komponisten biographien

„Eine seltsame Erscheinung: eine breitgedrungene Gestalt, schwarz gekleidet, einen großen Schlapphut auf dem Kopf, die Beine in wunderlichen, weiten Hosen“ Streng katholisch und geplagt von Neurosen, galt Anton Bruckner ein Leben lang als bäuerlich ungeschliffener Sonderling. Ernst Decsey beleuchtet Bruckners Musik als Ergebnis seiner inneren Haltung. Er begleitet Bruckners Leben von seiner Kindheit über die Jahre als Lehrer und Organist, seine Anfänge als Komponist, die schwierigen Jahre in Wien bis zum späten Erfolg. Die lebhafte Schilderung von Bruckners Wesen vor dem Zeitgeschehen des 19. Jahrhunderts begleitet eine ausführliche Analyse einzelner seiner Werke – der Kirchenmusik, der Sinfonien – und bringt dem Leser mit passenden Notenbeispielen die Brucknersche Klangsprache nahe. Ernst Decsey, geboren 1870, war als Musikkritiker bei verschiedenen österreichischen Zeitungen tätig. Er war außerdem freier Schriftsteller und Lehrer für Musikgeschichte und Ästhetik. Bekanntheit erlangte er vor allem durch seine Musiker-Biographien. Decsey starb 1941 in Wien. Neben dem vorliegenden Band ist auch seine Arbeit über Hugo Wolf im SEVERUS-Verlag erschienen (ISBN 978-3-86347-161-3).

Der Sammelband fasst im Wesentlichen die heimatkundlichen Aufsätze Werner Stöckels zusammen, die zumeist im Geisingboten erschienen sind. Sie sollen damit allgemein zugänglich gemacht und erstmals gebündelt vorgestellt werden. Im zweiten Band beschreibt der Autor zunächst die Geisinger Postgeschichte und Hintergründe der historischen und wiedererrichteten Distanzsäule. Es folgt eine umfangreiche Darstellung des Geisinger Vereinslebens (Wintersport, Schützen, Feuerwehr, Gesangsverein, Jugendherberge) sowie des religiösen Lebens, der Bräuche und Feste (kirchliche Beziehungen Geising-Zinnwald, Weihnachten und Jahreswechsel, Fasching). Eine eigene Abteilung beschäftigt sich schließlich mit den Themen Natur und Umwelt (bspw. Ziesel, Birkhuhn, Hochwasser). Im abschließenden Teil stellt Werner Stöckel herausragende Persönlichkeiten aus Geising vor, so die Thomaskantoren Johann Schelle und Johann Kuhnau, den Komponisten Nino Neidhardt, den Maler Heribert Fischer-Geising und den Bildhauer Siegfried Urbank, den Chemiker Johann Scheder (Scheider), den Meteorologen Rudolf Falb sowie die Heimatforscher Oswald Voigt und Karl Tröger. Der Band enthält zudem eine ausführlichere Biographie und Bibliographie Werner Stöckels und wird durch ein Verzeichnis der Brandkatasternummern, ein Ortsregister und ein Personenregister erschlossen. Die Bände mit ihren 69 Aufsätzen geben in ihrer Zusammenschau ein abgerundetes Bild von der Stadt im Osterzgebirge und sind ein wertvoller Beitrag zur geschichtlichen Identität Geisings.

Mit der Lustigen Witwe schuf Franz Lehár eine neue Form der Operette, deren stilistische Bandbreite vom Gassenhauer bis zum Musikdrama reichte. In der vorliegenden Biographie zeichnet Stefan Frey Lehárs Lebensweg von der Blütezeit der K.u.K.-Monarchie bis ins Dritten Reich nach, wo er als Hitlers Lieblingskomponist mit seiner jüdischen Frau zwischen alle Fronten geriet.Als prägende Figur der Operette des 20. Jahrhunderts steht Franz Lehár ein ähnlicher Rang zu wie Jacques Offenbach oder Johann Strauß. Doch anders als seine Vorgänger ist der am meisten aufgeführte Operettenkomponist seiner Zeit noch immer umstritten, gilt doch ausgerechnet seine Lustige Witwe als Sündenfall des Genres. Dieses Werk hat 1905 Lehárs steile Komponistenkarriere begründet und eine internationale Operettenkonjunktur von bisher unbekanntem Ausmaß ausgelöst. Die Wiener Operette beherrschte fortan die Bühnen der Welt, ehe der Erste Weltkrieg dem ein jähes Ende setzte.Nach Krieg und Inflation erlebte der Komponist erst in den späten zwanziger Jahren zusammen mit dem Tenor Richard Tauber eine Renaissance. Gegen Zeitgeist und Jazz konnte er seinen Thron als Operettenkönig behaupten. Lehárs lebenslanger Zwiespalt zwischen U- und E-Musik prägte nicht nur sein Werk. Zwiespältig verlief auch seine bewegte Lebensgeschichte, die im vorliegenden Buch erzählt wird.

Karl Storcks "Mozart - Sein Leben und Schaffen" entfaltet die Biographie Wolfgang Amadé Mozarts als enges Wechselspiel von Lebensweg, Werkentwicklung und geistigem Umfeld des späten 18. Jahrhunderts. In klarer, zugleich bildungsgesättigter Prosa verfolgt das Buch den Weg vom Salzburger Wunderkind über die europäischen Reisen bis zu den Wiener Meisterjahren. Storck verbindet erzählende Darstellung mit musikhistorischer Einordnung und lässt Opern, Sinfonien, Kammermusik und Kirchenwerke als Zeugnisse einer außergewöhnlichen künstlerischen Reife erscheinen. Karl Storck, als Musikschriftsteller und Kulturvermittler mit der deutschen Musikgeschichtsschreibung seiner Zeit vertraut, nähert sich Mozart nicht bloß anekdotisch, sondern aus dem Bedürfnis, schöpferische Individualität historisch verständlich zu machen. Seine Darstellung verrät Kenntnis der musikalischen Formen, der sozialen Bedingungen höfischer und bürgerlicher Musikpflege sowie der Nachwirkung, die Mozart im 19. Jahrhundert für das europäische Kunstverständnis gewann. Dieses Buch empfiehlt sich Lesern, die eine gelehrte, dennoch zugängliche Einführung in Mozarts Leben und Werk suchen. Es bietet keine trockene Faktensammlung, sondern ein konzentriertes Porträt des Komponisten als Mensch, Künstler und Epochenfigur. Wer Mozarts Musik bewusster hören und ihren biographischen Resonanzraum verstehen möchte, findet hier einen zuverlässigen und anregenden Begleiter.

Die Elixiere des Teufels und Lebensansichten des Katers Murr zeigen Hoffmanns Romantik in zwei komplementären Extremen: den dämonischen Schauerroman und die satirische Künstlerbiographie. Im Medardus-Roman entfaltet sich eine labyrinthische Geschichte von Versuchung, Doppelgängertum und Schuld, deren erzählerische Unsicherheit die Grenzen von Wahn und Offenbarung verwischt. Der Kater Murr parodiert dagegen bürgerliche Bildung, Autorschaft und Geniekult; durch die versehentlich eingestreuten Makulaturblätter mit Kreislers Biographie entsteht eine kühn fragmentarische Montage, zentral für die europäische Frühromantik. E. T. A. Hoffmann, Jurist, Komponist, Zeichner und preußischer Beamter, schrieb aus einer einzigartigen Spannung zwischen Amtswirklichkeit und künstlerischer Imagination. Seine Erfahrungen mit Bürokratie, Musiktheater, urbaner Geselligkeit und psychischen Grenzzuständen nähren beide Werke: die Angst vor innerer Spaltung ebenso wie die ironische Beobachtung der literarischen Öffentlichkeit. In Kapellmeister Kreisler, Hoffmanns alter ego, verdichten sich musikalische Sensibilität, gesellschaftliche Fremdheit und romantische Sehnsucht. Diese Ausgabe empfiehlt sich Leserinnen und Lesern, die nicht bloß Handlung, sondern die poetische Konstruktion des Unheimlichen verstehen wollen. Sie bietet zwei Hauptwerke, in denen Hoffmann moderne Fragen nach Identität, Medium, Autorschaft und Wahnsinn vorwegnimmt. Wer bereit ist, Brüchen, Spiegelungen und gelehrtem Humor zu folgen, begegnet hier einem der originellsten Erzähler deutscher Sprache.

„Der Wille zum Glück“ bestimmte den Lebensweg und das Schaffen des großen russischen Komponisten Peter I. Tschaikowsky, auch wenn er mit diesem Motto nicht immer ans Ziel zu gelangen vermochte. Der Titel der Hörbiografie von Jörg Handstein greift jenes Lebensmotto auf und füllt es mit der ergreifenden Lebens- und Überlebensgeschichte Tschaikowskys – und natürlich mit seiner beeindruckenden Musik. Neun Tage nach der Uraufführung seiner sechsten Symphonie am 16. Oktober 1893 war Tschaikowsky tot. Der unerhörte Schluss des Werks, dessen Melodie mit schweren Seufzern tiefer und tiefer sinkt, bis sie im Dunkel eines nachtschwarzen Akkordes erlischt, machte – zusammen mit dem überraschenden Tod ihres Schöpfers – die sogenannte „Pathétique“ sogleich zu einem der berühmtesten Orchesterwerke überhaupt, zum Teil eines Mythos, der Leben und Werk gleichsetzte. Dazu passt die romanhafte, von der Forschung längst widerlegte Geschichte, seine Homosexualität habe ihn in den Selbstmord getrieben. Während jener Mythos Tschaikowsky einen Weg in die Massenkultur bahnte, sogar Romane und Filme inspirierte, ignorierte ihn die deutsche Musikwissenschaft gnadenlos: seine an Melodik und Gefühlsausdruck orientierte Ästhetik machte ihn ihr verdächtig. In der Hörbiografie spielt neben dem Lebensweg des berühmten Komponisten vor allem seine Musik eine Hauptrolle. In neun Kapiteln auf 3 der insgesamt 4 CDs ist das Leben Tschaikowskys bildhaft mitzuerleben, sind seine bekanntesten und bedeutendsten Kompositionen zu hören, die mit der überaus spannenden Biographie eng verwoben sind. Neben wesentlichen Meisterwerken aus allen seinen Schöpfungsperioden erklingt auf der vierten CD die „Pathétique“ in einer Gesamteinspielung dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter Leitung von Mariss Jansons (Live-Aufnahme von Juni 2013) sowie die erste Einspielung auf CD des a capella Liedes „Die Nachtigall“ mit Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons (Live-Aufnahme von Januar 2016). Für umfassenden Hörgenuss sorgen Schauspieler wie Udo Wachtveitl (Erzähler) und Stefan Wilkening (Tschaikowsky) sowie zahlreiche renommierte Musiker. – Ein spannendes, musikreiches Portrait Tschaikowskys und seiner Zeit – lebendig erzählt und inspiriert musiziert.

Wie wohl keine andere Straße in München hat die Ainmillerstraße mit ihrer mehr als einhundertjährigen Geschichte das historische Geschehen der bayerischen Metropole und weit darüber hinaus das politische wie kulturelle Leben in Deutschland so entscheidend geprägt. Ihre über 250 prominenten Anwohner gehörten den verschiedensten Berufen und Ständen an. So lebten in dieser Straße Schriftsteller, bildende Künstler, Komponisten, Sänger, Schauspieler, Geistes- und Naturwissenschaftler sowie hohe Offiziere. Allein nach 28 von ihnen - darunter Wassily Kandinsky und Paul Klee, Thomas Mann und Rainer Maria Rilke sowie die Gräfin Franziska von Reventlow - sind in München Straßen und Plätze benannt. Die Biographien dieser Persönlichkeiten werden auf über 500 Seiten anschaulich dargestellt. Hinzu kommen ein Literatur- und Quellenverzeichnis sowie ein Personenregister. Außerdem illustrieren 18 ganzseitige Abbildungen mit historischen Fassaden, mit Ateliers der Künstler, mit Autographen und Zeichnungen, mit Gemälden und Plastiken das Leben in den 42 auch baugeschichtlich erfassten Wohnhäusern dieser berühmten Straße in München-Schwabing. Dieses Buch zur Stadtgeschichte Münchens erscheint jetzt in 2. durchgesehener Auflage.

Studienarbeit aus dem Jahr 2003 im Fachbereich Theaterwissenschaft, Tanz, Ludwig-Maximilians-Universität München (Institut für Theaterwissenschaft München), Veranstaltung: Symposium über Hans Pfitzner Bochum 2003, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Autorin legte mit ihrer Dissertation "Hans Pfitzner im Nationalsozialismus" die bisher umfassendste und aktuellste Untersuchung zu diesem zeitgeschichtlich-theaterwissenschaftlichen Thema vor. In diesem Beitrag finden sich einige ihrer wichtigsten Thesen zu der Thematik als Extrakt im Rahmen eines Fachreferats.Hans Pfitzner (1869-1949) geriet als Komponist wegen seiner Zeitgenossenschaft mit dem Dritten Reich, seinen antisemitischen Schriften und seiner schwierigen, stets den Fehdehandschuh werfenden Persönlichkeit nach dem zweiten Weltkrieg zunehmend in Vergessenheit. Seine Musik, die zweifellos ihre Qualitäten hat, wurde so immer mehr an den Rand des Repertoires gedrängt. Höchste Zeit für eine klare, unvoreingenommene und quellenkritische Untersuchung zur Person, Biographie und politischen Orientierung der schwierigen Komponistenpersönlichkeit Hans Pfitzners, der zu Lebzeiten stets als zeitgleicher Antipode Richard Strauss`, ja oft sogar als wahrer geistiger Erbe Richard Wagners genannt wurde.

„Wie wunderbar sind deine Werke“ – Eine Liebeserklärung an die Musik des Thomaskantors Bach Johann Sebastian Bachs 300 Jahre alte Kirchenmusik begeistert heute Musikfreunde auf der ganzen Welt. Der bekannte Bachforscher Michael Maul, Intendant des Leipziger Bachfestes, bietet mit seinem neuen Buch eine fundierte und zugleich gut verständliche 'Gebrauchsanweisung' für die Musik des berühmten Leipziger Thomaskantors. Er staunt anschaulich über atemberaubende Momente in Bachs Kantaten, Passionen oder der h-Moll-Messe, und er lässt in seinen sehr persönlichen Monologen mit Bach den Entstehungskontext der Werke und die oft verblüffenden Zusammenhänge zwischen Text und Musik - und manchmal auch Biographie - lebendig werden. Zugleich deckt Maul auf, warum Bach alsbald an seiner "wunderlichen Obrigkeit" verzweifelte, er die zunächst unbändige Lust auf das Komponieren von Kirchenmusik nach fünf Jahren im Thomaskantorat fast gänzlich verlor und sich mehr und mehr in eine innere Emigration zurückzog. Kurz: Mauls neues Buch ist eine ebenso glühende wie berührende Liebeserklärung an seinen Komponisten-Gott. Sie verfolgt vor allem ein Ziel: bei den Leserinnen und Lesern Lust zu wecken, sich Bachs Werke anzuhören. Zahlreiche Abbildungen und eine bei Spotify abrufbare Playlist ergänzen den Band und machen ihn zu einem Geschenkbuch für alle Musikliebhaber.

Griechische Kunstmusik fehlt meist in Lehrbüchern der westlichen Musikgeschichte, vor allem weil sie bis vor kurzem nicht eingehend behandelt wurde. Dieses Buch bietet eine Einführung in die Musik des griechischen Komponisten Yannis A. Papaioannou (1910-1989) bis 1960 durch die detaillierte analytische Untersuchung seiner Musik für Klavier solo. Papaioannou ist eine imposante Figur der jüngeren griechischen Musikgeschichte durch sein kontinuierliches Umdenken in seiner Musik und seine pädagogischen und institutionellen Aktivitäten für die Verbreitung modernistischer Idiome im Griechenland nach 1950. In seinen Kernkapiteln wählt dieses Buch einen analytischen und diachronen Ansatz seiner Musik, wobei der Begriff des Organismus als roter Faden seiner stilistischen Veränderungen kritisch bewertet wird. Um das Verständnis dieser Veränderungen zu verfolgen, werden auch Fragen seiner Biographie und des griechischen musikalischen Kontextes untersucht. Da die dreißig Jahre von Papaioannous Karriere, die im vorliegenden Buch besprochen werden, viel von der Dynamik der griechischen Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts zum Ausdruck bringen, wird dieses Buch diejenigen interessieren, die Einblicke in eine meist vernachlässigte Musikkultur gewinnen wollen und in die Art und Weise, wie modernistische Ästhetik in 'periphere' kulturelle Kontexte transplantiert wurde.

Das Buch enthält die Biographien folgender Personen: Abs, Carl Bassewitz, Bernhard Friedrich Graf von Batt, Kurt Behrens, Carl Friedrich Blücher, Helmuth von Bölkow, Ludwig Both, Carl Wilhelm Ludwig Hartwig von Brahe, Tyge Ottensen (lat.) Tycho Brückner, Wilhelm Bürger, Kurt Crull, Friedrich Dammann, Carl Victor Dammann, Wilhelm Friedrich Elderhorst, Hartwig Johann Werner Friedrich von Fallois, Joseph Thomas von Fincke, Elise Friedrich Wilhelm Gentzen, Johann Friedrich Gustav Giese, Richard Gothe, Georg Gundlach, Heinz Hasse, Selli (Sella, Selly) Heinrich I. Hennig, Rudolph Herz, Alice Jeanette Holtz-Sommer, Hedwig Kolp, Otto Kraen, Johannes Krohn, Heinrich Kümmell, Gottfried Lange, L(o)uise Le Fort, Carl Peter von Le Fort, Gertrud von Lehsten, Ludolph von Michaelis, August Miethe, Katharine Ottilie Ella, genannt Käthe Moltke, Joachim Friedrich von Nettelbladt, Christian Carl von, Baron Oertzen, Adelheid von Oertzen, Gustav von Ortmann, Fri(e)da Reinicke, Adolf Friedrich Albert Riemann, Heinrich Sager, Günther Sala, Angelo Schemainda, Rudolf Schleker, Auguste Clara Christine Ottilie Schmidt, Franz Schulenburg, August Christian Friedrich, Graf von der Sperger, Johann(es) Mathias, als Komponist stets Giovanni Strecker, Ulrich Thierfelder, Hildegard Trojan, Johannes Wilhelm von Werle Witzleben, Clamor August Ferdinand von Woermann, Hedwig Zesterfleth, Johann Christian von Außerdem enthalten: Abkürzungen und Siglen Verzeichnis der Autorinnen und Autoren Gesamtregister für die Bände 1 bis 11

Studienarbeit aus dem Jahr 2003 im Fachbereich Theaterwissenschaft, Tanz, Note: 3.0, Ruhr-Universität Bochum (Theaterwissenschaftliches Institut), Veranstaltung: Klassiker des amerikanischen Musicals am Beispiel von "My fair lady", Sprache: Deutsch, Abstract: Das Musical, Kurzform der englischen musical comedy oder des musical play, ist eine eigenständige Gattung des Musiktheaters. Es schließen sich darin Musik, Handlung und Tanz unter Verwendung von Stilmitteln aus Oper, Operette, Revue und Show zu einer Einheit zusammen. Das klassische Musical orientiert sich häufig an Vorlagen der Weltliteratur. 1 So auch Leonard Bernsteins bekanntestes Musical der 50er Jahre: die West Side Story, welche auf dem literarischen Text von Shakespeares Romeo und Julia basiert. Schwerpunkt dieser Arbeit bildet die Analyse der Unterschiede und Gemeinsamkeiten im Sinne der Handlungsführung zwischen Shakespeares Romeo und Julia und der Adaptation West Side Story. Insbesondere gilt es zu untersuchen, inwieweit die literarische Vorlage auf das Libretto Einfluss nimmt und welche Bedeutungen die jeweiligen Transformationen für das Musical haben. Mit Hauptaugenmerk auf die West Side Story beginnt die Arbeit mit einer kurzen Biographie Leonard Bernsteins, dem Komponisten und Schaffer des Musicals. Darauf folgt eine Inhaltsangabe sowohl von Romeo und Julia, als auch der West Side Story die der leichteren Verständlichkeit der anschließenden Analyse dienen soll. Vor dem Hintergrund, dass weite Teile der Vorlage bei der Transformation in das Musical übernommen worden sind, wurden fünf markante Handlungsszenen ausgewählt, die die Adaptation verdeutlichen sollen. Schließlich gibt das Fazit rückblickend Einsicht in die Ergebnisse des Vergleichs und erläutert die prägnantesten Änderungen, die i n das moderne Werk übernommen wurden.

Henrik Ibsen: Gedichte Deutsch von Christian Morgenstern, Emma Klingenfeld und Max Bamberger. Textgrundlage: Sämtliche Werke. Volksausgabe in fünf Bänden. Herausgegeben von Julius Elias und Paul Schlenther. Einzige autorisierte deutsch Ausgabe. S. Fischer, Berlin 1907. Inhaltsverzeichnis Gesammelte Gedichte Spielleute König Håkons Festhalle Baupläne Feldblumen und Topfpflanzen Eine Vogelweise Auf Akershus Der Eidervogel Mit einer Wasserlilie Vogel und Vogelfänger Der Bergmann Mein junger Wein Lichtscheu Lied des Dichters Die Schlucht Hochlandsleben Sängerfahrt Ein Schwan Gepriesen sei das Weib! Zum 4. Juli 1859 Das Schulhaus Volkstrauer An die Thingmänner Gruß an die Schweden An die Überlebenden An Professor Schweigård Wiegenlied Fort! Die Sturmschwalbe Agnes Stammbuchreim Macht der Erinnerung Offener Brief An einen fortziehenden Künstler Örnulfs Drapa Friedrich des Siebenten Andenken Ein Bruder in Not Des Glaubens Grund Das Storthingsgebäude Terje Vigen Verwicklungen Aus meinem häuslichen Leben Eine Kirche In der Galerie Chor der Unsichtbaren Auf den Höhen Gebet der Frauen Dank Abraham Lincolns Ermordung An meinen Freund, den revolutionären Redner Ohne Namen Bei Port Said An Friedrich Hegel, Ballonbrief Reimbrief Zu einer Hochzeit Einem Komponisten ins Stammbuch Verbrannte Schiffe Sängergruß an Schweden Aus der Ferne Ein Reimbrief Zur Tausendjahrfeier Ein Vers Sterne im Lichtnebel Sie saßen, die beiden ... Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2016. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Nils Gude, Portrait von Henrik Ibsen in München, März 1891. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt.

Ein Arbeitsbuch für leidenschaftliche Musikhörer und Musikliebhaber ohne Notenkenntnisse. Es enthält die Früchte meiner Beethoven-Forschung aus fast 40 Jahren für das Ganzkörperlauschen, wie ich es nenne. Beliebte und berühmte, kleine und große Stücke des Komponisten sind hier aufgeführt. Nach einer kurzen Hinführung und Einstimmung folgt zu dem jeweiligen Musikstück eine handschriftliche Analyse, mit Zeitangaben zur verwendeten Aufnahme. Danach die Grafiken zur Melomorphose. Melomorphose ist die mit den Händen fühlbar und sichtbar gemachte feinstoffliche Gestalt einer Musik. Es ist ein unbeschreibliches Sein und Erleben, in den hochschwingenden Raum der Musik mit vollem Bewusstsein und sensibler Körperwahrnehmung einzutauchen. Das Buch eignet sich für jeden, der sich mit bestimmten Musikstücken von Beethoven beschäftigen und sie tiefer verstehen und erleben will. Es geht nur um die Musik, wie sie sich dem Hörenden mitteilt. Haben Sie Mut, sich auf diese Ganzkörpererfahrung mit der Musik einzulassen. Und zwar ganz bewusst mit dem sparsamen Einsatz nur der Hände, unter Verzicht auf tanzartige Bewegungen der Hüftgelenke und Beine. Sie stehen dabei, und alle Gelenke sind fließend beweglich, auch die Knie und die Hüften und die Füße. Doch Ihr bewusstes Wahrnehmen ist auf die Hände fokussiert. Wenn das neue Bewusstsein in der Menschheit tatsächlich erwachen sollte, könnte die Musik wieder eine neue, bedeutende Rolle auf der Erde spielen. Mittels der Melomorphosen ist ein unmittelbarer Zugang zur zeitlos und überdimensional existierenden Matrix der Musik geöffnet. Einmal verbunden, können völlig neue Informationen und Inspirationen heruntergeladen werden... Im Anhang gibt es eine übersichtliche Biographie und Werkeinführung zu Beethoven, ergänzt mit Tipps für gute Aufnahmen.

Denis Diderot: Rameaus Neffe In einem belebten Café plaudert der Neffe des bekannten Komponisten Rameau mit dem Erzähler über die unauflösliche Widersprüchlichkeit von Individuum und Gesellschaft, von Kunst und Moral. Der Text erschien zuerst 1805 in der deutschen Übersetzung von Goethe, das französische Original galt lange als verschollen, bis es 1891 - 130 Jahre nach seiner Entstehung - durch Zufall in einem Pariser Antiquariat entdeckt wurde. Entstanden: 1761, mehrmals überarbeitet bis 1774/75. Erstdruck: In deutscher Übersetzung nach einer von Diderot durchgesehenen Abschrift aus dem Besitz der russischen Zarin Katharina II. durch Johann Wolfgang von Goethe: Leipzig (Göschen) 1805. Erstdruck in französischer Sprache (als Rückübersetzung aus dem Deutschen) in: "Oeuvres", Bd. 21, Paris 1821. Erstdruck nach einer (anderen) von Diderot revidierten Abschrift: Paris 1823. Der Text folgt der Goetheschen Übersetzung von 1805 ohne die von Goethe hinzugefügten "Anmerkungen über Personen und Gegenstände, deren in dem Dialog "Rameaus Neffe" erwähnt wird". Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2015. Textgrundlage ist die Ausgabe: Goethe. Berliner Ausgabe. Herausgegeben vom Aufbau-Verlag / Siegfried Seidel: Poetische Werke [Bd. 1-16]; Kunsttheoretische Schriften und Übersetzungen [Bd. 17-22], Berlin: Aufbau, 1960 ff. Die Paginierung obiger Ausgabe wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Juan Gris, Mann im Café, 1914. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt.

Henrik Ibsen: Gedichte Deutsch von Christian Morgenstern, Emma Klingenfeld und Max Bamberger. Textgrundlage: Sämtliche Werke. Volksausgabe in fünf Bänden. Herausgegeben von Julius Elias und Paul Schlenther. Einzige autorisierte deutsch Ausgabe. S. Fischer, Berlin 1907. Inhaltsverzeichnis Gesammelte Gedichte Spielleute König Håkons Festhalle Baupläne Feldblumen und Topfpflanzen Eine Vogelweise Auf Akershus Der Eidervogel Mit einer Wasserlilie Vogel und Vogelfänger Der Bergmann Mein junger Wein Lichtscheu Lied des Dichters Die Schlucht Hochlandsleben Sängerfahrt Ein Schwan Gepriesen sei das Weib! Zum 4. Juli 1859 Das Schulhaus Volkstrauer An die Thingmänner Gruß an die Schweden An die Überlebenden An Professor Schweigård Wiegenlied Fort! Die Sturmschwalbe Agnes Stammbuchreim Macht der Erinnerung Offener Brief An einen fortziehenden Künstler Örnulfs Drapa Friedrich des Siebenten Andenken Ein Bruder in Not Des Glaubens Grund Das Storthingsgebäude Terje Vigen Verwicklungen Aus meinem häuslichen Leben Eine Kirche In der Galerie Chor der Unsichtbaren Auf den Höhen Gebet der Frauen Dank Abraham Lincolns Ermordung An meinen Freund, den revolutionären Redner Ohne Namen Bei Port Said An Friedrich Hegel, Ballonbrief Reimbrief Zu einer Hochzeit Einem Komponisten ins Stammbuch Verbrannte Schiffe Sängergruß an Schweden Aus der Ferne Ein Reimbrief Zur Tausendjahrfeier Ein Vers Sterne im Lichtnebel Sie saßen, die beiden ... Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2016. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Forographie von 1887. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt.

Denis Diderot: Rameaus Neffe In einem belebten Café plaudert der Neffe des bekannten Komponisten Rameau mit dem Erzähler über die unauflösliche Widersprüchlichkeit von Individuum und Gesellschaft, von Kunst und Moral. Der Text erschien zuerst 1805 in der deutschen Übersetzung von Goethe, das französische Original galt lange als verschollen, bis es 1891 - 130 Jahre nach seiner Entstehung - durch Zufall in einem Pariser Antiquariat entdeckt wurde. Entstanden: 1761, mehrmals überarbeitet bis 1774/75. Erstdruck: In deutscher Übersetzung nach einer von Diderot durchgesehenen Abschrift aus dem Besitz der russischen Zarin Katharina II. durch Johann Wolfgang von Goethe: Leipzig (Göschen) 1805. Erstdruck in französischer Sprache (als Rückübersetzung aus dem Deutschen) in: »Oeuvres«, Bd. 21, Paris 1821. Erstdruck nach einer (anderen) von Diderot revidierten Abschrift: Paris 1823. Der Text folgt der Goetheschen Übersetzung von 1805 ohne die von Goethe hinzugefügten »Anmerkungen über Personen und Gegenstände, deren in dem Dialog "Rameaus Neffe" erwähnt wird«. Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2013. Textgrundlage ist die Ausgabe: Goethe. Berliner Ausgabe. Herausgegeben vom Aufbau-Verlag / Siegfried Seidel: Poetische Werke [Bd. 1-16]; Kunsttheoretische Schriften und Übersetzungen [Bd. 17-22], Berlin: Aufbau, 1960 ff. Die Paginierung obiger Ausgabe wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Juan Gris, Mann im Café, 1914. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt.

Ein Arbeitsbuch für leidenschaftliche Musikhörer und Musikliebhaber ohne Notenkenntnisse. Es enthält die Früchte meiner Bach-Forschung aus fast 40 Jahren für das Ganzkörperlauschen, wie ich es nenne. Beliebte und berühmte, kleine und große Stücke des Komponisten sind hier aufgeführt. Nach einer kurzen Hinführung und Einstimmung folgt zu dem jeweiligen Musikstück eine handschriftliche Analyse, mit Zeitangaben zur verwendeten Aufnahme. Danach die Grafiken zur Melomorphose. Melomorphose ist die mit den Händen fühlbar und sichtbar gemachte feinstoffliche Gestalt einer Musik. Es ist ein unbeschreibliches Sein und Erleben, in den hochschwingenden Raum der Musik mit vollem Bewusstsein und sensibler Körperwahrnehmung einzutauchen. Das Buch eignet sich für jeden, der sich mit bestimmten Musikstücken von J.S. Bach beschäftigen und sie tiefer verstehen und erleben will. Es geht nur um die Musik, wie sie sich dem Hörenden mitteilt. Haben Sie Mut, sich auf diese Ganzkörpererfahrung mit der Musik einzulassen. Und zwar ganz bewusst mit dem sparsamen Einsatz nur der Hände, unter Verzicht auf tanzartige Bewegungen der Hüftgelenke und Beine. Sie stehen dabei, und alle Gelenke sind fließend beweglich, auch die Knie und die Hüften und die Füße. Doch Ihr bewusstes Wahrnehmen ist auf die Hände fokussiert. Wenn das neue Bewusstsein in der Menschheit tatsächlich erwachen sollte, könnte die Musik wieder eine neue, bedeutende Rolle auf der Erde spielen. Mittels der Melomorphosen ist ein unmittelbarer Zugang zur zeitlos und überdimensional existierenden Matrix der Musik geöffnet. Einmal verbunden, können völlig neue Informationen und Inspirationen heruntergeladen werden... Im Anhang gibt es eine übersichtliche Biographie und Werkeinführung zu J.S. Bach, ergänzt mit Tipps für gute Aufnahmen.

Denis Diderot: Rameaus Neffe In einem belebten Café plaudert der Neffe des bekannten Komponisten Rameau mit dem Erzähler über die unauflösliche Widersprüchlichkeit von Individuum und Gesellschaft, von Kunst und Moral. Der Text erschien zuerst 1805 in der deutschen Übersetzung von Goethe, das französische Original galt lange als verschollen, bis es 1891 - 130 Jahre nach seiner Entstehung - durch Zufall in einem Pariser Antiquariat entdeckt wurde. Entstanden: 1761, mehrmals überarbeitet bis 1774/75. Erstdruck: In deutscher Übersetzung nach einer von Diderot durchgesehenen Abschrift aus dem Besitz der russischen Zarin Katharina II. durch Johann Wolfgang von Goethe: Leipzig (Göschen) 1805. Erstdruck in französischer Sprache (als Rückübersetzung aus dem Deutschen) in: "Oeuvres", Bd. 21, Paris 1821. Erstdruck nach einer (anderen) von Diderot revidierten Abschrift: Paris 1823. Der Text folgt der Goetheschen Übersetzung von 1805 ohne die von Goethe hinzugefügten "Anmerkungen über Personen und Gegenstände, deren in dem Dialog "Rameaus Neffe" erwähnt wird". Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2015. Textgrundlage ist die Ausgabe: Goethe. Berliner Ausgabe. Herausgegeben vom Aufbau-Verlag / Siegfried Seidel: Poetische Werke [Bd. 1-16]; Kunsttheoretische Schriften und Übersetzungen [Bd. 17-22], Berlin: Aufbau, 1960 ff. Die Paginierung obiger Ausgabe wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Juan Gris, Mann im Café, 1914. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt.

Denis Diderot: Rameaus Neffe Lesefreundlicher Großdruck in 16-pt-Schrift In einem belebten Café plaudert der Neffe des bekannten Komponisten Rameau mit dem Erzähler über die unauflösliche Widersprüchlichkeit von Individuum und Gesellschaft, von Kunst und Moral. Der Text erschien zuerst 1805 in der deutschen Übersetzung von Goethe, das französische Original galt lange als verschollen, bis es 1891 - 130 Jahre nach seiner Entstehung - durch Zufall in einem Pariser Antiquariat entdeckt wurde. Großformat, 210 x 297 mm Berliner Ausgabe, 2019 Durchgesehener Neusatz mit einer Biographie des Autors bearbeitet und eingerichtet von Theodor Borken Entstanden: 1761, mehrmals überarbeitet bis 1774/75. Erstdruck: In deutscher Übersetzung nach einer von Diderot durchgesehenen Abschrift aus dem Besitz der russischen Zarin Katharina II. durch Johann Wolfgang von Goethe: Leipzig (Göschen) 1805. Erstdruck in französischer Sprache (als Rückübersetzung aus dem Deutschen) in: »Oeuvres«, Bd. 21, Paris 1821. Erstdruck nach einer (anderen) von Diderot revidierten Abschrift: Paris 1823. Der Text folgt der Goetheschen Übersetzung von 1805 ohne die von Goethe hinzugefügten »Anmerkungen über Personen und Gegenstände, deren in dem Dialog "Rameaus Neffe" erwähnt wird«. Textgrundlage ist die Ausgabe: Goethe. Berliner Ausgabe. Herausgegeben vom Aufbau-Verlag / Siegfried Seidel: Poetische Werke [Bd. 1-16]; Kunsttheoretische Schriften und Übersetzungen [Bd. 17-22], Berlin: Aufbau, 1960 ff. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Juan Gris, Mann im Café, 1914. Gesetzt aus der Minion Pro, 16 pt. Henricus Edition Deutsche Klassik UG (haftungsbeschränkt)

Komponist Michael Jary und Texter Bruno Balz waren über 40 Jahre lang das produktivste und erfolgreichste Duo des deutschsprachigen Schlagers und Kinos. Ihre Lieder wie „Ich weiß, es wird einmal ein Wunder gescheh’n“ oder „Davon geht die Welt nicht unter“ machten Zarah Leander zum Weltstar. Die 250 Kinofilme, zu denen sie die Musik beisteuerten, reichen von eleganten Komödien der Weimarer Zeit über ambivalente Melodramen im Dritten Reich bis zu Filmen in den Wirtschaftswunderjahren. „Im Schatten der Träume“ erzählt das bewegte Leben der beiden Künstlerfreunde – zwei Biographien, die selbst das Drehbuch für ein Melodram liefern könnten. Balz war als schwuler Mann ein Verfolgter des NS-Regimes und entging dem Konzentrationslager nur durch die Intervention von Jary, der angab, ohne seinen Texter die vom Propagandaministerium geforderten Lieder für den Film „Die große Liebe“ (1942) nicht liefern zu können. Regisseur Martin Witz kombiniert Szenen aus bekannten Spielfilmen mit privaten Fotografien, seltenen Interviews und Erinnerungen von Zeitzeugen. Experten wie Götz Alsmann erklären kenntnisreich und hintergründig die Entstehungsgeschichten der weltberühmten Lieder und Filme – und warum die Musik von Jary und Balz so verblüffend zeitlos ist. Eine Zeitreise durch vier Jahrzehnte Populärkultur, die mit Swing, frechen Berliner Chansons und Liebesliedern einen weiten musikalischen Bogen spannt, aber auch im politischen und gesellschaftlichen Kontext kritisch über „Unterhaltung“ und Ideologie nachdenkt.

Mit der Lustigen Witwe schuf Franz Lehár eine neue Form der Operette, deren stilistische Bandbreite vom Gassenhauer bis zum Musikdrama reichte. In der vorliegenden Biographie zeichnet Stefan Frey Lehárs Lebensweg von der Blütezeit der K.u.K.-Monarchie bis ins Dritten Reich nach, wo er als Hitlers Lieblingskomponist mit seiner jüdischen Frau zwischen alle Fronten geriet. Als prägende Figur der Operette des 20. Jahrhunderts steht Franz Lehár ein ähnlicher Rang zu wie Jacques Offenbach oder Johann Strauß. Doch anders als seine Vorgänger ist der am meisten aufgeführte Operettenkomponist seiner Zeit noch immer umstritten, gilt doch ausgerechnet seine Lustige Witwe als Sündenfall des Genres. Dieses Werk hat 1905 Lehárs steile Komponistenkarriere begründet und eine internationale Operettenkonjunktur von bisher unbekanntem Ausmaß ausgelöst. Die Wiener Operette beherrschte fortan die Bühnen der Welt, ehe der Erste Weltkrieg dem ein jähes Ende setzte. Nach Krieg und Inflation erlebte der Komponist erst in den späten zwanziger Jahren zusammen mit dem Tenor Richard Tauber eine Renaissance. Gegen Zeitgeist und Jazz konnte er seinen Thron als Operettenkönig behaupten. Lehárs lebenslanger Zwiespalt zwischen U- und E-Musik prägte nicht nur sein Werk. Zwiespältig verlief auch seine bewegte Lebensgeschichte, die im vorliegenden Buch erzählt wird.

Ein Arbeitsbuch für leidenschaftliche Musikhörer und Musikliebhaber ohne Notenkenntnisse. Es enthält die Früchte meiner Mozart-Forschung aus fast 40 Jahren für das Ganzkörperlauschen, wie ich es nenne. Beliebte und berühmte, kleine und große Stücke des Komponisten sind hier aufgeführt. Nach einer kurzen Hinführung und Einstimmung folgt zu dem jeweiligen Musikstück eine handschriftliche Analyse, mit Zeitangaben zur verwendeten Aufnahme. Danach die Grafiken zur Melomorphose. Melomorphose ist die mit den Händen fühlbar und sichtbar gemachte feinstoffliche Gestalt einer Musik. Es ist ein unbeschreibliches Sein und Erleben, in den hochschwingenden Raum der Musik mit vollem Bewusstsein und sensibler Körperwahrnehmung einzutauchen. Das Buch eignet sich für jeden, der sich mit bestimmten Musikstücken von Mozart beschäftigen und sie tiefer verstehen und erleben will. Es geht nur um die Musik, wie sie sich dem Hörenden mitteilt. Haben Sie Mut, sich auf diese Ganzkörpererfahrung mit der Musik einzulassen. Und zwar ganz bewusst mit dem sparsamen Einsatz nur der Hände, unter Verzicht auf tanzartige Bewegungen der Hüftgelenke und Beine. Sie stehen dabei, und alle Gelenke sind fließend beweglich, auch die Knie und die Hüften und die Füße. Doch Ihr bewusstes Wahrnehmen ist auf die Hände fokussiert. Wenn das neue Bewusstsein in der Menschheit tatsächlich erwachen sollte, könnte die Musik wieder eine neue, bedeutende Rolle auf der Erde spielen. Mittels der Melomorphosen ist ein unmittelbarer Zugang zur zeitlos und überdimensional existierenden Matrix der Musik geöffnet. Einmal verbunden, können völlig neue Informationen und Inspirationen heruntergeladen werden... Im Anhang gibt es eine übersichtliche Biographie und Werkeinführung zu Mozart, ergänzt mit Tipps für gute Aufnahmen.

Studienarbeit aus dem Jahr 2008 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 2, Karl-Franzens-Universität Graz, Sprache: Deutsch, Abstract: Analyse von Musikstücken dreier Komponistinnen im 19. Jh. im Vergleich. Problematik der musikalischen Karriere der Frau im 19. Jh. Warum wissen wir so wenig über die Werke von Frauen im 19. Jh.? Worin unterscheiden sichdie musikalischen Werke einer Frau zu denen eines Mannes? Gibt es überhaupt Unterschiedeund liegen diese am Geschlecht?Diese Arbeit deskribiert einen Versuch, diese Fragen durch Analyse der Biographien undKompositionen von drei Musikerinnen des 19. Jahrhunderts zu beantworten. Zum Vergleichwerden drei zeitgenössische Musiker ebenso dargestellt. In dieser Arbeit werden dieMöglichkeiten und Schwierigkeiten der musikalischen Entwicklung und des musikalischenAufstiegs der Frau im 19. Jahrhundert beleuchtet und analysiert. Die Problematik wird indieser Arbeit durch Vergleiche von verschiedenen KomponistInnen der gleichen Zeitepocheerläutert. Die KomponistInnen sind Louise Farrenc, Fanny Mendelssohn, Clara Schumann imVergleich zu ihren männlichen Zeitgenossen Frédéric Chopin, Felix Mendelssohn und RobertSchumann.Im ersten Teil dieser Arbeit wird die Problematik der Position der Frau in ihrer Umgebung zurdamaligen Zeit erläutert. Der zweite schildert der biographische Hintergrund die Ausbildungund der Werdegang der hier angeführten KomponistInnen und MusikerInnen. Im dritten Teilwerden die Werke der Komponistinnen und der Komponisten analysiert und miteinander verglichen.Der 4. und letzte Teil dieser Arbeit besteht aus einer Interpretation undZusammenfassung der wichtigsten Erkenntnisse der hier angeführten Analysen.

Examensarbeit aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Musikwissenschaft, Note: 2,3, Hochschule für Musik Detmold (Institut für Musikwissenschaft), Sprache: Deutsch, Abstract: Ziel der Analysen dieser Arbeit ist es, das Werk Daphnis et Chloé in Zusammenhang mit anderen Werken derselben Zeit zu bringen. Es wird untersucht, welche Einflüsse auf Ravel beim Verfassen dieser Komposition wirkten und auf welche Kompositionen anderer Komponisten er Einfluss ausübte. Dabei wird die gesamte Schaffensphase von Ravel berücksichtigt. Um 1910, also in der Zeit vor dem ersten Weltkrieg, in der Hochphase der Ballets russes, entstanden viele Ballettkompositionen. All jene im Einzelnen mit Ravels Daphnis et Chloé in Verbindung zu bringen wäre sicher aufschlussreich, würde aber den Umfang dieser Arbeit überschreiten.So beginnt diese Arbeit zunächst mit einem einleitenden Teil, in dem einige Hintergründe zu den Ballets russes und der Bedeutung Diaghilews für die damalige Pariser Kunstszene gegeben werden. Darin soll der Versuch vor dem ersten Weltkrieg verdeutlicht werden, die verschiedenen Künste Musik, Tanz und Malerei zu verbinden. Auf Grund einer sehr detaillierten Darstellung der Vita von Sergei Diaghilew von Richard Buckle stütze ich mich hier auf diese ausführliche Biographie, die als richtungsweisend auf diesem Gebiet gilt. Außerdem wird eine kurze Einführung und Inhaltsangabe des Longus Romans gegeben, auf welchem das Ballett basiert. Dieses Hintergrundwissen ist von großer Bedeutung für das Verständnis dieser Zeit, des Komponisten, seines Werkes, sowie für die Analyse und Interpretation des Stücks. Im zweiten Kapitel folgen dann Analysen unter den fünf Gesichtspunkten der Instrumentierung, einiger kompositorischer Besonderheiten, der Exotik, den Naturdarstellungen und der Masken. Es sind Aspekte, die uns den Facettenreichtum dieses Werkes demonstrieren und ebenso den künstlerischen Geist der damaligen Epoche des frühen 20. Jahrhunderts verdeutlichen sollen. In diesem Zusammenhang werden einige Passagen des Werkes, wie die Einleitung oder der Sonnenaufgang im dritten Teil, Gegenstand umfangreicher Analysen sein. [...]Kapitel 3 wird dann einen Vergleich zu Strawinskys Sacre du Printemps versuchen. Dieses Werk schien mir für einen Vergleich insofern sinnvoll, als dass es ebenfalls eine Auftragsarbeit für die Ballets russes war und nur ein Jahr später nach Ravels Daphnis et Chloé uraufgeführt wurde, allerdings für die damalige Zeit solch radikale musikalische Neuerungen hervorbrachte, dass ein vergleichender Blick mit Daphnis et Chloé hier lohnenswert ist.

Ein Arbeitsbuch für leidenschaftliche Musikhörer und Musikliebhaber ohne Notenkenntnisse. Es enthält die Früchte meiner Bach-Forschung aus fast 40 Jahren für das Ganzkörperlauschen, wie ich es nenne. Beliebte und berühmte, kleine und große Stücke des Komponisten sind hier aufgeführt. Nach einer kurzen Hinführung und Einstimmung folgt zu dem jeweiligen Musikstück eine handschriftliche Analyse, mit Zeitangaben zur verwendeten Aufnahme. Danach die Grafiken zur Melomorphose. Melomorphose ist die mit den Händen fühlbar und sichtbar gemachte feinstoffliche Gestalt einer Musik. Es ist ein unbeschreibliches Sein und Erleben, in den hochschwingenden Raum der Musik mit vollem Bewusstsein und sensibler Körperwahrnehmung einzutauchen. Das Buch eignet sich für jeden, der sich mit bestimmten Musikstücken von J.S. Bach beschäftigen und sie tiefer verstehen und erleben will. Es geht nur um die Musik, wie sie sich dem Hörenden mitteilt. Haben Sie Mut, sich auf diese Ganzkörpererfahrung mit der Musik einzulassen. Und zwar ganz bewusst mit dem sparsamen Einsatz nur der Hände, unter Verzicht auf tanzartige Bewegungen der Hüftgelenke und Beine. Sie stehen dabei, und alle Gelenke sind fließend beweglich, auch die Knie und die Hüften und die Füße. Doch Ihr bewusstes Wahrnehmen ist auf die Hände fokussiert. Wenn das neue Bewusstsein in der Menschheit tatsächlich erwachen sollte, könnte die Musik wieder eine neue, bedeutende Rolle auf der Erde spielen. Mittels der Melomorphosen ist ein unmittelbarer Zugang zur zeitlos und überdimensional existierenden Matrix der Musik geöffnet. Einmal verbunden, können völlig neue Informationen und Inspirationen heruntergeladen werden... Im Anhang gibt es eine übersichtliche Biographie und Werkeinführung zu J.S. Bach, ergänzt mit Tipps für gute Aufnahmen.

Denis Diderot: Rameaus Neffe In einem belebten Café plaudert der Neffe des bekannten Komponisten Rameau mit dem Erzähler über die unauflösliche Widersprüchlichkeit von Individuum und Gesellschaft, von Kunst und Moral. Der Text erschien zuerst 1805 in der deutschen Übersetzung von Goethe, das französische Original galt lange als verschollen, bis es 1891 - 130 Jahre nach seiner Entstehung - durch Zufall in einem Pariser Antiquariat entdeckt wurde. Entstanden: 1761, mehrmals überarbeitet bis 1774/75. Erstdruck: In deutscher Übersetzung nach einer von Diderot durchgesehenen Abschrift aus dem Besitz der russischen Zarin Katharina II. durch Johann Wolfgang von Goethe: Leipzig (Göschen) 1805. Erstdruck in französischer Sprache (als Rückübersetzung aus dem Deutschen) in: »Oeuvres«, Bd. 21, Paris 1821. Erstdruck nach einer (anderen) von Diderot revidierten Abschrift: Paris 1823. Der Text folgt der Goetheschen Übersetzung von 1805 ohne die von Goethe hinzugefügten »Anmerkungen über Personen und Gegenstände, deren in dem Dialog "Rameaus Neffe" erwähnt wird«. Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2013. Textgrundlage ist die Ausgabe: Goethe. Berliner Ausgabe. Herausgegeben vom Aufbau-Verlag / Siegfried Seidel: Poetische Werke [Bd. 1-16]; Kunsttheoretische Schriften und Übersetzungen [Bd. 17-22], Berlin: Aufbau, 1960 ff. Die Paginierung obiger Ausgabe wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Juan Gris, Mann im Café, 1914. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt.

Magisterarbeit aus dem Jahr 2008 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,0, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Musik des 20. Jahrhunderts präsentierte eine Dichte an Innovationen und Klangexperimenten aus verschiedensten künstlerischen Perspektiven. Man denke an die Dodekaphonie eines Schönbergs oder Hauers oder an die Entwicklung des Serialismus, an der Messiaen - wenn auch etwas unfreiwillig - maßgeblich beteiligt war. Man denke an die Einführung der Aleatorik oder die Verwendung elektronischer Musikinstrumente bis hin zur Computermusik. Messiaens Beitrag zur musikalischen Biographie dieses Jahrhunderts ist nicht zuletzt dank der Entwicklung seiner sieben Modi als eine der wichtigen Innovationen dieser Zeit zu betrachten. Seine symmetrisch aufgebauten Modi und deren fesselnde Klangästhetik sind ein noch nicht allzu oft untersuchtes Gebiet.Diese Arbeit möchte die Modi in Relation zu den zwei großen Stilausprägungen des 20. Jahrhunderts, der Klassik und des Jazz, setzen und ist daher in zwei Teile gegliedert. Der erste Teil untersucht die Modi in ihrem ursprünglichen Umfeld, der zeitgenössischen Musik des 20. Jahrhunderts. Kernfragen, die hier beantwortet werden sollen, sind: Welche Kriterien muss eine Skala erfüllen, um als Modus nach Messiaen bezeichnet werden zu können? Wie hat Messiaen seine Modi in seinen Kompositionen verarbeitet? Welches kultursoziologisches Weltbild prägte den Menschen Oliver Messiaen und wie sah sein musikalisches Umfeld aus, das ihm zur Entwicklung seiner Modi inspirierte? Wie gingen Komponisten vor dem Wirken Messiaens mit symmetrischem Tonmaterial um? Hat Messiaen mit seinen sieben Modi eine komplette Sammlung an allen möglichen symmetrischen Skalen, die die Kriterien eines Modus erfüllen, ausgeschöpft? Jeder Fragestellung ist ein Kapitel gewidmet.Der zweite Teil dieser Arbeit stellt die Modi in Verbindung zur improvisierten Musik. Hier wird der Frage nachgegangen, welche Verwendungsweisen sich bereits in der Jazzgeschichte und in der schulischen Jazzvermittlung etabliert haben. Noch nicht beachtete Verwendungsmöglichkeiten sollen in einem eigenen Kapitel ausgearbeitet werden. Die Erläuterungen und Analysen werden von kurzen Notenbeispielen unterstützt, um einen praktischen Zusammenhang zu gewährleisten. Schließlich richtet sich diese Arbeit auch an dem praktizierenden Musiker, der sein musikalisches Vokabular erweitern möchte.

Der fulminante Start der international gefeierten "Sieben-Schwestern"-Reihe. Band 1: Maia ist die älteste von sechs Schwestern, die alle von ihrem Vater adoptiert wurden, als sie sehr klein waren. Sie lebt als Einzige noch auf dem herrschaftlichen Anwesen ihres Vaters am Genfer See. Anders als ihre Schwestern, fand die schüchterne Maia nicht den Mut, ihre vertraute Umgebung zu verlassen. Doch das ändert sich, als ihr Vater überraschend stirbt und ihr einen Umschlag mit einem Hinweis hinterlässt. Sie wurde in Rio de Janeiro geboren. Maia fasst den Entschluss, nach Rio zu fliegen, und an der Seite von Floriano Quintelas, einem befreundeten Schriftsteller, beginnt sie, das Rätsel ihrer Herkunft zu ergründen. Band 2: Wind und Wasser, das sind die großen Leidenschaften in Allys Leben, die sie zum Beruf gemacht hat: Sie ist Seglerin und hat bei manch riskanter Regatta auf den Meeren der Welt ihren Mut unter Beweis gestellt. Eines Tages stirbt völlig überraschend ihr geliebter Vater und Ally reist zu dem Familiensitz am Genfer See. Wie auch ihre fünf Schwestern wurde sie als kleines Mädchen adoptiert und kennt ihre Wurzeln nicht. Ihr Vater hinterlässt ihr aber einen rätselhaften Hinweis auf ihre Vorgeschichte - die Biographie eines norwegischen Komponisten aus dem 19. Jahrhundert. Allys Neugier ist geweckt, und sie begibt sich auf Spurensuche in das raue Land im Norden. Band 3: Star d'Aplièse ist eine sensible junge Frau und begegnet der Welt eher mit Vorsicht. Seit sie denken kann, ist ihr Leben auf das Engste verflochten mit dem ihrer Schwester CeCe, aus deren Schatten herauszutreten ihr nie gelang. Als ihr geliebter Vater Pa Salt plötzlich stirbt, steht Star jedoch an einem Wendepunkt. Wie alle Mädchen in der Familie ist auch sie ein Adoptivkind und kennt ihre Wurzeln nicht, doch der Abschiedsbrief ihres Vaters enthält einen Anhaltspunkt - die Adresse einer Londoner Buchhandlung sowie den Hinweis, dort nach einer gewissen Flora MacNichol zu fragen...

Studienarbeit aus dem Jahr 2016 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,3, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, Sprache: Deutsch, Abstract: Diese Arbeit soll als ein Versuch verstanden werden, sich den Eigenarten von Feldmans Kompositionen anzunähern und die Wirkungsweisen, sowie den Aufbau seiner Stücke etwas genauer zu ergründen. Dabei ist es nicht das Ziel, eine tiefgehende musikwissenschaftliche Analyse zu liefern, sondern vielmehr ein grundlegendes Verständnis seiner Werke zu erarbeiten. Seine Stücke scheinen mystisch, unvorhersehbar, teilweise sehr düster- und oft mit Worten nicht greifbar. Denn Feldman hat die zeitgenössische Musik in Amerika geprägt wie kein anderer Komponist, seine eigenen ganz Maßstäbe gesetzt und wird immer wieder mit Worten wie "ein Meister der Langsamkeit, der Stille, der variierten Repetition" (Haubensak 2015) beschrieben. Nach einer kurzen allgemeinen Einführung in das Leben und Schaffen Feldmans, die eine knappe Biographie, eine Kontextualisierung in der Kunstrichtung des Abstrakten Expressionismus, sowie einen Überblick über seine verschiedenen Arbeitsphasen beinhaltet, sollen drei konkrete Musikstücke betrachtet werden: "The Viola in my Life III", "The Viola in my Life II", sowie "Rothko Chapel". Allen drei Stücken ist gemein, dass sie in den frühen 1970er Jahren entstanden sind und damit eine neue Schaffensphase Feldmans markieren, in der er wieder zur klassischen Notationsphase und damit (im Vergleich zu früheren Werken) zu eher rhytmischen Musikstücken neigte. Dennoch lassen sich vor allem zwischen der Werkreihe "The Viola in my Life" und der Auftragsarbeit "Rothko Chapel" einige Unterschiede hinsichtlich der Länge, des Verlaufs und der Aufteilung feststellen, die ebenfalls herausgearbeitet werden sollen. Ein abschließendes Fazit wird schließlich die Ergebnisse dieser Arbeit zusammenfassen und knapp beurteilen, inwiefern die Werke der frühen Siebziger Feldmans Oeuvre prägten und veränderte.