen die Musik in den Theaterstücken betrachten und versuchen, die Entwicklung der Musik mit ihrem Entstehungsort in Beziehung zu setzen. Während sich Abraham Goldfaden sehr von der europäischen Operette beeinflussen lässt und bekannte Melodien aus Volksliedern, Opern und Operetten kopiert, so wandelt sich die Musik und Form des jiddischen Theaters in Amerika immer mehr in Richtung Musical und Jazz. Die Aufgaben waren im Theater in den Anfängen nie klar umrissen. Ein Künstler erfüllte oft mehrere Aufgaben. Goldfaden war nicht nur der Autor von jiddischer Literatur und Theaterstücken, sondern auch der Gründer der ersten Theatertruppe in Rumänien und Regisseur, Komponist und Hauptdarsteller in diesem Ensemble. In Amerika wandelte sich die Aufgabenverteilung und nahm klassische Formen an. Hier kann man die Komponisten des jiddischen Theaters ganz klar von seinen Darstellern und Regisseuren unterscheiden.

Die Studiengrammatik bietet eine praxisnahe Einführung in osmanische Originaltexte. Ziel ist es, Texte mittlerer Schwierigkeitsstufe nicht nur zu verstehen, sondern sie auch philologisch präzise zu transkribieren und ins Deutsche zu übersetzen. Der Zugang erfolgt ausschließlich über Originaltexte aus verschiedenen Genres, die nach steigendem Schwierigkeitsgrad ausgewählt wurden. Von Volksliedern und Heiratsanzeigen des frühen 20. Jahrhunderts über Zeitungsartikel und Gedichte bis hin zu magischen Texten des 16. und Chroniken des 15. Jahrhunderts eröffnet das Lehrwerk einen faszinierenden Einblick in die Vielfalt der osmanischen Schriftkultur.The study grammar offers a practical introduction to Ottoman original texts. Its aim is not only to understand texts of intermediate level of difficulty, but also to transcribe them with philological accuracy and translate them into German. The approach is based exclusively on original texts from various genres, which have been selected according to increasing levels of difficulty. Ranging from folk songs and marriage announcements from the early 20th century to newspaper articles and poems, magical texts from the 16th century and chronicles from the 15th century, the textbook provides a fascinating insight into the diversity of Ottoman written culture.

Examensarbeit aus dem Jahr 1990 im Fachbereich Musikwissenschaft, Note: 1,0, Hochschule für Musik und Theater Hamburg (Musikwissenschaft), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe:Einleitung: Innerhalb dieser Arbeit habe ich versucht, zunächst ausgehend von einer Höranalyse, im Schaffen Wolf Biermanns bestimmte stilistische Merkmale aufzuspüren, die dann in einem hermeneutischen Verfahren auf ihren möglichen Sinngehalt überprüft werden sollen. Wobei Hermeneutik in der Weise verständen werden soll, daß sowohl die Musik als auch der Text nach formalen Kriterien betrachtet werden müssen, die dann aber in Beziehung zu ihrem psychologischen, politischen oder geschichtlichen Hintergrund zu bringen sind, um dann in einem Zirkelschluß die Frage nach der Bedeutung der Einzelglieder und ihrer Beziehung untereinander zu stellen. Rudolf Bultmann drückt diesen Vorgang bezogen auf literarische Texte folgendermaßen aus: "...die erste Forderung (ist) die formale Analyse eines literarischen Werkes hinsichtlich seines Aufbaus und seines Stiles. Die Interpretation hat die Komposition des Werkes zu analysieren, das Einzelne aus dem Ganzen, das Ganze vom dem Einzelnen aus zu verstehen. Die Einsicht, daß sich jede Interpretation in einem 'hermeneutischen Zirkel' bewegt, ist damit gegeben.". Es soll also im Werk nach Wurzeln gesucht, Vorbilder oder gar Vorlagen aufgezeigt, aber auch nach der Bedeutung dieser Elemente gefragt werden, und zwar aufgrund von intersubjektiven Gemeinsamkeiten. "Also: die Interpretation setzt immer ein Lebensverhältnis zu den Sachen voraus, die im Text (bzw. hier in der Musik, der Verf.) - direkt oder indirekt - zu Worte kommen. Ich verstehe einen über Musik handelnden Text nur, wenn und soweit ich ein Verhältnis zur Musik habe (weswegen denn in Thomas Manns 'Doktor Faustus' manche Partien für manche Leser unverständlich sind),...".Mittels der oben beschriebenen ersten Recherchen gelangte ich zu folgender Arbeitshypothese: Es lassen sich im Schaffen des Liedermachers Wolf Biermann bezüglich der musikalischen Umsetzung, und zwar besonders bezogen auf sein Hauptinstrument, die Gitarre, eine Reihe von Parametern aufstellen, die sich im Laufe der Jahre zwar modifiziert haben, insgesamt aber einen typischen Charakter bzw. Tonfall erkennen lassen. Trotz der sich wandelnden Elemente ist eine ästhetische Grundhaltung spürbar, die sich weder ausschließlich mit den Maßstäben der sogenannten E-Musik, noch mit denen der kommerziellen Popmusik messen lassen. Allein die beharrliche Verwendung eines nicht elektrifizierten Instruments bei gleichzeitiger Ablehnung des 'klassischen' Klangideals (ebenso Zn der Stimmgebung des Gesangs), lassen die Vermutung eines anderen Strangs der Anknüpfung an Tradition aufkommen. Dieser Strang wäre in einem Bereich zu suchen, der sich zum einen vom bürgerlichen Kulturbetrieb abgrenzt, sich zum anderen aber auch gegen die vollständige Vermarktung - und die Gesetzmäßigkeiten der schnellen Konsumierbarkeit - sperrt, wie sie für den Popsektor auszumachen ist. Spielformen, die diese Kriterien erfüllen, lassen sich im europäischen Volkslied, aber auch in anderen folkloristischen (in unserem Fall in erster Linie europäischen und amerikanischen) Musiken ausmachen. Hier sind Anknüpfungspunkte aufzuzeigen, die zum Teil bereits durch Titel im Werk Biermanns deutlich werden (Tango, Spanienplatte o.ä.) oder an Zitaten aus Volksliedern und bestimmten musikalischen Patterns nachweisbar sind (blue notes, Flamenco, harmonische Folgen, bestimmte Anschlagsformen). Die Fragestellung der Analyse soll auf folgende Bereiche abzielen (Wobei drei Ebenen berücksichtigt werden sollen, die allerdings noch unterschiedliche Aspekte beinhalten und sich in der Regel in bestimmten Spielpraktiken, spe-zifischen Techniken oder kollektiven Voraussetzungen äußern, sich also als 'konventionelle Stilelemente' formulieren lassen): 1) Welchen Einfluß u...

Studienarbeit aus dem Jahr 2008 im Fachbereich Germanistik - Neuere Deutsche Literatur, Note: 1,7, Universität Bremen (Neuere Deutsche Literatur), Veranstaltung: Goethes Lyrik, Sprache: Deutsch, Abstract: Goethes literarisches Schaffen hat durch seine semantische Intensität und Dichte dazu geführt, dass sich eine auf ihn selbst zurückführende Epoche konstituiert hat: die Goe-thezeit (1770 -1830). Die zeitlichen Grenzen dieser Epoche müssten - würden sie sich nach dem Geburts- und Todesdatum des Dichters richten - weiter ausgebreitet werden. Und zwar in die Vergangenheit bis 1749 und in die Zukunft bis 1832. Diese Minimie-rung des Zeitraumes deutet allerdings darauf, dass nicht Goethe selbst unmittelbarer Schöpfer dieser Epoche sein kann, sondern nur sein literarisches Werk, das aufgrund seiner Bedeutungstiefe für die Literaturhistorie paradigmatisch wirkt. Mit dieser Hausarbeit anhand von Goethes Gedicht An den Mond (2. Fassung) soll versucht werden zu zeigen, was der einzelne literarische Text leisten kann, und zwar über seine biografischen Grenzen hinaus, enthebt man ihn nur seiner direkten Einbet-tung in Goethes Leben. Denn Ziel der Literaturwissenschaft sollte es nicht sein, ledig-lich die richtige Autorintention herauszufinden. Dieser Begriff impliziert nämlich "ei-ne sinnlose Zielsetzung (...), die nachweislich bislang nie realisiert worden ist und die heute argumentativ als unrealisierbar nachgewiesen werden kann". Es soll daher ge-zeigt werden, was Literatur kann und wie sie menschliche Erfahrung, die sie in sich trägt, auch viel später noch aktualisieren kann. Denn der einzelne Text "ist in dem Maße bedeutend, in dem er paradigmatisch wirkt, weniger schon, wenn er nur exemplarisch ist, am wenigsten, wenn er bloß illustriert". Das Gedicht An den Mond wirkt paradigmatisch. Und zwar nicht für die Klassik, auch nicht für den Sturm und Drang. Es zeigt seine ganze lyrische Potenz in seiner Wider-ständigkeit, die dazu geführt hat, dass Generationen von Interpretierenden immer wie-der auf ihre eigenen Gefühle hinwiesen, die sie beim Lesen dieses Gedichtes haben, sodass, soweit ich sehe, bis jetzt keine befriedigende Werksdeutung zustande kommen konnten. Im möchte zunächst die Entstehungsgeschichte des Gedichtes beleuchten und eine werkgeschichtliche Einordnung vornehmen. Hierauf soll eine kurze Darstellung der Deutungsansätze dieses Gedichtes folgen. Daran anschließen soll sich ein Kapitel über das Volkslied - dessen Nähe dieses Ge-dicht offensichtlich sucht - und Herders Dichtungstheorie dazu, worauf schlussendlich ein eigenes Interpretationsangebot folgt.

Heinrich Heines Gedichtswerk stellt das Zentrum seines umfangreichen literarischen Schaffens dar. In seiner Lyrik zeigt sich der 1797 in Düsseldorf geborene Dichter in seiner ganzen inhaltlichen wie stilistischen Vielfalt: heiter und ausgelassen, politisch engagiert, traurig, romantisch und ironisch, stets voller Esprit und Wohlklang. Heine ist der vielleicht musikalischste von allen deutschen Dichtern, der es liebte, für seine Lyrik die überlieferten Formen des Volksliedes zu benutzen. Diesem musikalischen Geist in Heines Dichtung folgend, ersetzt der Sprecher und Musiker Sven Görtz die antike Lyra - das traditionelle Begleitinstrument für Dichtung - durch die elektrische Gitarre und präsentiert einige Gedichte Heines (hervorgehoben) in modernem musikalischem Gewand. 01. Ich wollte, meine Lieder das wären Blümelein 02. Vergiftet sind meine Lieder 03. Ich halte ihr die Augen zu 04. Mir träumte einst von wildem Liebesglühn 05. Ein Traum, gar seltsam schauerlich 06. Ich will meine Seele tauchen 07. Ein Weib 08. Die Jahre kommen und gehen 09. Ich weiß nicht, was soll es bedeuten 10. Sonnenuntergang 11. Die Welt ist dumm, die Welt ist blind 12. Sie haben dir viel erzählet 13. Mein Herz, mein Herz ist traurig 14. Ein Fichtenbaum steht einsam 15. Das ist ein schlechtes Wetter 16. Ich mache die kleinen Lieder 17. Mein Kind, wir waren Kinder 18. Ein Jüngling liebt ein Mädchen 19. Mir träumt, ich bin der liebe Gott 20. Das weiß Gott, wo sich die tolle Dirne einquartieret hat 21. Der Asra 22. Wer zum ersten Male liebt 23. Mir träumte wieder der alte Traum 24. Wenn ich in deine Augen seh / Im wunderschönen Monat Mai 25. Deutschland, ein Wintermärchen, Caput 1 26. Die schlesischen Weber 27. Doktrin 28. Nachtgedanken 29. Der Herbstwind rüttelt die Bäume 30. Wo wird einst des Wandermüden letzte Ruhestätte sein? 31. Beine hat uns zwei gegeben 32.

Studienarbeit aus dem Jahr 2011 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1, Ludwig-Maximilians-Universität München, Veranstaltung: Singen - Eine Kulturtechnik und ihre Vermittlung, Sprache: Deutsch, Abstract: Als der Geiger Giles Apap im Jahr 1999 in einem Konzert in Paris Mozarts Violinkonzert Nr. 3 in G-Dur, KV. 816, zum Besten gab, überraschte er sein Publikum mit etwas noch nie dagewesenem. Zum einen übernahm er kurzfristig die Leitung des Orchesters (der ursprünglich dafür eingesetzte Yehudi Menuhin war wenige Tage zuvor verstorben), wobei er diese Tätigkeit mit seinem Geigenbogen energiereich und extrovertiert ausführte. Zum anderen spaltete er in seiner Kadenz zum 3. Satz seine Zuhörer wie sonst kaum einer: In einer freien Improvisation über die zwei volksliedartigen Melodien, die während des Satzes auftauchen (siehe 3.2), gelang Giles Apap eine (für viele recht provokante) knapp zehnminütige Reise durch verschiedene Länder und ihre (volkstümlichen) Musiksti-le. Man hört Zigeunermusik, Blues, Indischen Ravi Shankar und Fiddlermusik, gepaart mit "unklassischen" Elementen wie Pfeifen, Singen, Aufheulen und einer ebenso eher unkon-ventionellen Bogentechnik. Natürlich blieben negative Reaktionen nicht aus. Ein Mann rief noch während des Konzer-tes: "Hey, where is Mozart?" und auch spätere Kritiken konnten mit Giles Apaps Kadenz nichts anfangen und warfen ihm fehlenden Respekt und kabarett-artige Selbstinszenierung vor. Abgesehen davon, was jeder einzelne von dieser Art der Interpretation hält, soll dieses Konzert auch als Beispiel herangezogen, in welcher Form Volkslieder/ -weisen oder Lied-haftes in klassischen Werken vorkommen können. Die Einbettung solcher findet sich bei näherem Hinsehen, bzw. Hinhören nämlich in so manchem Stück der "alten Meister". Und das wiederum kann als eine wunderbare Brücke im Schulunterricht verwendet werden, die Schüler von einem bekannten oder leicht singbaren Lied an ein komplexes klassisches Werk heranzuführen.In folgender Arbeit sollen die eben genannten Aspekte genauer betrachtet werden.

Studienarbeit aus dem Jahr 2007 im Fachbereich Germanistik - Ältere Deutsche Literatur, Mediävistik, Note: 1,3, Universität zu Köln, Veranstaltung: Hauptseminar Prof. Göttert: Oswald von Wolkenstein, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Verbrennung des Prager Gelehrten Jan Hus (ca. 1370-1415) auf dem Konstanzer Konzil am 6. Juli 1415 glich einem Fanal und bildete den eigentlichen Ausgangspunkt zur Verbrei-tung der hussitischen Lehre. Bereits Leopold von Ranke betont die beschleunigende Wirkung des Märtyrertods für die hussitische Bewegung: "Erst da Hus tot war, wurden seine Gedanken ledeutung zu, wovon nicht nur das Hus-Denkmal aus dem Jahr 1915 auf dem Altstädter Ring in Prag zeugt. Es verwundert daher nicht, dass sowohl die Aufsehen erregenden Vorgänge auf dem Konstanzer Konzil als auch die politischen Entwicklungen in der Folgezeit zum Gegenstand von Chroniken, Stichen und Schlachtgemälden, musikalischen Werken und politischer Lyrik erhoben wurden. Aus dem Jahr 1433 ist z. B. ein achtzehn Strophen umfassendes Volkslied Vom Hussitenkrieg ein Gesang überliefert. Martin Luther, der mehr als hundert Jahre nach den Konstanzer Er-eignissen seine Lehre entwickelte, bekannte sich zu der Inspiration, die er durch den böhmi-schen Reformator erfahren hatte. Auch musikalisch wurden die Auswirkungen der hussiti-schen Bewegung rezipiert: Franz Liszt und Antonin Dvorak vertonten 1840 und 1883, mehr als vierhundert Jahre nach dem Tode Hus' "Hussitenlieder". Oswald von Wolkenstein (um 1376-1445) verarbeitete wesentlich zeitnäher in dem ungewöhnlichen Lied Ich hab gehört durch mangen granns , dem so genannten Hussitenlied, die politischen Ereignisse um den böhmischen Reformator und die Folgen, die sich aus dessen Lehre ergaben. Der Verfasser bezieht mit dem Lied eindeutig gegen die hussitische Bewegung Stellung, - er entwickelt gar einen "fanatischen Hass auf diese bürgerlich-bäuerlichen Aufrührer und Ketzer." Die politische Stoßrichtung des Liedes kommt bereits durch die Verwendung des pejorativ aufgeladenen Begriffs "Gans" zum Ausdruck. Oswald verwendet dieses Bild aus der Ornithologie und zielt damit auf den böhmischen Gelehrten ab, denn Hus bedeutet im Tschechischen soviel wie Gans. Diese Übersetzung war bereits den Teilnehmern am Konstanzer Konzils geläufig und für sie negativ besetzt. Die Gegner des Hus' verwendeten die Beschreibung deshalb schon zu Beginn des Konzils und verhöhnten den böhmischen Lehr-meister als "Ganskopf". Während des Prozesses blieb die anklagende Seite, namentlich die Bischöfe von Brixen und Konstanz im Bild, indem sie forderten, dass die Gans "geröstet" und "gerupft" werden solle.

Frontmatter -- Inhalt -- I. Tiefer Taschenbücher für die Vaterlandsgeschichte Kern und Uebersicht -- II. Tyrolers Lieder von Tyrol -- III. Urkunden Badendergischer Herzoginnen -- IV. Kaiser Mar und die Venediger Botschaft auf Weyherburg -- V. Ungarns Wappen -- VI. Der junge Karl von Burgund, Hispaniens Erbe, nachmals als Kaiser V. als Kampfrichter bei den Wiener Schotten -- VII. Aus dem Leben der Herzoginn Sabina von Würtemberg -- VIII. Friedrich von Stubenberg. 1292 -- IX. Kurtzer Bericht deß traurigen und läydigen Unfalls, so sich im Königreich Döhem aus dem Schloß zu Entschin, den 1 Februarij, Newen Calenders, dieses 1620 Jahrs begeben -- X Flußschissahrt -- XI. Der Bauernkrieg im österreichischen Gebirg unter der Enns im Frühjahr 1597 -- XII. Erhellung der Traurigen Klag etlicher viller weder In N: Wellichen in grosser onzalt an der Statt Kaw Arbeit unnd in dem kharren schieben ihres ferdigen wollebens unnd glieklhtichen Jartz unnd dargegen Jahres unuerhoften laydigen Buftands in diesen 1623 Jars -- XIII. Ain Lidt von ainem Abtrinigen Enklossenen Glübdtbrüchigen Jesuiter patre Jacobo Reihing -- XIV. Der Friedel mit der teeren Tasche von Tyrol -- XV. Zwey satyrische Straszenanschläge gegen die Generale und Minister Carl» VI. und ihre Kegegnisse -- XVI. Eines der Projekte der von Kaiser Leopold dem I. zur Anerkennung des Preussischen Königstitels gesetzten Kedingungen -- XVII. Das St. Johannes - Hospital im Billerthal und der Heldenstamm der Freunbsberge -- XVIII. Beitbilder und Spottbilder -- XIX. Die deutschen Küstenlande und die Binnenstaaten. — Die Freiheit der Ströme. — Hellas und das Morgenland. — Die Auswanderung -- XX. Volkslieder aus Krain -- XXI. Balladen von Karl Wilhelm Vogt -- XXII. Sitten und Gebräuche, Lurns und Ferste, Krieg und Frieden, Handel und Gharaktterjuge der Väter -- XXIII. Lebensbilder -- XXIV. Urkunden - Direktorium

Im Licht des Mondes - B. Bonsor: Kleiner Walzer - B. Doemens: Lied ohne Worte - J.A.P. Schulz: Der Mond ist aufgegangen - G. Heyens: Russische Melodie - G. Heyens: Chinesische Melodie - Der Kuckuck und der Esel - Bald werde ich am Neckar grasen - H. Regner: Nachdenklich - H. Regner: Kleiner Tanz - B. Doemens: Folgend - Alter Tanz - Jetzt wollen wir singen - J. Pachelbel: Gavotte - U. Maiwald: Zuerst allein, dann zusammen - H. Regner: Tanz der jungen Bären - H. Regner: Auf der Schaukel - A. Diabelli: Melodische Übung - F. Schubert: Wiegenlied - U. Maiwald: Wie ein Ländler - F.W. Zachau: Aus der Höhe des Himmels - Zwei Sterne stehen am hohen Himmel - M. Praetorius: Gavotte - Im März der Bauer - J.G. Böhm: Rigaudon - Niemand weiss - Michael rudere das Boot ans Ufer - C. Orff: Melodie - M. Seiber: Tango - J. Hotteterre: Cotillon - R. Brown: Von ehrlichem Malz - Gavotte - Unten in den Niederungen - E. Proebst: Sehr schnell - L.-C. Daquin: Dudelsack - W.A. Mozart: Andante grazioso - Kontradanz - Jig - Auld lang syne - Quodlibet - R. Schumann: Soldatenmarsch - L. Mozart: Bourlesque - E. Proebst: Lebhaft und rhythmisch - Russisches Volkslied - V. Rathgeber: Ritornello - R. Johnson: Alman - J.S. Bach: Ich will dir einen Valet geben - J. Haydn: Deutscher Tanz - G.F. Handel: Arie - H. Purcell: Rondeau - Drei Sätze aus einer Barocksuite - Die fröhlichen, fröhlichen Milchmädchen - Giga - W.A. Mozart: Andante - G.P. Telemann: Très viste - Kosakenlied - W.A. Mozart: Menuett - G. Farnaby: Fayne würde ich heiraten - G.P. Telemann: Arie 5 aus Partita IV - C. Daquin: Der Kuckuck - G.P. Telemann: Arie 4 aus Partita III - W.A. Mozart: Allegro - Air - Allemande - R. Schumann: Wilder Reiter.

Liederbuch mit 33 bekannte Themen aus der Klassischen Musik - Band 1 - notiert für die Mandoline. Die Lieder sind teilweise mehrstimmig (für eine/n SpielerInn) gesetzt und in Tabulatur und klassischer Notenschrift notiert. Die vertonten Lieder sind in einem Soundplayer mit regelbarer Abspielgeschwindigkeit online verfügbar. Videos erklären das Notenlesen, Webadresse und Zugangsdaten im Buch. Für leicht fortgeschrittene und fortgeschrittene SpielerInnen! Lieder Liste / Song list: Abendsegen - E. Humperdinck / Andante aus "Sinfonie mit dem Paukenschlag" - J. Haydn / Aus der neuen Welt - A. Dvorak / Ave Maria - J. S. Bach, Ch. Gounod / Bolero - M. Ravel / Can Can - J. Offenbach / Choralfantasie - L. v. Beethoven / Das Schlaraffenland - R. Schumann / Der Herbst - A. Vivaldi / Deutscher Tanz - F. Schubert / Die Schlittschuhläufer - E. Waldteufel / Eine kleine Nachtmusik - W. A. Mozart / Flieg, Gedanke - G. Verdi / Gaudeamus igitur / Ich liebe dich - L. v. Beethoven / Klagelied einer Puppe - C. Franck / Menuett - L. v. Beethoven / Neapolitanisches Lied - P. I. Tschaikowsky / O Haupt voll Blut und Wunden - J. S. Bach / Pomp and Circumstance - E. Elgar / Rondo alla turca - W. A. Mozart / Russisches Volkslied - L. v. Beethoven / Serenade - E. Toselli / Sheherazade - N. Rimsky-Korsakov / Sportpalast Walzer - S. Translateur / Thema aus der 1. Sinfonie - J. Brahms / Thema aus der Sinfonie Nr. 40 - W. A. Mozart / Thema aus der 6. Sinfonie - L. v. Beethoven / Thema aus Wilhelm Tell - G. Rossini / Triumphmarsch - G. Verdi / Ungarischer Tanz Nr. 6 - J. Brahms / Walzer - J. Brahms / Wiener Blut - J. Strauß Sohn

Balladen sind Gedichte, die dramatische Geschichten erzählen. Sie kümmern sich nicht um festgelegte Gattungsgrenzen oder Kunstformen, denn sie bringen das Kunststück fertig, Lyrik, Prosa und Drama auf spannende und unterhaltsame Weise miteinander zu verbinden. Ob im Bänkelsang, im Volkslied, im kabarettistischen Chanson und sogar im Schlager- oder Popsong - überall begegnet man ihr, der Ballade; eingeschlossen natürlich in Liederheften und auch Gedichtbänden fast aller namhaften Autoren der deutschen Sprache. Sie thematisiert verschiedenartige Erlebensweisen und -konstellationen eines Menschen; spiegelt persönliche Daseinserfahrungen, bildet soziale Beziehungen ab oder stellt das individuelle Verhältnis zur Naturwelt dar. Dabei neigt sie zum aufregend Sensationellen, stellt menschliches Fehlverhalten bloß, deckt soziale und politische Missstände auf und beklagt sie. Die Dichtung erinnert an Unglücksfälle sowie an Freudentage, legt niedere Denkweisen offen oder feiert vornehme Ideale, sie erweckt sowohl Mitgefühl mit scheiternden Helden als auch mit herzzerreißend Liebenden. Wahrlich bietet die Gattung ein gigantisches Spektrum allseitig der gesamten menschlichen Existenz und betreibt eine hohe Kunst der Affekterregung. Balladen sind um Popularität bemüht, sie suchen den Kontakt zum Leser und Zuhörer und bedienen sich zu diesem Zwecke aller erfolgsversprechenden Mittel. Ihre Berühmtheit hat sich durch die Hinwendung zu den jeweils aktuellen, populären literarischen Formen im Verlauf ihrer Geschichte immer wieder selbst erneuert und lebendig gehalten. Prägnant ausgedrückt: Sie überschreitet Grenzen und fasziniert durch ihre Vielseitigkeit und Wandlungsfähigkeit. Der hohe Status der Ballade in der Literaturvermittlung ist nach wie vor ungebrochen. Die große Wertschätzung dieser Gattung äußert sich besonders in zahlreichen wissenschaftlichen Buch- und Zeitschriftenpublikationen, in Sammelbänden moderner Gedichte und Anthologien, zudem -am deutlichsten vernehmbar- im Schaffen von Künstlern der Gegenwart. An dieser Stelle sei es müßig weitere Beweggründe für den Forschungsgegenstand dieser Arbeit zu nennen. Die Ballade ist literaturwissenschaftlich sowie -didaktisch im Schwange und hoch geschätzt. Die vorliegende Untersuchung soll das unverhohlene Interesse und die Faszination um die Ballade widerspiegeln.