weiblicher akt skulptur

In endlosen Oden an den weiblichen Körper ermalte sich Amedeo Modigliani (1884-1920) mit langgestreckten Körpern und Mandelaugen seinen Platz in der Kunstgeschichte. Seine aparten Frauenbildnisse, sinnlich und mit Schwanenhals, sind unverkennbar. Diese einzigartigen Figuren entsprangen dem persönlichen Schönheitsideal des Malers, der sich dabei jedoch von zahlreichen visuellen Quellen inspirieren ließ, darunter dem zeitgenössischen Kubismus, afrikanischen Holzschnitzereien, kambodschanischen Skulpturen und der italienischen Malerei des 13. Jahrhunderts . Obwohl vor allem für seine weiblichen Akte bekannt, wandte Modigliani denselben Stil auch auf Porträts männlicher Künstlerkollegen wie Pablo Picasso , Jean Cocteau und Chaïm Soutine an. Dieses Buch stellt einige der wichtigsten Werke Modiglianis vor und zeichnet seine kurze aber steile Karriere im Herzen der Avantgarde in Paris nach.

In endlosen Oden an den weiblichen Körper ermalte sich Amedeo Modigliani (1884-1920) mit langgestreckten Körpern und Mandelaugen seinen Platz in der Kunstgeschichte. Seine aparten Frauenbildnisse, sinnlich und mit Schwanenhals, sind unverkennbar. Diese einzigartigen Figuren entsprangen dem persönlichen Schönheitsideal des Malers, der sich dabei jedoch von zahlreichen visuellen Quellen inspirieren ließ, darunter dem zeitgenössischen Kubismus, afrikanischen Holzschnitzereien, kambodschanischen Skulpturen und der italienischen Malerei des 13. Jahrhunderts. Obwohl vor allem für seine weiblichen Akte bekannt, wandte Modigliani denselben Stil auch auf Porträts männlicher Künstlerkollegen wie Pablo Picasso, Jean Cocteau und Chaïm Soutine an. Dieses Buch stellt einige der wichtigsten Werke Modiglianis vor und zeichnet seine kurze aber steile Karriere im Herzen der Avantgarde in Paris nach.

In endlosen Oden an den weiblichen Körper ermalte sich Amedeo Modigliani (1884-1920) mit langgestreckten Körpern und Mandelaugen seinen Platz in der Kunstgeschichte. Seine aparten Frauenbildnisse, sinnlich und mit Schwanenhals, sind unverkennbar. Diese einzigartigen Figuren entsprangen dem persönlichen Schönheitsideal des Malers, der sich dabei jedoch von zahlreichen visuellen Quellen inspirieren ließ, darunter dem zeitgenössischen Kubismus, afrikanischen Holzschnitzereien, kambodschanischen Skulpturen und der italienischen Malerei des 13. Jahrhunderts . Obwohl vor allem für seine weiblichen Akte bekannt, wandte Modigliani denselben Stil auch auf Porträts männlicher Künstlerkollegen wie Pablo Picasso , Jean Cocteau und Chaïm Soutine an. Dieses Buch stellt einige der wichtigsten Werke Modiglianis vor und zeichnet seine kurze aber steile Karriere im Herzen der Avantgarde in Paris nach.

Hundert Jahre nach Amedeo Modiglianis (1884-1920) Tod ist es an der Zeit, den kontroversen Maler in der Kunstgeschichte der Moderne erneut zu untersuchen. Anhand einer ausgewählten Gruppe herausragender Werke feiert diese neue Studie das Oeuvre des Künstlers und gewährt tiefe Einblicke in seine Technik. Die fokussierte Analyse, die sich auf Modiglianis Entwicklung als Bildhauer und Maler konzentriert, umfasst charakteristische Beispiele aus seinen Hauptgenres - insbesondere Porträts und weibliche Akte. Es wird argumentiert, dass Modigliani der letzte große italienische Altmeister war, da er sich zwischen Renaissance und Moderne frei bewegte. Als Außenseiter unter seinen Zeitgenossen erforschte er mit seinen einzigartigen Skulpturen und Gemälden das Wesen der Schönheit aus einer melancholischen Perspektive. (Text dt., engl.)

Lalique Bacchantes Bronze Pm Small Höhe 14,6 cm Durchmesser 12,3 cm Im Jahr 1927 führen die grenzenlose Phantasie und das kreative Genie von René LALIQUE zur Schaffung der Vase Baccanti. Als wunderschöne ungewöhnliche und gruselige Sinnlichkeit bietet die junge Priesterin von Bacchus ihre Schönheit und Kurven. Heute wird diese majestätische Ode an die Weiblichkeit in der kleinen Vase neu interpretiert, diese Runde von Skulpturen-Akten ist ein emblematischer Stil von Lalique. I Der satinierte Kristall erinnert an die Glätte der Hautstruktur, während das Lichtspiel Leben und Bewegung am Stück atmet, das von der Hand des Künstlers geformt wird. Maße: H 5,75 x D 4,84 cm, Gewicht: 3,11 lbs (1,41 kg) Handcrafted in Frankreich

Diese Plastik des großen Bildhauers Aristide Maillol konzentriert sich auf den weiblichen Akt mit seinen gerundeten und dezent ausgearbeiteten Formen. Die Arbeit bekommt durch die nur leicht betonten vordergründigen Details und die eher zurückgenommenen individuellen Merkmale eine stille Erhabenheit und strahlt ebenmäßige Harmonie aus. Die angewinkelten Beine und die verschränkten Arme betonen die Proportionen der Figur, verbergen aber dezent das nach unten gerichtete Gesicht. Die beeindruckende Bronze wurde im klassischen Wachssausschmelzverfahren hergestellt. HINWEIS: Aufgrund der Handanfertigung kann es zu Schwankungen beim Gewicht und der Farbgebung kommen, was keinen Mangel, sondern ein Kennzeichen für das Unikat darstellt. Aristide Maillol (1861-1944) war ein französischer Bildhauer, Maler und Grafiker. Er galt in Frankreich als der wichtigste Antipode von Auguste Rodin und beeinflusste die europäische Plastik in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts nachhaltig und gilt als einer der großen Wegbereiter der modernen Skulptur.

Der französische Bildhauer Aristide Maillol (1861–1944) wird gelegentlich als «Cézanne der Bildhauerei» bezeichnet, weil er der Plastik – so wie Paul Cézanne der Malerei – den Weg zur Abstraktion ebnete. Maillol begann seine Karriere als Maler und schuf ein höchst attraktives Werk, das ausserhalb Frankreichs nur unzureichend bekannt ist. Dieses Buch, das anlässlich einer umfassenden Maillol-Ausstellung im Kunsthaus Zürich erscheint, stellt die Frage, worauf jener männliche Blick auf die Frau gründet, für den Maillol steht, und wie wir ihn heute vor dem Hintergrund aktueller Genderdebatten wahrnehmen. Ein aussergewöhnlicher Fotoessay von Franca Candrian konfrontiert Maillols Skulptur Vénus au collier mit Werken von Künstlerinnen der Moderne und der Gegenwart aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich. Die feministische Kunsthistorikerin und Kuratorin Catherine McCormack setzt sich in ihrem Essay mit der Präsenz dieser Kunst – die mehrheitlich weibliche Akte beinhaltet – in heutigen Museen auseinander. Ergänzt um eine Einleitung von Philippe Büttner, Sammlungskurator des Kunsthaus Zürich, wirft der Band so einen neuen, einen anderen Blick auf Aristide Maillol und sein Schaffen.

Der französische Bildhauer Aristide Maillol (1861–1944) wird gelegentlich als «Cézanne der Bildhauerei» bezeichnet, weil er der Plastik – so wie Paul Cézanne der Malerei – den Weg zur Abstraktion ebnete. Maillol begann seine Karriere als Maler und schuf ein höchst attraktives Werk, das ausserhalb Frankreichs nur unzureichend bekannt ist. Dieses Buch, das anlässlich einer umfassenden Maillol-Ausstellung im Kunsthaus Zürich erscheint, stellt die Frage, worauf jener männliche Blick auf die Frau gründet, für den Maillol steht, und wie wir ihn heute vor dem Hintergrund aktueller Genderdebatten wahrnehmen. Ein aussergewöhnlicher Fotoessay von Franca Candrian konfrontiert Maillols Skulptur Vénus au collier mit Werken von Künstlerinnen der Moderne und der Gegenwart aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich. Die feministische Kunsthistorikerin und Kuratorin Catherine McCormack setzt sich in ihrem Essay mit der Präsenz dieser Kunst – die mehrheitlich weibliche Akte beinhaltet – in heutigen Museen auseinander. Ergänzt um eine Einleitung von Philippe Büttner, Sammlungskurator des Kunsthaus Zürich, wirft der Band so einen neuen, einen anderen Blick auf Aristide Maillol und sein Schaffen.

„Mein Körper ist ein Schlachtfeld“ bietet einen umfassenden Einblick in das Werk der ukrainischen Künstlerin Maria Kulikovska, die 1988 in der Krim geboren wurde. In ihren frühen Arbeiten thematisiert sie patriarchale Strukturen und das Fehlen weiblicher Subjektivität in der ukrainischen Kunst. Mit der Annexion der Krim und dem darauf folgenden Krieg werden Fragen von Identität und Zugehörigkeit sowie Themen wie Grenzen und Gewalt zu einem Leitmotiv ihrer künstlerischen Praxis. Kulikovskas Skulpturen – Abgüsse aus ungewöhnlichen Materialien wie ballistischem Seife, Fett und Epoxidharz – sind exakte Kopien ihres Körpers oder einzelner Körperteile. Sie unterliegen Prozessen des Alterns und Verfalls, werden modifiziert, transformiert und dekonstruiert. In ihrer Serie von Aquarellen und Zeichnungen – beispielsweise auf medizinischen Berichten und offiziellen Formularen – gestaltet sie Körper, die sowohl die Markierungen und Grenzen des Papiers als auch die dort formulierten bürokratischen Einschränkungen und Geschlechterfixierungen herausfordern. Ihre Keramiken – Abgüsse von abgetrennten Gliedmassen und Nachbildungen von Körperflüssigkeiten – drücken ihren Zorn und ihre Verzweiflung angesichts der Brutalität und Schrecken des Krieges aus. Kulikovska präsentiert ihren Körper als einen Ort widersprüchlicher Emotionen und traumatischer Erinnerungen sowie als ein umkämpftes Feld ideologischer Zuschreibungen und kriegerischer Aggression. Ihre Werke sind Akte der Selbstbehauptung und Rebellion gegen Geschlechter- und Sexualnormen sowie Formen gewaltsamer Unterwerfung. Das illustrierte Buch – die erste Monografie der Künstlerin in deutscher Sprache – wurde anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Francisco Carolinum in Linz veröffentlicht, die die erste Soloausstellung der Künstlerin im deutschsprachigen Raum markiert.

Auf der Höhe seiner Schaffenskraft mit 35 Jahren malte Jan Vermeer (1632-1675) sein Hauptwerk. Als eines der wenigen Werke des 17. Jahrhunderts ist der Originaltitel überliefert: Die Malkunst (De Schilderconst). Als Allegorie und somit dem Historienbild zugeordnet, zählt das Gemälde zu der höchsten Kunstgattung. Vorhangartig wird ein schwerer Teppich zur Seite gezogen und gibt den Blick auf ein vornehm ausgestattetes Maleratelier frei. Die Perspektivkonstruktion zieht den Betrachter magisch in den Bildraum. In Rückansicht gezeigt und vornehm gekleidet ist der Maler auf dem Bild damit beschäftigt, den Lorbeer der weiblichen Figur farblich auszumalen. Um mit ruhiger Hand arbeiten zu können, stützt er seine Rechte auf einen Malstock. Mit Buch und Trompete ausgestattet posiert das Modell als Muse der Geschichte. Sie verkündet den Triumph der Malerei, eingeschrieben in das Buch der Geschichte wird ihr Ruhm verewigt. Der Marmorboden, Messingkronleuchter und die Landkarte mit den 17 Provinzen der Niederlande des Amsterdamer Kartografen Claes Jansz. Vischer aus dem Jahr 1636 als Wandschmuck sind untypisch für ein Maleratelier. Im Bildkontext heben diese Attribute den Akt der Malerei auf eine höhere Ebene. Zur Veredelung des Malvorgangs sorgt außerdem, dass der Künstler auf die Darstellung der handwerklichen Aspekte der Profession verzichtete. Tiegel, Pinsel, Lappen, Zirkel oder ein Farbenreibstein werden nicht gezeigt. Die besondere Lichtstimmung trägt zum Realismus der Szene bei und wird gleichzeitig zum heimlichen Hauptmotiv des Bildes. Im Streit der Bildkünste um die Vorreiterrolle zeigt Vermeer, worin die Malkunst der Bildhauerei überlegen ist. Mag die Skulptur den Vorteil der Vielansichtigkeit besitzen so verfügt der Maler über die erhabene Darstellung des Lichts. Original: Kunsthistorisches Museum, Wien. Dieser Dietz-Giclée-Druck aus dem »Tempel des Kunstdrucks« hat die Aura des Originals: Das digitale Bild diente als »Rohling«, welcher durch jahrzehntelange handwerkliche und künstlerische Erfahrung und Arbeit eine im Siebdruck veredelte Oberfläche erhielt. Die Einbeziehung moderner Technik ermöglicht es, hochwertige Gemälde-Reproduktionen zu relativ günstigen Preisen anzubieten.