komponisten biographien

Ein Arbeitsbuch für leidenschaftliche Musikhörer und Musikliebhaber ohne Notenkenntnisse. Es enthält die Früchte meiner Bach-Forschung aus fast 40 Jahren für das Ganzkörperlauschen, wie ich es nenne. Beliebte und berühmte, kleine und große Stücke des Komponisten sind hier aufgeführt. Nach einer kurzen Hinführung und Einstimmung folgt zu dem jeweiligen Musikstück eine handschriftliche Analyse, mit Zeitangaben zur verwendeten Aufnahme. Danach die Grafiken zur Melomorphose. Melomorphose ist die mit den Händen fühlbar und sichtbar gemachte feinstoffliche Gestalt einer Musik. Es ist ein unbeschreibliches Sein und Erleben, in den hochschwingenden Raum der Musik mit vollem Bewusstsein und sensibler Körperwahrnehmung einzutauchen. Das Buch eignet sich für jeden, der sich mit bestimmten Musikstücken von J.S. Bach beschäftigen und sie tiefer verstehen und erleben will. Es geht nur um die Musik, wie sie sich dem Hörenden mitteilt. Haben Sie Mut, sich auf diese Ganzkörpererfahrung mit der Musik einzulassen. Und zwar ganz bewusst mit dem sparsamen Einsatz nur der Hände, unter Verzicht auf tanzartige Bewegungen der Hüftgelenke und Beine. Sie stehen dabei, und alle Gelenke sind fließend beweglich, auch die Knie und die Hüften und die Füße. Doch Ihr bewusstes Wahrnehmen ist auf die Hände fokussiert. Wenn das neue Bewusstsein in der Menschheit tatsächlich erwachen sollte, könnte die Musik wieder eine neue, bedeutende Rolle auf der Erde spielen. Mittels der Melomorphosen ist ein unmittelbarer Zugang zur zeitlos und überdimensional existierenden Matrix der Musik geöffnet. Einmal verbunden, können völlig neue Informationen und Inspirationen heruntergeladen werden... Im Anhang gibt es eine übersichtliche Biographie und Werkeinführung zu J.S. Bach, ergänzt mit Tipps für gute Aufnahmen.

Denis Diderot: Rameaus Neffe In einem belebten Café plaudert der Neffe des bekannten Komponisten Rameau mit dem Erzähler über die unauflösliche Widersprüchlichkeit von Individuum und Gesellschaft, von Kunst und Moral. Der Text erschien zuerst 1805 in der deutschen Übersetzung von Goethe, das französische Original galt lange als verschollen, bis es 1891 - 130 Jahre nach seiner Entstehung - durch Zufall in einem Pariser Antiquariat entdeckt wurde. Entstanden: 1761, mehrmals überarbeitet bis 1774/75. Erstdruck: In deutscher Übersetzung nach einer von Diderot durchgesehenen Abschrift aus dem Besitz der russischen Zarin Katharina II. durch Johann Wolfgang von Goethe: Leipzig (Göschen) 1805. Erstdruck in französischer Sprache (als Rückübersetzung aus dem Deutschen) in: "Oeuvres", Bd. 21, Paris 1821. Erstdruck nach einer (anderen) von Diderot revidierten Abschrift: Paris 1823. Der Text folgt der Goetheschen Übersetzung von 1805 ohne die von Goethe hinzugefügten "Anmerkungen über Personen und Gegenstände, deren in dem Dialog "Rameaus Neffe" erwähnt wird". Vollständige Neuausgabe mit einer Biographie des Autors. Herausgegeben von Karl-Maria Guth. Berlin 2015. Textgrundlage ist die Ausgabe: Goethe. Berliner Ausgabe. Herausgegeben vom Aufbau-Verlag / Siegfried Seidel: Poetische Werke [Bd. 1-16]; Kunsttheoretische Schriften und Übersetzungen [Bd. 17-22], Berlin: Aufbau, 1960 ff. Die Paginierung obiger Ausgabe wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Juan Gris, Mann im Café, 1914. Gesetzt aus Minion Pro, 11 pt.

Studienarbeit aus dem Jahr 2016 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,3, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, Sprache: Deutsch, Abstract: Diese Arbeit soll als ein Versuch verstanden werden, sich den Eigenarten von Feldmans Kompositionen anzunähern und die Wirkungsweisen, sowie den Aufbau seiner Stücke etwas genauer zu ergründen. Dabei ist es nicht das Ziel, eine tiefgehende musikwissenschaftliche Analyse zu liefern, sondern vielmehr ein grundlegendes Verständnis seiner Werke zu erarbeiten. Seine Stücke scheinen mystisch, unvorhersehbar, teilweise sehr düster- und oft mit Worten nicht greifbar. Denn Feldman hat die zeitgenössische Musik in Amerika geprägt wie kein anderer Komponist, seine eigenen ganz Maßstäbe gesetzt und wird immer wieder mit Worten wie "ein Meister der Langsamkeit, der Stille, der variierten Repetition" (Haubensak 2015) beschrieben. Nach einer kurzen allgemeinen Einführung in das Leben und Schaffen Feldmans, die eine knappe Biographie, eine Kontextualisierung in der Kunstrichtung des Abstrakten Expressionismus, sowie einen Überblick über seine verschiedenen Arbeitsphasen beinhaltet, sollen drei konkrete Musikstücke betrachtet werden: "The Viola in my Life III", "The Viola in my Life II", sowie "Rothko Chapel". Allen drei Stücken ist gemein, dass sie in den frühen 1970er Jahren entstanden sind und damit eine neue Schaffensphase Feldmans markieren, in der er wieder zur klassischen Notationsphase und damit (im Vergleich zu früheren Werken) zu eher rhytmischen Musikstücken neigte. Dennoch lassen sich vor allem zwischen der Werkreihe "The Viola in my Life" und der Auftragsarbeit "Rothko Chapel" einige Unterschiede hinsichtlich der Länge, des Verlaufs und der Aufteilung feststellen, die ebenfalls herausgearbeitet werden sollen. Ein abschließendes Fazit wird schließlich die Ergebnisse dieser Arbeit zusammenfassen und knapp beurteilen, inwiefern die Werke der frühen Siebziger Feldmans Oeuvre prägten und veränderte.

"Denk ich an Deutschland in der Nacht, dann bin ich um den Schlaf gebracht..." (Heinrich Heine, aus: Deutschland: Ein Wintermärchen). Dachte er dabei nicht vielmehr an die im französischen Exil so schmerzlich vermisste Mutter? Dieses Hörportrait beschreibt die Vielschichtigkeit des Schriftstellers, der immer wieder mit scharfer, ironischer Feder sein Vaterland aufs Korn nahm - und doch mit der "Loreley" eines der deutschen Gedichte schlechthin schrieb. In der dritten Ausgabe der Biographien-Serie geht es um Heinrich Heine, den Rock-n-Roller unter den deutschen Dichtern. Zeit seines Lebens kämpfte er darum, akzeptiert zu werden, dazuzugehören - und diese Bemühungen ließen ihn zu einem der wortgewaltigsten und bedeutungsvollsten Poeten werden. Sein kurzes Leben endete nach langem Siechtum auf dem Krankenbett, aber dennoch verließ ihn nie der Humor. Heine ließ nichts aus, nahm alles mit - und ertrug sein langes Siechtum vor dem Tode in der "Matratzengruft" mit Fassung, Humor und bei klarem Verstand. Nicht selten verabschiedete er Besucher mit einem herzlichen "Leben Sie wohl - und gehen Sie zum Teufel...". Auch dieses Hörportrait verbindet Leben und Werk des Künstlers: Immer wieder werden Gedichtwerke Heines rezitiert - im Zusammenhang mit des Dichters Lebenssituation zum dieser Zeit. Heine ist der vielleicht musikalischste von allen deutschen Dichtern, der es liebte, für seine Lyrik die überlieferten Formen des Volksliedes zu benutzen. Diesem musikalischen Geist in Heines Dichtung folgend, ersetzt der Sprecher und Musiker Sven Görtz die antike Lyra - das traditionelle Begleitinstrument für Dichtung - durch die elektrische Gitarre und präsentiert einige Gedichte Heines in modernem musikalischem Gewand. Sven Görtz wird am 13. November 1967 im Westerwald geboren. Er studierte Philosophie, Anglistik und Germanistik in Gießen. Neben seiner Arbeit als Sprecher und Regisseur ist er als Sänger, Komponist und Autor tätig.

Denis Diderot: Rameaus Neffe Lesefreundlicher Großdruck in 16-pt-Schrift In einem belebten Café plaudert der Neffe des bekannten Komponisten Rameau mit dem Erzähler über die unauflösliche Widersprüchlichkeit von Individuum und Gesellschaft, von Kunst und Moral. Der Text erschien zuerst 1805 in der deutschen Übersetzung von Goethe, das französische Original galt lange als verschollen, bis es 1891 - 130 Jahre nach seiner Entstehung - durch Zufall in einem Pariser Antiquariat entdeckt wurde. Großformat, 210 x 297 mm Berliner Ausgabe, 2019 Durchgesehener Neusatz mit einer Biographie des Autors bearbeitet und eingerichtet von Theodor Borken Entstanden: 1761, mehrmals überarbeitet bis 1774/75. Erstdruck: In deutscher Übersetzung nach einer von Diderot durchgesehenen Abschrift aus dem Besitz der russischen Zarin Katharina II. durch Johann Wolfgang von Goethe: Leipzig (Göschen) 1805. Erstdruck in französischer Sprache (als Rückübersetzung aus dem Deutschen) in: »Oeuvres«, Bd. 21, Paris 1821. Erstdruck nach einer (anderen) von Diderot revidierten Abschrift: Paris 1823. Der Text folgt der Goetheschen Übersetzung von 1805 ohne die von Goethe hinzugefügten »Anmerkungen über Personen und Gegenstände, deren in dem Dialog "Rameaus Neffe" erwähnt wird«. Textgrundlage ist die Ausgabe: Goethe. Berliner Ausgabe. Herausgegeben vom Aufbau-Verlag / Siegfried Seidel: Poetische Werke [Bd. 1-16]; Kunsttheoretische Schriften und Übersetzungen [Bd. 17-22], Berlin: Aufbau, 1960 ff. Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Juan Gris, Mann im Café, 1914. Gesetzt aus der Minion Pro, 16 pt. Henricus Edition Deutsche Klassik UG (haftungsbeschränkt)

Der fulminante Start der international gefeierten "Sieben-Schwestern"-Reihe. Band 1: Maia ist die älteste von sechs Schwestern, die alle von ihrem Vater adoptiert wurden, als sie sehr klein waren. Sie lebt als Einzige noch auf dem herrschaftlichen Anwesen ihres Vaters am Genfer See. Anders als ihre Schwestern, fand die schüchterne Maia nicht den Mut, ihre vertraute Umgebung zu verlassen. Doch das ändert sich, als ihr Vater überraschend stirbt und ihr einen Umschlag mit einem Hinweis hinterlässt. Sie wurde in Rio de Janeiro geboren. Maia fasst den Entschluss, nach Rio zu fliegen, und an der Seite von Floriano Quintelas, einem befreundeten Schriftsteller, beginnt sie, das Rätsel ihrer Herkunft zu ergründen. Band 2: Wind und Wasser, das sind die großen Leidenschaften in Allys Leben, die sie zum Beruf gemacht hat: Sie ist Seglerin und hat bei manch riskanter Regatta auf den Meeren der Welt ihren Mut unter Beweis gestellt. Eines Tages stirbt völlig überraschend ihr geliebter Vater und Ally reist zu dem Familiensitz am Genfer See. Wie auch ihre fünf Schwestern wurde sie als kleines Mädchen adoptiert und kennt ihre Wurzeln nicht. Ihr Vater hinterlässt ihr aber einen rätselhaften Hinweis auf ihre Vorgeschichte - die Biographie eines norwegischen Komponisten aus dem 19. Jahrhundert. Allys Neugier ist geweckt, und sie begibt sich auf Spurensuche in das raue Land im Norden. Band 3: Star d'Aplièse ist eine sensible junge Frau und begegnet der Welt eher mit Vorsicht. Seit sie denken kann, ist ihr Leben auf das Engste verflochten mit dem ihrer Schwester CeCe, aus deren Schatten herauszutreten ihr nie gelang. Als ihr geliebter Vater Pa Salt plötzlich stirbt, steht Star jedoch an einem Wendepunkt. Wie alle Mädchen in der Familie ist auch sie ein Adoptivkind und kennt ihre Wurzeln nicht, doch der Abschiedsbrief ihres Vaters enthält einen Anhaltspunkt - die Adresse einer Londoner Buchhandlung sowie den Hinweis, dort nach einer gewissen Flora MacNichol zu fragen...

«Dieses junge Genie verdiente Unterstützung, daß er reisen könnte. Er würde gewiß ein zweiter Wolfgang Amadeus Mozart werden, wenn er so fortschritte, wie er angefangen.» Magazin der Musik, 1783 Als Ludwig van Beethoven - vermutlich am 16. Dezember 1770 - in Bonn geboren wurde, ließ nichts auf die einzigartige Bedeutung erahnen, die er in der Musikwelt seiner Zeit und künftiger Jahrhunderte erlangen sollte. Zwar entstammte er einer Musikerfamilie, doch hatten Familienangehörige vorangegangener Generationen musikalisch kaum mehr als einen lokalen Bekanntheitsgrad erlangt; dafür aber weiß die Überlieferung von seelischen Problemen und einer fatalen Neigung zum Alkohol in seinem engsten Verwandtenkreis. Vor diesem familiären Hintergrund fällt es schwer, den Werdegang Beethovens zur Ausnahmeerscheinung zu verstehen, ohne den Begriff «Genie» zu bemühen. Jedenfalls erhielt der kleine Ludwig eine klassische Ausbildung zum Musiker, in deren Verlauf bereits früh sein außergewöhnliches Talent bemerkt wurde und sich bald in Gestalt des Berufsmusikers Christian Gottlob Neefe ein Lehrer und Förderer fand, der richtungsweisend auf Beethovens weiteren Weg einwirkte. Und der führte unabweislich nach Wien, wo Beethoven bei großen Meistern seiner Epoche - allen voran Joseph Haydn, aber auch Johann Georg Albrechtsberger und Antonio Salieri - lernen und Zugang zu dem Kreis der Fürsten Karl von Lichnowsky und Franz Joseph Maximilian von Lobkowitz finden sollte. Er nahm Wien nicht im Sturm: Das Revolutionäre seiner Kompositionen - seiner Orchester- und seiner Klavierwerke - war zum Leidwesen des Komponisten nicht unumstritten, aber letztlich doch bezwingend; und so drang sein Ruhm bis zur kaiserlichen Familie vor, deren Spross, Erzherzog Rudolph von Österreich, schließlich sein Schüler wurde. Doch alle musikalischen, gesellschaftlichen und mitunter auch finanziellen Erfolge linderten kaum die Verzweiflung, die Beethoven empfand, als er sich bewusst wurde, dass er - vermutlich als Spätfolge einer Infektionskrankheit - allmählich ertaubte und dass er wegen der herrschenden Konventionen niemals seine «unsterbliche Geliebte» würde heiraten können. Aber er trotzte seinem Schicksal und schuf Werke, deren bestürzender Schönheit wir uns bis auf den heutigen Tag nicht entziehen können. Jan Caeyers hat Leben und Werk Beethovens in einer von großer Sympathie für seinen Protagonisten getragenen, aber nie hagiographischen Biographie zusammengeführt und zugleich ein faszinierendes Epochenporträt entworfen. Abbildungen können aus lizenzrechtlichen Gründen leider nicht im E-Book angezeigt werden.

Die gezielte Tötung von Ayatollah Ali Khamenei stürzt nicht nur die Islamische Republik Iran in die Krise, sondern verschiebt das Machtgefüge im Nahen Osten und beschädigt die Vision des politischen Islam insgesamt – Das Ende des Rahbarismus und die Persistenz der Rackets: Weshalb die Massaker nach den Dey-Protesten und der Militäraktion »Roaring Lion« kein Indiz für Stabilität der khomeinistischen Despotie sind und es sich beim neuen ›Thronfolger‹ Mojtaba Khamenei um eine Karikatur des entrückten Imams handelt – Die vergessene Revolution: Warum nicht nur die gespaltene iranische Opposition in der Diaspora gut daran täte, sich an die konstitutionelle Revolution von 1905 bis 1911 im Iran zu erinnern, um die islamische (Konter-)Revolution von 1979 rückgängig zu machen – Amerika und Israel allein gegen das iranische Regime: Über die europäische Appeasementpolitik und den Niedergang der NATO – ¡Hasta la vista, chavista!: Gibt der Sturz von Nicolás Maduro Anlass zur Hoffnung auf ein Ende der Racketstrukturen in Venezuela? – Zur politischen Ökonomie der Flüchtlingspolitik: Weshalb die europäische Bekämpfung der Schlepper umso mehr auf das Bündnis der EU mit den Banden hinausläuft – Die Internationale der Populisten? Nicht nur die verquere Außenpolitik der Volkssouveränisten weist die AfD in Anlehnung an Otto Kirchheimer als »rechtsextreme Allerweltspartei« aus – Symbol Entebbe: Was KD Wolffs Biographie über den individuellen und politischen Umgang mit dem Antizionismus der Revolutionären Zellen (RZ) verrät – Über das Elend des akademischen Milieus: Der Plagiatsjäger – Sog der Apokalypse: Mit Klaus Heinrich über die Inversion der Geschichtsphilosophie in der Klimabewegung – Von der Prophetin des Untergangs zur antizionistischen Avantgardistin: Greta Thunberg als Verkörperung des ökologischen Krisenbewusstseins – Hinter Dirk Moses’ »Erziehung nach Gaza« und seiner Identifizierung von Herrschaft und Vernichtung verbirgt sich nichts als die postkoloniale Wut der Nivellierung – Fluchtpunkt Israel: Nach dem 7. Oktober zeigt sich deutlicher denn je, dass Moses’ Problematisierung des Genozidbegriffs und sein Konzept der »permanenten Sicherheit« es immer schon auf den jüdischen Staat absah – Ausgehend von Adornos nicht geschriebenem Buch über Beethoven und einem späten Quartett des Komponisten stellt sich die Frage, ob sich die Kritik der Hegelschen Logik im Anschluss an Kants Kritik der Urteilskraft in a-Moll formulieren lässt – Musik und Subjekt: Adornos Begriff des »innerkompositorischen Subjekts« nötigt zur Verhältnisbestimmung u.a.

Die große musikalische E.T. A. Hoffmann-Hörbuch-Box Mit Musik von E. T. A. Hoffmann, Robert Schumann und Sergej Prokofjew, gelesen von Peter Bieringer. 1.Ritter Gluck: Eine Erinnerung aus dem Jahre 1809. 2.Harfenquintett: Quintett für konzertierende Harfe und Streichquartett in c-moll, von E. T. A. Hoffmann (1807) 3.Meister Floh: Ein Märchen in sieben Abenteuern zweier Freunde (1822). 4.Grand Trio für Pianoforte, Violine und Violoncello in E-Dur, von E. T. A. Hoffmann (1809) 5.Die Fermate: Eine Erzählung (1815). 6.Lebensansichten des Katers Murr: nebst fragmentarischer Biographie des Kapellmeisters Johannes Kreisler in zufälligen Makulaturblättern (1819 und 1821). Darin enthalten: Kreisleriana: Op. 16 von Robert Schumann. (1838) Er war eine der faszinierendsten Gestalten der deutschen Romantik: E. T. A. Hoffmann, preußischer Kammergerichtsrat, Dichter, Kapellmeister, Komponist und Zeichner. Lebenslang war er hin- und hergerissen zwischen seiner Liebe zur Dichtkunst und zur Musik. Er selbst hielt sich für den begabteren Musiker, wir wissen es aber heute besser: sein Eigenstes gab er in seinen Romanen und Erzählungen. Was soll man also von einem Schriftsteller halten, der über sich selbst behauptet: »Zum Musiker bin ich nun einmal geboren, das habe ich von meiner frühesten Jugend an in mir gefühlt und mit mir herumgetragen. Nur der mir innewohnende Genius der Musik kann mich aus meiner Misere reißen.« Dabei hatte Hoffmann, als er dieses Bekenntnis 1812 einem Freund anvertraute, bereits die Erzählung "Ritter Gluck" und die ersten "Kreisleriana" veröffentlicht, die alsbald seinen literarischen Ruf (und damit auch seine schillernde Extravaganz) begründeten. Heinrich Heine sollte das Werk Hoffmanns später einen »entsetzlichen Angstschrei in zwanzig Bänden« nennen. Wohlgemerkt: das literarische Werk, das musikalische war ihm vermutlich gänzlich unbekannt. Ernst Theodor Amadeus Hoffmann wird vorwiegend für sein literarisches Schaffen geschätzt, weniger bekannt jedoch sind seine Leistungen auf dem Gebiet der Musik. Dieses Hörbuch zeigt den Schriftsteller auch als Komponisten und beschäftigt sich auch mit seinem extrem gefühlsbetonten Zugang zur Kompostitonskunst. Mit seinem "Harfenquintett" und dem "Grand Trio für Pianoforte, Violine und Violoncello" sind hier zwei seiner Werke in historischen Aufnahmen zu hören. Coverabbildung unter Verwendung einer Federzeichnung des Autors: E.T.A. Hoffmann: Selbstporträt / um 1800. Coverschrift gesetzt aus der Cambria. Einige der ausgewählten Werke sind auch als einzelne Hörbuchproduktionen bei der hoerbuchedition words and music erhältlich. Musik / Quellennachweise: zu 2: E. T. A. Hoffmann: Harfenquintett: Quintett für konzertierende Harfe und Streichquartett in c-moll. Quelle: disque microsillon 30 cm Schwann Musica Mundi. zu 4: E. T. A. Hoffmann: Grand Trio für Pianoforte, Violine und Violoncello / gespielt von: Marielle Nordmann: Harfe - Martine Joste: Klavier - Gérard Jarry, Jacques Ghestem: Violine - Serge Collot: Viola - Michel Tournus: Violoncello. Quelle: disque microsillon 30 cm Schwann Musica Mundi./ archive.org zu 6: Robert Schumann: Kreisleriana, Op. 16 / gespielt von Aurelia Vișovan, Quelle: musopen.org Schlussmusik bei Meister Floh: Sergej Prokofjew: Feroce (Nr.14) Schlussmusik bei Die Fermate: Sergej Prokofjew: Commodo (Nr.8), gespielt von Jo Roloff: Piano. Über den Sprecher: Peter Bieringer (*1957) gehörte viele Jahre zum Ensemble der NDR-Sprecher, seit 2006 ist er freischaffend. Seine Stimme ist präsent in zahllosen Radiofeatures, TV-Dokumentationen, Synchronrollen und Hörspielen. In seinem eigenen Studio entstanden bisher Dutzende Hörbuchtitel, darunter auch für die hoerbuchedition words and music.

Studienarbeit aus dem Jahr 2006 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: Sehr Gut, Universität Wien (Theater,-Film und Medienwissenschaften), Veranstaltung: Entstehung und Frühgeschichte der Oper III VL/UE, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Karriere des Komponisten Johann Joseph Fux - vom steirischen Bauernsohn zum Hofkapellmeister in Wien - erscheint noch heute erstaunlich, wirkt aber in Anbetracht der gesellschaftlichen und sozialen Rahmenbedingungen des 17. Jahrhunderts geradezu märchenhaft. Obwohl die Oper am Wiener Kaiserhof eindeutig vom italienischen, insbesondere venezianischen Stil geprägt war, schaffte es Fux als Österreicher, sich gegen die scheinbar übermächtige Konkurrenz durchzusetzen und mit seinen Opern zu reüssieren. Weltruhm erlangte er überdies mit seinem Kontrapunktlehrbuch "Gradus ad Passum" als Musiktheoretiker und Lehrer, womit er die Entwicklung der Musik nachhaltig beeinflusste. In der vorliegenden Arbeit möchte ich den Spuren seines persönlichen Entwicklungsprozesses - unter besonderer Berücksichtigung seines Opernschaffens - folgen. Grundsätzlich stellt sich hierbei die Frage, wie es Johann Joseph Fux schaffte, aus seiner kleinbäuerlichen Umgebung zu "entkommen". Welche Faktoren halfen dem Bauernsohn, neue Ufer zu ergründen? Dab es für den talentierten Jungen Hilfe seitens der Familie oder des dörflichen Umfeldes? Ebenso interessant ist, ob er es vielleicht sogar aus eigener Kraft schaffte, die damaligen Standesfesseln abzuwerfen, um sich ganz der Musik zu verschreiben. Aber was veranlasste schließlich einen deutschen Kaiser, ausgerechnet einen deutschen/österreichischen Musiker zum Hofcompositeur zu ernennen, obwohl man doch dem italienischen Stil nacheiferte? Wann wandte sich Johann Joseph Fux der Oper zu und welche Themen wurden in seinem Opernschaffen aufgearbeitet? Wer schrieb die Libretti? Besonders interessant wäre auch die Frage nach der praktischen Umsetzung der Opern: Wie sah eine Opernaufführung einer Fuxschen Oper am kaiserlichen Hof aus? Ebenso drängt sich eine Grundsätzliche Frage bezüglich des kaiserlichen Mäzenatentum auf, denn warum wurden überhaupt Opern bei Fux in Auftrag gegeben? Welche kaiserlichen Intentionen standen hinter einer Opernaufführung dieser Zeit und wie erfüllte der Hofcompositeur Fux diese speziellen Wünsche? Wie sah der Meister selbst sein Wirken im Bezug auf die Oper und welche Aspekte waren ihm dabei persönlich wichtig?Die Arbeit basiert vor allem auf Biographien zu Johann Joseph Fux, Werken zur Operngeschichte und speziellen Websites. Aufgrund der Kürze der schriftlichen Darstellung kann natürlich nur ein kurzer Einblick in das Leben dieses faszinierenden Musikers gegeben werden.

Magisterarbeit aus dem Jahr 2008 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,0, Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Musik des 20. Jahrhunderts präsentierte eine Dichte an Innovationen und Klangexperimenten aus verschiedensten künstlerischen Perspektiven. Man denke an die Dodekaphonie eines Schönbergs oder Hauers oder an die Entwicklung des Serialismus, an der Messiaen - wenn auch etwas unfreiwillig - maßgeblich beteiligt war. Man denke an die Einführung der Aleatorik oder die Verwendung elektronischer Musikinstrumente bis hin zur Computermusik. Messiaens Beitrag zur musikalischen Biographie dieses Jahrhunderts ist nicht zuletzt dank der Entwicklung seiner sieben Modi als eine der wichtigen Innovationen dieser Zeit zu betrachten. Seine symmetrisch aufgebauten Modi und deren fesselnde Klangästhetik sind ein noch nicht allzu oft untersuchtes Gebiet.Diese Arbeit möchte die Modi in Relation zu den zwei großen Stilausprägungen des 20. Jahrhunderts, der Klassik und des Jazz, setzen und ist daher in zwei Teile gegliedert. Der erste Teil untersucht die Modi in ihrem ursprünglichen Umfeld, der zeitgenössischen Musik des 20. Jahrhunderts. Kernfragen, die hier beantwortet werden sollen, sind: Welche Kriterien muss eine Skala erfüllen, um als Modus nach Messiaen bezeichnet werden zu können? Wie hat Messiaen seine Modi in seinen Kompositionen verarbeitet? Welches kultursoziologisches Weltbild prägte den Menschen Oliver Messiaen und wie sah sein musikalisches Umfeld aus, das ihm zur Entwicklung seiner Modi inspirierte? Wie gingen Komponisten vor dem Wirken Messiaens mit symmetrischem Tonmaterial um? Hat Messiaen mit seinen sieben Modi eine komplette Sammlung an allen möglichen symmetrischen Skalen, die die Kriterien eines Modus erfüllen, ausgeschöpft? Jeder Fragestellung ist ein Kapitel gewidmet.Der zweite Teil dieser Arbeit stellt die Modi in Verbindung zur improvisierten Musik. Hier wird der Frage nachgegangen, welche Verwendungsweisen sich bereits in der Jazzgeschichte und in der schulischen Jazzvermittlung etabliert haben. Noch nicht beachtete Verwendungsmöglichkeiten sollen in einem eigenen Kapitel ausgearbeitet werden. Die Erläuterungen und Analysen werden von kurzen Notenbeispielen unterstützt, um einen praktischen Zusammenhang zu gewährleisten. Schließlich richtet sich diese Arbeit auch an dem praktizierenden Musiker, der sein musikalisches Vokabular erweitern möchte.

Ein Arbeitsbuch für leidenschaftliche Musikhörer und Musikliebhaber ohne Notenkenntnisse. Es enthält die Früchte meiner Forschung aus fast 40 Jahren für das Ganzkörperlauschen, wie ich es nenne. In diesem Band geht es um die Wurzeln der großen Musik: Gregorianischer Gesang und die Musik der Hildegard von Bingen. Zu beiden Themen gibt es eine reich bebilderte, kompakte Einführung und Biographie. Im Gregorianischen Gesang schwingt eine Urfrequenz des Aufbruchs, ein kindliches Unbekümmertsein und sich geborgen Wissen in der Liebe des Einen, der Alles ist. Einzigartig in der gesamten Musikgeschichte steht Hildegard von Bingen da. Zu einer Zeit, als es noch keine Komponisten gab (12. Jh.), schuf sie als Frau in einer von Männern beherrschten Welt eine Fülle herrlicher Gesänge mit einem ganz individuellen Stil. Es sind Vertonungen dessen, was sie in ihren Visionen hörte. Die Meditation dieser einzigartigen Gesänge ist ein Geschenk für Menschen, die sich gerne in hohen Schwingungsebenen aufhalten. Aus meinem reichen Schatz authentischer und hoch inspirierter Aufnahmen gibt es eine Auswahl besonders schöner Stücke, mit denen ich mich über Jahrzehnte befasst habe. Nach einer kurzen Hinführung und Einstimmung folgt zu dem jeweiligen Musikstück eine handschriftliche Analyse, mit Zeitangaben zur verwendeten Aufnahme. Danach die Grafiken zur Melomorphose. Melomorphose ist die mit den Händen fühlbar und sichtbar gemachte feinstoffliche Gestalt einer Musik. In den hochschwingenden Raum dieser Musik mit vollem Bewusstsein und sensibler Körperwahrnehmung einzutauchen führt zu erweiterten Bewußtseinszuständen und tiefer Meditation. Das Buch eignet sich für jeden, der sich mit den Gesängen der Gregorianik und Hildegard von Bingen beschäftigen und sie tiefer verstehen und erleben will. Es geht ausschließlich um die Musik, einen Zugang finden, sie persönlich ergründen und erfahren. Da die Musikstücke im Handel kaum noch erhältlich sind, gibt es alle im Buch behandelten Stücke bei mir auf zwei CDs als Einzelanfertigung. Haben Sie Mut, sich auf diese Ganzkörpererfahrung mit der Musik einzulassen. Und zwar ganz bewusst mit dem sparsamen Einsatz nur der Hände, unter Verzicht auf tanzartige Bewegungen der Hüftgelenke und Beine. Sie stehen dabei, und alle Gelenke sind fließend beweglich, auch die Knie und die Hüften und die Füße, Ihr bewusstes Wahrnehmen ist auf die Hände fokussiert. Die in diesem Buch dargestellten Musikstücke sind hochfrequente feinstoffliche Nahrung für Seele und Geist. Urstoff für eine individuelle Meditationserfahrung. Eine Empfehlungsliste mit guten Aufnahmen rundet das Buch ab. Mit Hilfe der Angaben sind manche Stücke wahrscheinlich auf YouTube oder ähnlichen Kanälen zu finden.

Diplomarbeit aus dem Jahr 1997 im Fachbereich Musikwissenschaft, Note: 1,0, Hochschule für Musik und Theater Hamburg (Maschinenbau und Produktion), Sprache: Deutsch, Abstract: Inhaltsangabe:Einleitung: Während einer Reise nach Krakau im Jahre 1994 besuchte ich das in der Nähe liegende Konzentrationslager Auschwitz-Birkenau und stieß dort auf Berichte und Photographien von musizierenden Häftlingen. Von diesen Eindrücken angeregt beschloß ich, mich näher mit dem Phänomen von Musik in Konzentrationslagern auseinanderzusetzen. Ich war erstaunt, wie verbreitet das Musizieren in den Lagern war. Besonders faszinierte mich das außergewöhnlich reichhaltige kulturelle Leben Theresienstadts. Mich verwunderte, daß dort Werke aufgeführt wurden, die von den Nationalsozialisten verboten waren oder Kritik an den Deutschen zum Ausdruck brachten, wie auch die Kinderoper "Brundibár", die in Theresienstadt fünfundfünfzigmal mit großem Erfolg gespielt wurde. Warum entstand gerade in Theresienstadt ein so vielfältiges kulturelles Angebot? Wie kam es dazu, daß in einem Konzentrationslager Werke zur Aufführung kamen, die in den übrigen Gebieten desDritten Reiches nicht gespielt werden durften, weil sie jüdischen Ursprungs waren oder zur "entarteten Kunst" gezählt wurden? Gang der Untersuchung: Zur Beantwortung dieser Fragen gebe ich zunächst einen kurzen Überblick über die Entstehung des Konzentrationslagers Theresienstadt und stelle die Bedingungen für die dort inhaftierten Menschen dar, da sich die Bedingungen in Theresienstadt von den Zuständen in anderen Konzentrationslagern unterschieden: Theresienstadt war als Musterlager konzipiert und wurde von den Nationalsozialisten zu propagandistischen Zwecken eingesetzt. Einige Besonderheiten Theresienstadts, wie z. B. die Freizeitgestaltung und die Selbstverwaltung, haben das kulturelle Leben in diesem Lager erst ermöglicht und sind nur aufgrund der Sonderstellung Theresienstadts zu erklären. Der zweite Teil beschäftigt sich mit der Frage, welche Möglichkeiten der Musikausübung in anderen Konzentrationslagern bestanden. Dabei erschien mir die Unterscheidung zwischen befohlenem und freiwilligem Musizieren bzw. Musikkonsum wichtig, da sich die Bedeutung der Musik für die Häftlinge dadurch wesentlich veränderte: Musik hatte je nach Anlaß und Situation positiven oder negativen Einfluß auf die Gefangenen. Die Darstellung des Musiklebens in anderen Lagern hielt ich für notwendig, um das Musikleben in Theresienstadt mit der Situation in den übrigen Lagern vergleichen und die Sonderstellung Theresienstadts hinsichtlich seines Musikangebots herausarbeiten zu können. Aufgrund des anders gelagerten Verhältnisses von befohlener und freiwilliger Musik hatte die Musik in Theresienstadt einen anderen Stellenwert für die Häftlinge als in anderen Lagern und war oft Lebenshilfe für die Häftlinge, woraus sich u. a. auch der Erfolg von "Brundibár" erklärt. In den Kapiteln 3.1 meiner Arbeit stelle ich die Autoren von "Brundibár", den Komponisten Hans Krása und den Verfasser des Librettos, Adolf Hoffmeister, vor. Ich schildere die Entstehung der Oper, ihren Weg ins Konzentrationslager Theresienstadt und die dortigen Aufführungen.Dabei gehe ich auch auf den Inhalt der Kinderoper ein, um das Verständnis der folgenden Kapitel zu erleichtern, in denen mir eine Kenntnis der Thematik notwendig erscheint. Bei meinen Nachforschungen über Hans Krása trat das Problem auf, daß mir nur wenig Literatur über seine Biographie und seinen Kompositionsstil zur Verfügung stand. Beispielsweise verzögerte sich die Herausgabe eines Buches von Blanka Cervinková über den Komponistenbis heute, so daß ich diese Quelle nicht nutzen konnte. So habe ich selbst versucht, in der Analyse charakteristische Kompositionstechniken Krásas zu erarbeiten. Eine vollständige Analyse der Oper würde den Rahmen dieser Arbeit sprengen. D...

Lebensansichten des Katers Murr nebst fragmentarischer Biographie des Kapellmeisters Johannes Kreisler in zufälligen Makulaturblättern. Ein satirischer Roman von E.T.A. Hoffmann, gelesen von Peter Bieringer. Er sei stolz auf seinen berühmten Vorfahren, den gestiefelten Kater, behauptet Kater Murr. Nun: sprechende Katzen sind in der Literatur wahrlich keine Seltenheit. Doch schon in den Lebensansichten des Katers Murr von E. T. A. Hoffmann, einem 200 Jahre alten Text, tritt ein Kater höchstpersönlich als Autor und Erzähler in Erscheinung und offeriert der Nachwelt seine Weisheiten und Erkenntnisse. Dummerweise benutzt er dafür bereits beschriebene Papiere, nämlich die Manuskriptseiten des Kapellmeisters Kreisler, die er bei seinem Herrn findet. Durch einen vermeintlichen Fehler bei der Drucklegung ergibt es sich, dass sich die Lebensgeschichte des schriftstellernden Katers mit der Biografie des Kapellmeisters auf kuriose Weise vermischt. In Hoffmanns Romancollage ist also der vierbeinige Held mit allen menschlichen Schwächen ausgestattet. Maßlos überschätzt er die eigene Genialität, rüttelt an der gesellschaftlichen Ordnung, stürzt sich in erotische Abenteuer und holt sich dabei manche Blessur. Seinem menschlichen Gegenüber, dem Kapellmeister Johannes Kreisler, ergeht es nicht besser. Ganz hypersensible Künstlernatur, scheitert er am Unverständnis seiner Umgebung, der Musik nicht mehr bedeutet als galante Zerstreuung. Und eigentlich sind sie zu dritt: Hoffmann hat selbst zeitlebens unter mangelnder Anerkennung gelitten, changierte zwischen seinen Begabungen als Schriftsteller, Komponist und Maler und war in seinem Brotberuf als Jurist genauso unglücklich wie 100 Jahre später ein Franz Kafka. Und wenn wunderts? Natürlich besaß Hoffmann einen eigenen Kater namens Murr, der ihm viel bedeutete und der ihn zu seinem Roman-Kater inspirierte. Der Tod des echten Hauskaters wurde Ende 1821 über verschiedene Fassungen einer Todesanzeige bekannt gegeben. Der Roman selbst endet analog dazu mit einer Todesanzeige des Romankaters. E. T. A. Hoffmann hat mit diesem Roman ein literarisches Kunstwerk hinsichtlich Form und Komposition geschaffen. Es gelang ihm, zwei voneinander weitgehend unabhängige Geschichten parallel zu erzählen und dennoch die beiden Handlungsstränge geschickt miteinander zu verknüpfen. An den Hörer stellt das dennoch hohe Anforderungen, zumal die Kreisler-Biografie nur aus Fragmenten besteht und in sich allein schon eine recht komplizierte Struktur aufweist. Aber gerade darum bereitet der Roman auch heute noch ein ungewöhnliches Vergnügen. Mit diesem Hörbuch wird erstmals die vollständige Romanfassung akustisch veröffentlicht. Coverabbildung: Unter Verwendung der lizenzfreien Stockvektor-Nummer: 491280577. Vektorgrafik von Greenery. Coverschrift gesetzt aus der Sitka. Über den Sprecher: Peter Bieringer (*1957) gehörte viele Jahre zum Ensemble der NDR-Sprecher, seit 2006 ist er freischaffend. Seine Stimme ist präsent in zahllosen Radiofeatures, TV-Dokumentationen, Synchronrollen und Hörspielen. In seinem eigenen Studio entstanden bisher Dutzende Hörbuchtitel, darunter "Heeresbericht", "Philipp II.", "Luther lesen", "Wie man ein Kind lieben soll", "Jetzt ist unser Gesang der Jazz", "Die Frau ohne Schatten", "Acht Tage im Mai", "Gefallene Ritter" und "Joseph Beuys". Ich widme dieses Hörbuch meinem verehrten Lehrer Jürgen Rohde (1935-2021), mit dem ich viele literarische Abende gestalten durfte, u.a. über E.T.A. Hoffmann. Leider ist Jürgen kurz vor Fertigstellung der Aufnahme verstorben. Peter Bieringer / Hamburg, im März 2021

Lebensansichten des Katers Murr nebst fragmentarischer Biographie des Kapellmeisters Johannes Kreisler in zufälligen Makulaturblättern. Ein satirischer Roman von E.T.A. Hoffmann, gelesen von Peter Bieringer. Er sei stolz auf seinen berühmten Vorfahren, den gestiefelten Kater, behauptet Kater Murr. Nun: sprechende Katzen sind in der Literatur wahrlich keine Seltenheit. Doch schon in den Lebensansichten des Katers Murr von E. T. A. Hoffmann, einem 200 Jahre alten Text, tritt ein Kater höchstpersönlich als Autor und Erzähler in Erscheinung und offeriert der Nachwelt seine Weisheiten und Erkenntnisse. Dummerweise benutzt er dafür bereits beschriebene Papiere, nämlich die Manuskriptseiten des Kapellmeisters Kreisler, die er bei seinem Herrn findet. Durch einen vermeintlichen Fehler bei der Drucklegung ergibt es sich, dass sich die Lebensgeschichte des schriftstellernden Katers mit der Biografie des Kapellmeisters auf kuriose Weise vermischt. In Hoffmanns Romancollage ist also der vierbeinige Held mit allen menschlichen Schwächen ausgestattet. Maßlos überschätzt er die eigene Genialität, rüttelt an der gesellschaftlichen Ordnung, stürzt sich in erotische Abenteuer und holt sich dabei manche Blessur. Seinem menschlichen Gegenüber, dem Kapellmeister Johannes Kreisler, ergeht es nicht besser. Ganz hypersensible Künstlernatur, scheitert er am Unverständnis seiner Umgebung, der Musik nicht mehr bedeutet als galante Zerstreuung. Und eigentlich sind sie zu dritt: Hoffmann hat selbst zeitlebens unter mangelnder Anerkennung gelitten, changierte zwischen seinen Begabungen als Schriftsteller, Komponist und Maler und war in seinem Brotberuf als Jurist genauso unglücklich wie 100 Jahre später ein Franz Kafka. Und wenn wunderts? Natürlich besaß Hoffmann einen eigenen Kater namens Murr, der ihm viel bedeutete und der ihn zu seinem Roman-Kater inspirierte. Der Tod des echten Hauskaters wurde Ende 1821 über verschiedene Fassungen einer Todesanzeige bekannt gegeben. Der Roman selbst endet analog dazu mit einer Todesanzeige des Romankaters. E. T. A. Hoffmann hat mit diesem Roman ein literarisches Kunstwerk hinsichtlich Form und Komposition geschaffen. Es gelang ihm, zwei voneinander weitgehend unabhängige Geschichten parallel zu erzählen und dennoch die beiden Handlungsstränge geschickt miteinander zu verknüpfen. An den Hörer stellt das dennoch hohe Anforderungen, zumal die Kreisler-Biografie nur aus Fragmenten besteht und in sich allein schon eine recht komplizierte Struktur aufweist. Aber gerade darum bereitet der Roman auch heute noch ein ungewöhnliches Vergnügen. Coverabbildung: Unter Verwendung der lizenzfreien Stockvektor-Nummer: 491280577. Vektorgrafik von Greenery. Coverschrift gesetzt aus der Sitka. Über den Sprecher: Peter Bieringer (*1957) gehörte viele Jahre zum Ensemble der NDR-Sprecher, seit 2006 ist er freischaffend. Seine Stimme ist präsent in zahllosen Radiofeatures, TV-Dokumentationen, Synchronrollen und Hörspielen. In seinem eigenen Studio entstanden bisher Dutzende Hörbuchtitel, darunter "Heeresbericht", "Philipp II.", "Luther lesen", "Wie man ein Kind lieben soll", "Jetzt ist unser Gesang der Jazz", "Die Frau ohne Schatten", "Acht Tage im Mai", "Gefallene Ritter" und "Joseph Beuys". Ich widme dieses Hörbuch meinem verehrten Lehrer Jürgen Rohde (1935-2021), mit dem ich viele literarische Abende gestalten durfte, u.a. über E.T.A. Hoffmann. Leider ist Jürgen kurz vor Fertigstellung der Aufnahme verstorben. Peter Bieringer / Hamburg, im März 2021

"… Im Übrigen bin ich mehr und mehr überzeugt, dass die Musik ihrem Wesen nach nichts ist, was in eine strenge und traditionelle Form gegossen werden könnte. Sie besteht aus Farben und rhythmisierter Zeit … Alles andere ist ein Schabernack, erfunden von kalten Dummköpfen auf dem Rücken der Meister, die doch vorwiegend nur Musik ihrer Zeit gemacht haben! Allein Bach hat die Wahrheit geahnt." Claude Debussy, 3. Sept. 1907 an Jacques Durand Claude Debussys Briefe an seine Verleger dokumentieren das gesamte Berufsleben des französischen Komponisten und zugleich eine musikhistorisch und politisch bewegte Epoche zwischen Fin de siècle und Erstem Weltkrieg. Dabei ist Debussy ein luzider und zuweilen bissig-ironischer Beobachter und Kommentator der kulturellen und politischen Verhältnisse, in denen er lebte und in denen er sein Werk schuf. Debussys wichtigster Verleger, Jacques Durand, war mehr als nur Geschäftspartner: Er war Freund, Mäzen und Ratgeber, der erste Ansprechpartner in allen Dingen. Niemandem sonst hat Debussy mehr Briefe geschrieben, und diese bilden den Hauptteil des Buches. Auszüge aus Jacques Durands eigenen Erinnerungen (Quelques souvenirs d’un éditeur de musique 1924/25), soweit sie Debussy betreffen, ergänzen die Ausgabe. Die Briefe Debussys erscheinen hier erstmals in deutscher Übersetzung. Kommentare erläutern Hintergründe und Zusammenhänge. Die Übersetzung basiert auf der kommentierten französischen Ausgabe der kompletten Korrespondenz Debussys von François Lesure, Denis Herlin und Georges Liébert (Claude Debussy – Correspondance 1872-1918, Gallimard 2005). Der Übersetzer: Bernd Goetzke, Kenner der französischen Musikkultur, lehrt als Professor für Klavier an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover sowie weltweit in Meisterkursen; Schüler von Arturo Benedetti Michelangeli, bezeichnet er Debussy und Beethoven als die „Brennpunkte“ seines Repertoires. Zu seiner Biographie gehört die Verwurzelung in der französischen Kultur, Sprache und Musik von Jugend an.****************Claude Debussy’s letters to his publisher document the French composer’s whole professional career and also a musically and politically eventful epoch between the fin de siècle and the First World War. Debussy emerges as a lucid and sometimes waspish and ironic observer of and commentator on the cultural and political circumstances in which he lived and created his works. Debussy’s letters appear here for the first time in German translation. Commentaries explain backgrounds and contexts. The translation is based on the French edition of Debussy’s complete correspondence edited by François Lesure, Denis Herlin and Georges Liébert (Claude Debussy – Correspondance 1872-1918, Gallimard 2005). The translator: Bernd Goetzke, an expert in French musical culture, is Professor of Piano at the Hochschule für Musik in Hanover and teaches masterclasses around the world; pupil of Arturo Benedetti Michelangeli; he describes Debussy and Beethoven as the ‘focal points’ of his repertoire. His life has been rooted in French culture, language and music since his youth. “… Also I am more and more convinced, that music in its essence is not something that can be poured into a strict and traditional mould. It consists of colours and rhythmic time … Everything else is trickery, invented by cold fools on the backs of the masters, who mostly only made music of their own time! Only Bach divined the truth.” Claude Debussy, 3 Sept 1907 to Jacques Durand

"¿ Im Übrigen bin ich mehr und mehr überzeugt, dass die Musik ihrem Wesen nach nichts ist, was in eine strenge und traditionelle Form gegossen werden könnte. Sie besteht aus Farben und rhythmisierter Zeit ¿ Alles andere ist ein Schabernack, erfunden von kalten Dummköpfen auf dem Rücken der Meister, die doch vorwiegend nur Musik ihrer Zeit gemacht haben! Allein Bach hat die Wahrheit geahnt." Claude Debussy, 3. Sept. 1907 an Jacques Durand Claude Debussys Briefe an seine Verleger dokumentieren das gesamte Berufsleben des französischen Komponisten und zugleich eine musikhistorisch und politisch bewegte Epoche zwischen Fin de siècle und Erstem Weltkrieg. Dabei ist Debussy ein luzider und zuweilen bissig-ironischer Beobachter und Kommentator der kulturellen und politischen Verhältnisse, in denen er lebte und in denen er sein Werk schuf. Debussys wichtigster Verleger, Jacques Durand, war mehr als nur Geschäftspartner: Er war Freund, Mäzen und Ratgeber, der erste Ansprechpartner in allen Dingen. Niemandem sonst hat Debussy mehr Briefe geschrieben, und diese bilden den Hauptteil des Buches. Auszüge aus Jacques Durands eigenen Erinnerungen (Quelques souvenirs d¿un éditeur de musique 1924/25), soweit sie Debussy betreffen, ergänzen die Ausgabe. Die Briefe Debussys erscheinen hier erstmals in deutscher Übersetzung. Kommentare erläutern Hintergründe und Zusammenhänge. Die Übersetzung basiert auf der kommentierten französischen Ausgabe der kompletten Korrespondenz Debussys von François Lesure, Denis Herlin und Georges Liébert (Claude Debussy ¿ Correspondance 1872-1918, Gallimard 2005). Der Übersetzer: Bernd Goetzke, Kenner der französischen Musikkultur, lehrt als Professor für Klavier an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover sowie weltweit in Meisterkursen; Schüler von Arturo Benedetti Michelangeli, bezeichnet er Debussy und Beethoven als die ¿Brennpunkte¿ seines Repertoires. Zu seiner Biographie gehört die Verwurzelung in der französischen Kultur, Sprache und Musik von Jugend an. ******* Claude Debussy¿s letters to his publisher document the French composer¿s whole professional career and also a musically and politically eventful epoch between the fin de siècle and the First World War. Debussy emerges as a lucid and sometimes waspish and ironic observer of and commentator on the cultural and political circumstances in which he lived and created his works. Debussy¿s letters appear here for the first time in German translation. Commentaries explain backgrounds and contexts. The translation is based on the French edition of Debussy¿s complete correspondence edited by François Lesure, Denis Herlin and Georges Liébert (Claude Debussy ¿ Correspondance 1872-1918, Gallimard 2005). The translator: Bernd Goetzke, an expert in French musical culture, is Professor of Piano at the Hochschule für Musik in Hanover and teaches masterclasses around the world; pupil of Arturo Benedetti Michelangeli; he describes Debussy and Beethoven as the ¿focal points¿ of his repertoire. His life has been rooted in French culture, language and music since his youth. ¿¿ Also I am more and more convinced, that music in its essence is not something that can be poured into a strict and traditional mould. It consists of colours and rhythmic time ¿ Everything else is trickery, invented by cold fools on the backs of the masters, who mostly only made music of their own time! Only Bach divined the truth.¿ Claude Debussy, 3 Sept 1907 to Jacques Durand